Ticket-Buchung

Philharmonisches Staatsorchester Hamburg

Dirigent: Omer Meir Wellber

Solisten: Lawrence Power (Viola), Aloisia De Nardis (Sopran), Janetka Hosco (Mezzosopran)

Das 3. Blaue Konzert verschränkt Barock und Moderne zu einem vielschichtigen Hörerlebnis: Giovanni Battista Pergolesis „Stabat Mater“ (1736) – klar, eindringlich, unmittelbar – begegnet dem Violakonzert (1985) von Alfred Schnittke, Satz für Satz ineinander verwoben. Ein Klangdialog aus Erinnerungen, Emotionen und überraschenden Wendungen.

Alfred Schnittke: Konzert für Viola und Orchester

Giovanni Battista Pergolesi: „Stabat Mater“

Pergolesis Musik richtet den Blick auf menschliches Leid und Mitgefühl. Schnittkes Violakonzert vereint zarte Reflexion mit orchestraler Kraft und macht die Viola zur Stimme zwischen Nähe und Widerstand. Was zunächst ein reiner Gegensatz zu sein scheint, gewinnt beim Hören an Tiefe und erzeugt produktive Spannung, einen offenen Prozess des Hörens und Entdeckens.

Unter der Leitung von Omer Meir Wellber übernehmen junge Stimmen aus der Accademia del Maggio Musicale Fiorentino die vokalen Partien.

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Schauspiel nach dem Roman von Annette Hess

Regie: Jorinde Dröse

Mit „Deutsches Haus“ erzählt Jorinde Dröse von der Auseinandersetzung mit dem Nationalsozialismus, die bis heute nicht abgeschlossen ist, von persönlicher Verstrickung – und der Frage, wofür wir uns entscheiden: hinsehen oder weitermachen, als wäre nichts geschehen.

Die junge Dolmetscherin Eva wird kurzfristig zu einem Prozess gerufen, um vom Polnischen ins Deutsche zu übersetzen – über das, was in Auschwitz geschehen ist. Auf der Anklagebank: Männer aus der Mitte der Gesellschaft. Zum ersten Mal hört Eva von dem Unbegreifbaren, das die junge Bundesrepublik so gründlich unter einer aufschwungsglänzenden Fassade von Normalität verborgen hält. Und plötzlich steht die Frage im Raum: Haben wir wirklich von all dem nichts gewusst?

Ballett von John Neumeier nach dem Roman von Alexandre Dumas

Musik: Frédéric Chopin

Choreografie und Inszenierung: John Neumeier

Bühnenbild und Kostüme: Jürgen Rose

„Die Kameliendame“, 1978 für das Stuttgarter Ballett geschaffen, verbindet klassisches Vokabular mit fein nuancierter Charakterzeichnung und ist geprägt von großer emotionaler Intensität. Zur Musik von Frédéric Chopin entwickelte sich „Die Kameliendame“ zu einem der bedeutendsten Handlungsballette des 20. Jahrhunderts und zählt heute zu den international meistgespielten Werken John Neumeiers.

Paris im 19. Jahrhundert: rauschende Bälle, Theaterbesuche, funkelnde Diamanten und Champagner. Die Geschichte handelt von der tragischen nicht standesgemäßen Liebesbeziehung zwischen der Kurtisane Marguerite Gautier und Armand Duval, einem Mann aus bester Gesellschaft, die an den gesellschaftlichen Zwängen scheitert. John Neumeiers raffinierte Dramaturgie, verbunden mit Frédéric Chopins gefühlvollen Klavierkompositionen und Jürgen Roses stimmungsvoller Ausstattung, macht das Ballett zu einem zeitlosen Klassiker.

Die Inspiration für den Roman „Die Kameliendame“ war die Pariser Kurtisane Alphonsine Plessis. Ihre kurze, aber prägende Liebe zu Alexandre Dumas hinterließ einen tiefen Eindruck, den der junge Autor 1848 in einem der meistgelesenen Werke der Weltliteratur verarbeitete, das zahlreiche Kunstwerke inspirierte, u. a. Giuseppe Verdis Oper „La Traviata“, den Kinofilm „Die Kameliendame“ mit Greta Garbo oder der Film „Moulin Rouge"! von Baz Luhrmann mit Nicole Kidman und Ewan McGregor.

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Schauspiel von Stefan Kaegi

Konzept & Regie: Stefan Kaegi; Raum: Aljoscha Begrich; Musik: Arvild J. Baud

Dramaturgie: Ludwig Haugk, Aljoscha Begrich

Mit neun anonymen Stimmen und Live-Musiker: Thomas Leboeg

In „Société Anonyme“ gewährt die Dunkelheit Geschichten und Erzählenden Schutz vor Scham, Furcht und Bewertung. Von Darkweb bis Telefonseelsorge, hinter dem Schleier des Hijab oder der verdunkelten Scheibe einer Limousine, bei Whistleblowern und der Hackergruppe Anonymous … In der Dunkelkammer entwickelt sich das Bild einer anderen Stadt.

Licht an, Bühne frei! Im Theater treten Menschen ins Licht, damit das Publikum ihnen zuschauen und sich mit ihnen identifizieren kann. Aber was ist mit jenen, die das Rampenlicht scheuen? Wohin mit den Anliegen, die den Schutz der Anonymität brauchen, wie die Demokratie die Urne? Wie lässt sich die Intimität von Gesprächen nach dem Lichterlöschen ins Theater überführen? Mit geschlossenen Augen gelingt das Zuhören besser. Ob bei der Beichte, im Darkroom, im Aktiengeschäft, in Chatforen, am Telefon oder bei Stromausfall: Ohne Licht und Gesicht entsteht Raum für eine Seite der Gesellschaft, die den Glamour scheut.

Schauspiel von Zak Zarafshan

Regie: Anne Lenk

Bühne: Judith Oswald

Kostüme: Sibylle Wallum

Musik/Komposition: Johannes Hofmann

Dramaturgie ElvIn Ilhan

Wie fühlen sich Kinder, wenn ihre Eltern alles überwachen und normieren wollen? Zak Zarafshan entlarvt in seiner scharfsinnigen Komödie, die mit enormem Erfolg schon London eroberte, mit Witz und Tempo die Bruchstellen der Toleranz und die grotesken Reflexe einer überforderten Gesellschaft.

Ein Kuss, ein Beben, ein Chaos: Zwei neunjährige Jungen küssen sich auf dem Schulhof und die Eltern geraten unter Druck. Zwischen Panik, Prinzipien und absurden Erziehungsdebatten suchen sie verzweifelt nach der „richtigen“ Reaktion. Während sie sich in ihren Ängsten verlieren, mischen sich zwei überirdische Kräfte ein – mächtig, unberechenbar und mit einer Vorliebe für Drama: In Gestalt zweier queerer Engel weisen sie den Weg in eine offenere Zukunft.

Schauspiel nach dem Erfolgsroman von Caroline Wahl

Regie und Bühnenfassung: Katrin Mayr; Musik: Clemens Mägde; Ausstattung: Christine Grimm

Das meistverkaufte Buch der letzten Jahre kommt nun in Altona auf die Bühne! Die berührende Coming-of-Age-Geschichte erzählt vom Aufwachsen zweier Schwestern in schwierigen Verhältnissen. Caroline Wahls preisgekröntes Romandebüt erzählt mit zärtlicher Genauigkeit von Verantwortung in jungen Jahren, von einer Liebe und der Suche nach einem Platz im Leben.

Sommer in einer deutschen Kleinstadt: Die Schwestern Tilda und Ida leben zwischen Freibad, Schule und Uni – doch die Leichtigkeit fehlt. Während die Mutter im Alkohol versinkt und ihre Kinder vernachlässigt, trägt die Ältere, Tilda, Verantwortung für beide. Als sich Tilda die Chance bietet, für Studium und Karriere nach Berlin zu gehen, steht sie vor der schweren Entscheidung: für ihre Schwester bleiben oder gehen? Und dann taucht auch noch auf einmal Viktor auf, und das schlägt ungeahnte Wellen.

Unvergessliche Stunden in der Welt der Gewürze und des Gins

Sie begeben sich mit einem Schauspielr, einem echten „Hamburger Pfeffersack“, auf eine Erkundungstour durch die schöne Hamburger Speicherstadt. Anschließend erhalten Sie im Gewürzmuseum wertvolle Informationen zu Gewürzen, die Sie in Form von leckeren Gewürzhäppchen und einem Zimtkaffee genießen. Mit dieser Grundlage verkosten Sie drei Hamburger Gins mit Erklärungen dazu. Als Höhepunkt des Abends stellen Sie einen eigenen Gin her, den Sie zuhause probieren können.

Beginn: 17 Uhr, Treffpunkt: Spicy’s Gewürzmuseum, Am Sandtorkai 24, 20457 Hamburg

Ende: ca. 20.15 Uhr

Starten Sie ab 10 Uhr mit einem ausgiebigen Brunch im Restaurant KÖRRI in einen perfekten freien Tag. Genießen Sie allerlei Köstlichkeiten von einem reichhaltigen Brunch-Buffet in stilvollem Ambiente. Unser Brunch-Angebot besteht aus kalten und warmen Speisen sowie einem süßen Dessert-Buffet inkl. Kaffeespezialitäten, aromatisiertem Wasser, verschiedenen Säften, Kuchen & Gebäck.

(Dauer: bis zu 3 Stunden)

Um 13 Uhr folgen Sie dem einflussreichen und angesehenen Gewürzkaufmann Jacob Lange (gespielt von dem professionellen Schauspieler Tobias Brüning) durch die weltweit einzigartige Hamburger Speicherstadt bis zum Spicy’s Gewürzmuseum.

(Dauer: ca. 1 Stunde)

Dort lauschen Sie einem stimmungsvollen Vortrag und genießen einen aromatischen Zimtkaffee, zubereitet mit echtem Ceylon-Zimt (Canehl), oder auch einen Chai-Tee (Gewürztee).

(Dauer: ca. 1 Stunde)

Ablauf:

10.00 Uhr Restaurant KÖRRI, Springeltwiete 2, 20095 Hamburg

13:00 Uhr Kaufmanns-Rundgang

14:00 Uhr Spicy‘s Gewürzmuseum

Dauer der Tour: ca. 4 Stunden

Schauspiel frei nach Anton Tschechow aus dem Russischen von Elina Finkel in einer Bearbeitung von Yana Ross

Regie: Yana Ross

Bühne: Bettina Meyer/ Kostüme: Ulrike Gutbrod / Musik: Knut Jensen / Dramaturgie: Matthias Günther / Mitarbeit Dramaturgie: Samuel Petit

Die ausgewiesene Tschechow-Kennerin Yana Ross arbeitet zum ersten Mal am SchauSpielHaus und überträgt Tschechows Meisterwerk „Die Möwe“ ins Heute. Fast alle Figuren, die Tschechow hier versammelt, sind irgendwo im Leben angekommen, wo sie eigentlich nicht hin wollten. Nun bilden sie einen Reigen unglücklich liebender, grandios oder kleinlaut scheiternder Menschen.

Als junge erfolglose Künstlerinnen und Künstler glauben sie noch daran, Konventionen sprengen zu können und verlieren dann den Glauben an ihre Arbeit. Sie wollen eigentlich ein bedeutendes Leben führen in den Metropolen der Welt, arrangieren sich dafür tapfer in der Provinz. Sie wollen die Gesellschaft verändern und werden von sich selbst enttäuscht. Auch suchen sie ihre große Liebe und landen in einer leidenschaftslosen Ehe...

Schauspiel von Marina Carr

Regie: Elias Perrig

Das Stück erzählt hochemotional vom Leidensweg Klytämnestras nach der Opferung ihrer Tochter Iphigenie durch ihren Ehemann, den mykenischen König Agamemnon.

Die Griechen wollen gegen Troja in den Krieg ziehen. Agamemnon opfert seine Tochter Iphigenie auf Befehl des Orakels von Delphi – vermutlich eine politische Intrige, getarnt als göttliche Botschaft. Er handelt so, um seine Autorität als Herrscher zu bewahren. Klytämnestra kommt zu spät, um ihre Tochter zu retten. Nach gewonnenem Krieg kehrt er zehn Jahre später zu Klytämnestra und den Kindern in den Palast zurück. Mit sich bringt er die Prophetin Kassandra, Kriegsbeute, die fortan sein Bett teilt. Zwischen Begehren und Schmerz, Macht und Kalkül finden sich alle Figuren gefangen in einer Männerwelt, in der Frauenschicksale nur Verhandlungsssache sind.

Ballett von Alexei Ratmansky nach Lewis Carroll

(Altersempfehlung: ab 8 Jahren)

Choreografie: Alexei Ratmansky

Musik arrangiert und orchestriert von Philip Feeney

Bühnenbild: Sebastian Hannak; Kostüme: David Szauder

Dramaturgie: Vivien Arnold

Ein Höhepunkt der Ballett-Saison 2025 / 2026: die Weltpremiere von „Wunderland“ des ukrainisch-amerikanischen Choreografen Alexei Ratmansky. Der Hauschoreograf des New York City Ballet ließ sich von Lewis Carrolls zeitlosen Klassikern „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ inspirieren. Ratmanskys meisterhafte Erzählkunst und innovative Ballettsprache machten ihn zu einem weltweit gefeierten und gefragten Künstler. Die New York Times beschreibt ihn als den „wohl wichtigsten Ballettchoreografen der heutigen Zeit“.

Die Fantasy-Bücher von Lewis Carroll verzaubern seit über 100 Jahren immer neue Generationen. Die Abenteuer der kleinen, eigensinnigen Alice fesseln und faszinieren bis heute mit ihren teils putzigen, teils furchterregenden Charakteren aus dem Wunderland – u. a. der hastige weiße Hase, die wundersame Grinsekatze, die Wasserpfeife rauchende Raupe, die Zwillingsbrüder Tweedledum und Tweedledee, das verrückte Duo Märzhase und Hutmacher sowie die diktatorische Herzkönigin, die stets „Kopf ab!“ schreit – sind im allgemeinen kulturellen Gedächtnis längst verankert.

Sind diese fantastischen Geschichten nur ein (Alb)Traum, ein Paralleluniversum oder eine Reise ins Unterbewusstsein? Carrolls literarische Vorlagen bieten viele Interpretationsmöglichkeiten.

Neben seinen zahlreichen Uraufführungen für führende Ballettcompagnien ist Alexei Ratmansky auch bekannt für Rekonstruktionen der großen Werke des 19. Jahrhunderts. Durch und durch dem klassischen Ballett verpflichtet, beherrscht er wie kaum ein anderer Choreograf die Kunst, klassische Balletttechnik mit einer modernen Sensibilität zu verweben. Vor allem aber ist er ein genialer Geschichtenerzähler. Die bezaubernden – und teilweise irritierenden – Geschichten von Alice liegen bei ihm in besten Händen, und das Hamburger Publikum darf sich auf ein fantasievolles Ballett freuen.

Premiere: 20.06.2026

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Krimikomödie nach dem Bestseller von Karsten Dusse

Bühnenfassung: Bernd Schmidt

Regie: Axel Schneider

Kostüme: Jana Schweers

„Achtsam morden“ ist die Geschichte eines bewussten, „entschleunigten“ Mordes, eine Kombination aus Achtsamkeits-Ratgeber und Krimi, aus der Feder des Rechtsanwaltes und Autors Karsten Dusse. „Spannung, ungebetene Ratschläge und Galgenhumor... Das kriegt halt nur ein Anwalt hin.“ (Jan Böhmermann)

Björn Diemel, ein erfolgreicher Anwalt, hat sehr wenig Zeit für seine Familie. Daher zwingt ihn seine Frau, ein Achtsamkeits-Seminar zu besuchen, um seine Ehe zu retten, seine Vaterrolle zu verbessern und seine Work-Life-Balance wiederherzustellen. Der Kurs zeigt Erfolge und Björn wird das Gelernte sogar in seinen Job integrieren: Als sein schuldiger Mandant, ein brutaler Großkrimineller, beginnt, ihm ernstliche Probleme zu bereiten, bringt er ihn einfach um — und zwar nach allen Regeln der Achtsamkeit...

Karsten Dusse ist Rechtsanwalt und seit Jahren als Autor für Fernsehformate tätig. Seine Arbeit wurde mit dem Deutschen Fernsehpreis und mehrfach mit dem Deutschen Comedypreis ausgezeichnet sowie für den Grimme-Preis nominiert. Sein Debütroman „Achtsam morden“ und auch die Fortsetzung „Das Kind in mir will achtsam morden" schafften es an die Spitze der Bestsellerlisten.

Oper von Richard Wagner

In deutscher Sprache

Altersempfehlung ab 16 Jahren / Klasse 11

Inszenierung: Claus Guth

Musikalische Leitung: Omer Meir Wellber

Bühnenbild und Kostüme: Christian Schmidt

Hier sind höhere Mächte am Werk! Dieser Hamburger Ring von Regisseur Claus Guth und Bühnen- und Kostümbildner Christian Schmidt ist eine Laboranordnung – ihr Strippenzieher heißt Wotan. Die politische Fabel um Macht und was sie kostet, wird in der „Walküre“, die in dieser Spielzeit als autonomes Einzelstück gezeigt wird, bereits auf die entscheidende Essenz gebracht: Nicht das Göttliche steht hier im Zentrum, sondern der Mensch.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“).

Den Göttern droht der Untergang. Wotan will einen freien Helden schaffen, der ihm den Ring und damit die Herrschaft über die Welt zurückgeben soll. Er startet ein Experiment und zeugt mit einer Menschenfrau das Zwillingspaar Siegmund und Sieglinde. Doch sein Experiment scheitert. Er muss Siegmund opfern und am Ende auch noch seine Lieblingstochter Brünnhilde…

Walküren, auch Schlacht- oder Schildjungfern, sind weibliche Geisterwesen der nordischen Mythologie aus dem Gefolge des Göttervaters Wotan.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“). Richard Wagners größtes und ambitioniertestes Werk entstand in einem Arbeitsprozess von über 30 Jahren. Wagner schrieb dazu den Text, komponierte die Musik und gab detaillierte szenische Anweisungen vor.

Premiere: 19. Oktober 2008

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Krimikomödie von Danny Robins

Deutsch von Sarina Reyer; Regie und Ausstattung: Marcus Ganser

Einrichtung: Martin Woelffer

Mit Karim Chérif, Lena Dörrie, Alina Levshin, Max von Pufendorf u. a.

„2:22 – A Ghost Story“, die gefeierte Theater-Sensation aus London, nun auch in Hamburg: Ein raffinierter und nervenaufreibender Mix aus Gänsehaut, Witz und der ewigen Frage: Was ist real – und was glauben wir nur zu sehen? Glaube gegen Wissenschaft. Gruselig. Spannend. Unvergesslich. Finden Sie heraus, was um 2:22 Uhr geschieht!

Jenny und Sam haben ein altes Haus gekauft und frisch renoviert. Doch dann, mitten in der Nacht, hört Jenny über das Babyphone Schritte. Und die Stimme eines weinenden Mannes. Immer wieder. Punkt 2:22 Uhr. Sam glaubt nicht an Geister. Doch Jenny spürt: In diesem Haus stimmt etwas nicht. Um sich abzulenken, lädt sie Freunde zum Abendessen ein. Der Wein fließt, die Gespräche werden lebhaft: über Zufall, über Glauben und das Übernatürliche. Während die Nacht fortschreitet, rückt das Unheimliche näher. Gemeinsam beschließen sie, wach zu bleiben – bis 2:22 Uhr. Dann werden sie es wissen.

Krimikomödie nach dem Bestseller von Karsten Dusse

Bühnenfassung: Bernd Schmidt

Regie: Axel Schneider

Kostüme: Jana Schweers

Nach dem großen Erfolg in den vergangenen Spielzeiten kehrt das Stück aus der gefeierten Romanreihe von Karsten Dusse zurück nach Altona. „Dirk Hoener ist in seiner entspannten Dauerironie eine sympathische Identifikationsfigur und hat mit charmanter Eloquenz den Abend im Griff.“ (Die Deutsche Bühne)

Vieles läuft gut für Björn Diemel, seitdem er die Prinzipien der Achtsamkeit in sein Leben integriert hat. Der ehemalige Strafverteidiger hat sich von seinem stressigen Job befreit und selbstständig gemacht. Er nimmt sich mehr Zeit für seine Tochter und seine Frau. Ganz gechillt kümmert er sich parallel noch um zwei Mafia-Clans. Denn den einen Boss hat er ermordet und der andere Chef sitzt eingesperrt im Keller des Kindergartens, den Diemel gleich mitverwaltet. Aber irgendetwas stimmt trotzdem nicht. Warum kann er sich nicht einfach zufrieden geben mit dem, was er hat? Die Sitzungen mit seinem Therapeuten Joschka Breitner bringen die Erkenntnis: Björns inneres Kind, das geprägt ist von alten Verletzungen, kann vom Morden einfach noch nicht loslassen!

Schauspiel nach dem Roman von Sir Arthur Conan Doyle

Der Brite Sir Arthur Ignatius Conan Doyle (1859-1930) war Arzt und Schriftsteller. Die legendären Abenteuer des Sherlock Holmes und dessen Freund Dr. Watson zählen zu seinen bekanntesten Werken, so auch sein dritter Roman „The Hound of the Baskervilles“, einer der am häufigsten verfilmten Romane der Weltliteratur.

Auf der Adelsfamilie Baskerville lastet ein dämonischer Fluch. Seit Sir Hugo im Jahre 1742 ein Mädchen erstach, treibt sich ein monströser, heulender Hund in den Mooren herum, die das Familienanwesen umgeben. Und zwar immer dann, wenn einem Baskerville der Tod droht. Das Furcht erregendes Geheul nach Einbruch der Dunkelheit ist markerschütternd. Als schließlich Sir Charles Baskerville tot aufgefunden wird, fürchtet der letzte Überlebende des Clans und Erbe des Familienbesitzes, Sir Henry, um sein Leben. Doch gibt es ihn wirklich, den Hund von Baskerville? Der brillanteste Detektiv aller Zeiten und sein treuer Gehilfe Dr. Watson wollen das Geheimnis lüften…

Eine Produktion von Meine Damen und Herren mit Gob Squad in Zusammenarbeit mit Kampnagel und dem Thalia Gaußstraße

Von und mit Katharina Bromka, Lis Marie Diehl, Christoph Grothaus, Merle Handzsuj, Melanie Lux, Noa Michalski, Sean Patten, Tom Reinecke, Sarah Thom, Bastian Trost

„Bisher habt ihr von uns gedacht, dass wir immer lustig, nett und dankbar sind. Aber wir sind wütend. Und es ist wichtig, dass ihr davon wisst…“

Die Hamburger Gruppe Meine Damen und Herren macht zusammen mit dem international gefeierten deutsch-britischen Performance-Theater-Kollektiv Gob Squad das starke Gefühl „Wut“ zum Motor. „Beruhig dich! Count to ten!“ Warum dürfen wir nicht wütend sein, obwohl wir allen Grund dazu haben? Wann ist Wut eine Kraft, die uns antreibt, und wann sollten wir besser erst einmal bis zehn zählen?

Hamburg.Baroque, Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg

Cembalo und Leitung: Hansjörg Albrecht

Georg Friedrich Händels Oratorium „Israel in Egypt“ (1738) gehört zu seinen ungewöhnlichsten Werken, weil der Chor hier eine besonders dominante Rolle übernimmt und die Handlung fast durchgehend trägt. In großen Chorszenen und eindrucksvollen Klangbildern entfaltet Händel die biblische Exodus-Geschichte. Das Werk verbindet biblische Rettungserzählung, politische Resonanzen und eine hochverdichtete musikalische Rhetorik von Leid, Bedrängnis und Erlösung. Heute gehört Händels Werk zu den meistgespielten Oratorien.

Georg Friedrich Händel: Israel in Egypt / Oratorium in drei Teilen für Soli, Chor und Orchester HWV 54

Es hätte der Beginn einer wundervollen Völkerfreundschaft sein können: Der begabte Hebräer Josef aus dem ländlich geprägten Kanaan gelangt in Ägypten vom Versklavten zu großem Einfluss am Hof des Pharao. Mit seinem vorausschauendem Handeln trägt er entscheidend dazu bei, das Land vor einer schweren Hungersnot zu bewahren. Aus Dank erlaubt der Pharao Josef, seine gesamte Familie mitsamt ihrem Besitz nach Ägypten zu holen. So siedeln die Vorfahren der zwölf Stämme Israels in der Hoffnung auf Sicherheit und ein besseres Leben nach Ägypten über. Aber aus anfänglicher Gastfreundschaft und Toleranz gegenüber den Hebräern wird bald Misstrauen, Unterdrückung und schließlich Versklavung... Die biblischen Texte erzählen weit mehr als historische Katastrophen: Sie handeln von Machtmissbrauch und Freiheit, von menschlicher Verblendung und göttlichem Eingreifen – Themen, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

(Keine Pause)

Dieses Konzert ist Teil des Händel-Zyklus der CPE.Bach.Akademie.Hamburg.

Einführung: 18:45 Uhr / Laeiszhalle, Großer Saal

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Künstlerische Leitung und Choreografie: Marco da Silva Ferreira

Musik: Rui Lima & Sérgio Martins

Licht: Teresa Antunes & Rui Monteiro

Kostüme/ Bühne: Marco da Silva Ferreira Production direction Mafalda Bastos

Der portugiesische Choreograf Marco da Silva Ferreira gehört zu den wichtigsten Stimmen der internationalen Tanzszene. Seine gefeierten Arbeiten sind maßgeblich von den Ästhetiken der Club- und Popkultur geprägt und verbinden körperliche Virtuosität mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen. In F*CKING FUTURE entwirft Ferreira eine intensive, körperlich aufgeladene Choreografie im 360-Grad-Setting, bei der das Publikum um die Bühne herum sitzt und unmittelbar Teil der Szenerie wird. Gemeinsam mit sieben Tänzerinnen und Tänzern entwirft Ferreira ein kraftvolles Bild unserer Zeit, das dystopische Visionen, Musikvideo-Ästhetik, Affekt und politische Gegenwartsanalyse miteinander verbindet.

Schauspiel nach dem Roman „Hier kocht der Chef!“ von Dave Freeman in einer Bearbeitung von Anke Kell; Plattdeutsch: Christiane Ehlers & Cornelia Ehlers

Inszenierung: Pascal Breuer

Bühne: Momme Röhrbein; Kostüme: Angelika Rieck

Eine rasante Komödie mit allerlei Täuschungs- und Überraschungsmanövern, in der jede Figur zunehmend den Überblick verliert.

Ein junges Paar hat sich einen Traum erfüllt – ein Bio-Hotel auf dem Lande, wo gestresste, übersättigte Großstädter entschlacken können. Der Haken an der Sache: Bezahlt wurde das Ganze mit dem Geld der Lebensversicherung des verstorbenen Ehemannes der Hotelchefin. Kurz verwitwet heiratet sie erneut – den Sachbearbeiter jener Lebensversicherung... Als dann der totgeglaubte erste Ehemann auftaucht, kommt es zu ungeahnten Turbulenzen im schönen neuen Wellness-Leben. Da hilft es wenig, dass das hiesige Polizeiorchester für ein neues Programm im Tanzsaal probt und die Schwiegermutter in alles ihre Nase steckt.

Vier Mal Schotty – freuen Sie sich auf vier neue Folgen nach der Kultserie „Der Tatortreiniger“ von Mizzi Meyer auf der Bühne der Hamburger Kammerspiele!

Regie: Ulrich Bähnk, Björn Kruse, Nina Pichler, Cornelia Schirmer

Bühne und Kostüme: Johannes Fischer

Dramaturgie: Helke Rüder

„Über den Wolken“

Bei der Reinigung des Tatorts wird Schotty vom Ehemann des Opfers überrascht – der seine Frau mit einer Axt ermordet hat.

„Anbieterwechsel“

Schotty putzt in einem Maklerbüro für Religionen und kommt mit der Besitzerin ins Gespräch über Gott und die Welt – und das Leben danach. Wie stellt sich Schotty eigentlich das Paradies vor?

„Nicht über mein Sofa“

Bei einer wohlhabenden alten Dame wurde eingebrochen, doch der Dieb verunglückt auf der Flucht tödlich. Schotty wird zur Reinigung gerufen, aber ist sich plötzlich nicht mehr sicher, ob es sich hier wirklich um einen Unfall handelt …

„Sind sie sicher?“

Schotty trifft auf den sadistischen Geschäftsführer einer Consulting-Firma, der seine Mitarbeiter bis ins kleinste Detail überwacht, massiv unter Druck setzt und manipuliert. Bis Schotty den Spieß umdreht …

Kabarettabend in Wort und Bild

Seit Jahrzehnten ist Arnulf Rating mit seinem Kabarett am Puls der Zeit. Anhand der medialen Schlagzeilen zerpflückt er das Zeitgeschehen. Jetzt packt er zum Jahresende die Top-Meldungen in einer Show zusammen: Zum Lachen. Zum Weinen. Zum Wundern. Befreiend. Erfrischend...

Unnachahmlich serviert Rating erlesene Köstlichkeiten aus dem Kuriositätenkabinett des Mediendschungels. Mit geschliffenen Worten und großem Vergnügen wird der Mief aus medialen Filterblasen abgelassen. Ein pointierter Blick zurück auf prominente Peinlichkeiten. Und das, was wirklich schiefgelaufen ist. Die ultimative Presserückschau.

„Der Rating, der lange Blonde, achten Sie mal auf den, wenn der auftritt, der kann sich vor Extase jedes Nachthemd zerreißen, ich hab sowas noch nicht erlebt! Unglaublich!“ Wolfgang Neuss

Eine Musik-Comedy-Show von und mit Jan-Christoph Scheibe

Mit seiner prickelnd-musikalischen Comedy-Show über das Singledasein „Zuviel Sex ist gar nicht gesund“ hat Jan-Christof Scheibe nunmehr eine 20-jährige Erfolgsgeschichte geschrieben – und diese zwei Jahrzehnte haben ihn zum absoluten Sexexperten reifen lassen. Diesen erstaunlichen Wissensschatz will er jetzt mit seinem Publikum teilen: pointiert, frech und facettenreich.

Woran scheitern Männer bei Frauen, und umgekehrt? Lohnt sich Sex überhaupt noch? Können wir da vielleicht von anderen Tierarten lernen? Oder sollte man sich anderen Interessengebieten zuwenden? Scheibe führt eine schonungslose Kosten-Nutzen-Analyse durch und gibt Empfehlungen zu einer erotischen Energiewende.

Krimikomödie nach dem Bestseller von Karsten Dusse

Regie, Bühnenfassung und Bühne: Axel Schneider

Kostüme: Laura Loehning

Mit Chantal Hallfeldt, Dirk Hoener und Georg Münzel

Nach den Erfolgsproduktionen der „Achtsam morden“-Reihe folgt nun auch diese Inszenierung zurück auf die Bühne – und zeigt auf herrlich schwarzhumorige Weise, wie man mit Achtsamkeit und gesunder Ernährung – tödlich durchs Leben kommt. Bissig, klug und urkomisch!

Dank Achtsamkeitstraining hat Björn Diemel seine Mitte gefunden. Seine Problemzonen sind nun allerdings die Ränder seines Körpers, die sich immer weiter von dieser Mitte entfernen. Björn erkennt, dass In-sich-Ruhen und der Mangel an Bewegung zwei grundverschiedene Dinge sind. Als Unbekannte versuchen, Björn Diemels Tochter zu entführen, gelingt es ihm aufgrund seiner Körperfülle nur mit Mühe, die Täter in die Flucht zu schlagen. Also lässt Björn sich von Achtsamkeits-Coach Joschka Breitner die Grundsätze bewusster Ernährung erklären – und gerät auch damit wieder in mörderische Konflikte...

Die „Achtsam morden“-Krimireihe von Karsten Dusse ist ein immenser Erfolg: die Romane stehen regelmäßig an der Spitze der Bestsellerlisten und wurden auch als Serie verfilmt.

„Souverän ist, wer über den Ausnahmezustand entscheidet.“ – Carl Schmitt war auch so ein Großmaul, sonst wäre er nicht Görings Eierlikör geworden. Deutschlands ärgster Advokat schrieb den berühmten Satz 1928, seitdem kauen wir drauf rum. Kaum hundert Jahre später ist an jeder Ecke Ausnahmezustand – aber wer ist Souverän?

Die einen sagen so, die anderen: das Volk, die Wahrheit liegt wie immer ganz woanders. Mathias Tretter findet sie mal wieder bei Freund Ansgar: „Bekifft sein ist Ausnahmezustand, und ich hab’ mich für ihn entschieden.“

Der Demokratie mag die Herrschaft allmählich abhanden kommen, deshalb muss man noch lange nicht die Selbstbeherrschung verlieren. Es sei denn, man nässt sich ein vor Lachen – aber ist das nicht das Souveränste überhaupt?

„Sie werden wiehern“, sagt Tretter, der seit dem Salzburger Stier 2023 nun endgültig mit jedem Kabarettpreis ausgezeichnet ist. Dennoch sei sein neuestes Stück sein komischstes: „Sie werden feixen, prusten, schnappatmen und am Ende unverwundbar heimgehen.“ Mit anderen Worten: Souverän. Der Name ist Programm.

Ballett von Igor Strawinsky – Oper von Maurice Ravel

In französischer Sprache

Altersempfehlung ab 10 Jahren / Klasse 5

Inszenierung: Suzanne Andrade, Esme Appleton

Animation: Paul Barritt; Konzeption: Suzanne Andrade, Esme Appleton, Paul Barritt Bühne: Pia Leong; Kostüme: Katrin Kath; Licht: Diego Leetz; Chor: Christian Günther

Dramaturgie: Ulrich Lenz, Henriette von Schnakenburg

Strawinskys Ballett „Petruschka“ um die Freiheitssehnsucht eines Clowns und Ravels Oper „L’Enfant et les Sortilèges“ über die Gefühlsausbrüche eines wütenden Kindes: Auf der Suche nach der Erfahrbarkeit von Realität führt dieser Doppelabend des Künstlerkollektivs 1927 durch immer neue, unvorhersehbare Abenteuerwelten voller Fantasie und Akrobatik. Ein vergnügliches Abenteuer zwischen Kunst und Animation, Traum und Wirklichkeit. Eine Oper zum Eintauchen – ein Erlebnis für Augen, Ohren und Fantasie.

PETRUSCHKA

Ballett in vier Bildern – Revidierte Fassung (1947), Komposition: Igor Strawinsky; Tanz: Tiago Alexandre Neta Fonseca (Petruschka, der Clown), Pauliina Räsänen (Ptitschka, die Akrobatin), Slava Volkov (Patap, der Muskelmann)

L´ENFANT ET LES SORTILÈGES

Oper in zwei Teilen (1925); Komposition: Maurice Ravel

Libretto: Sidonie-Gabrielle Colette

Patricia Nolz (Das Kind), (Patricia Nolz), Katarina Bradic (Die Mutter, Teetasse, Libelle), Sarah Aristidou (Sonne, Prinzessin, Nachtigall), Inés López Fernández (Weiße Katze, Eichhörnchen, Stuhl, Schäfer), Hellen Kwon (Schäferin, Fledermaus, Eule), Hubert Kowalczyk (Schaukelstuhl, Baum), Andrew Hamilton (Uhr, Schwarzer Kater), Jürgen Sacher (Mr. Mathe, Teekanne, Frosch)

Das Künstler:innenkollektiv 1927 eröffnet durch digitale Animation neue Welten. Nach seiner international gefeierten Zauberflöten-Inszenierung präsentiert es jetzt einen Doppelabend: Strawinskys Ballett Petruschka und Ravels Oper L’Enfant et les Sortilèges. Es geht um die Frage, was Realität eigentlich ist – oder genauer: um die vielen Möglichkeiten, sie erfahrbar zu machen. Ein animiertes Bühnenbild führt durch fantastische Abenteuerwelten. Beeindruckende Akrobatik verschmilzt mit magischen Bildern, Tiere werden zum Leben erweckt und immer wieder öffnen sich Türen zu ungeahnten Auftritten. Im Zentrum stehen die Gefühlswelten: Im Ballett die Freiheitssehnsucht des Clowns Petruschka, in der Oper die Fantasieausbrüche des wütenden Kindes. Ein vergnügliches Abenteuer zwischen Kunst und Animation, Freiheit und Wirklichkeit.

Einführung: 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn im Foyer

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Der improvisierte Hamburg-Krimi mit dem Theater Steife Brise

Künstlerische Leitung: Thorsten Brand, Katharina Butting

Ein Schrei am Hafen, ein Schuss in der Nacht - wer wurde diesmal umgebracht?

Tod in Altona, Verrat in Eppendorf oder Erpressung in Barmbek: „Morden im Norden“ ist nichts für schwache Nerven! Drei Verdächtige, ein Opfer, ein Ermittler – mehr braucht das Theater Steife Brise nicht, um mit den Zuschauern einen interaktiven Krimiabend zu verbringen. Denn anders als beim sonntäglichen Fernsehthriller kann das Publikum beim improvisierten Hamburg-Krimi direkt ins Geschehen eingreifen und den Verlauf des Abends mitgestalten. Hier bestimmen die Zuschauer Opfer und Todesart und die Schauspieler schlüpfen blitzschnell in ihre Rollen als Kommissar, Komplize oder Serientäter. Ein Mordsspaß!

Die Show „Art of Impossible“ von Dr. Alex Romanoff ist eine einzigartige Kombination aus einer Zaubervorstellung und einem Vortrag. Sie werden faszinierende, lustige und seltsame Geschichten über Zauberkünstler der Vergangenheit hören und auch verstehen, warum die Zauberkunst schon immer eine der wichtigsten Kunstformen war.

Alex wird auch aus seinem Leben erzählen und Illusionen zeigen, die er auf der ganzen Welt aufgeführt hat und die jeden im Publikum mit einbeziehen.

Bei dieser Show geht es nicht darum, Sie zu täuschen, sondern gemeinsam auf eine Reise zu gehen, um etwas Neues über Kunst, Magie und das Leben zu entdecken.

Dr. Alex Romanoff kam 2014 aus seiner Heimatstadt Moskau nach Deutschland. Er begann auf den Straßen von Frankfurt zu zaubern und war bald auf Firmen- und Privatveranstaltungen in ganz Deutschland zu sehen. 2019 schloss er seine Doktorarbeit über die Geschichte der Zauberkunst ab.

Erleben Sie Zauberkunst aus aller nächster Nähe mit Wittus Witt, Deutschlands renommiertem Zauberkünstler, in einem einzigartigen Ambiente.

Jeden Freitag verwandelt sich das Museum Bellachini dafür in den Zauber-Salon Hamburg. Dann lässt Wittus Witt die ausgestellten Exponate lebendig werden und verzaubert sein Publikum charmant, intelligent und witzig, so wie er es schon Hunderte von Male im Fernsehen und auf internationalen Bühnen gezeigt hat. Aber nun geschieht es unmittelbar vor den Augen der Zuschauer, hautnah, ohne jede Ablenkung.

Der Besuch des Zaubermuseums Bellachini ist im Preis inbegriffen und am Tag der Vorstellung ab 19.15 Uhr möglich.

Franz-Schubert-Chor Hamburg, Ensemble Schirokko und Chloe Lankshear (Sopran)

Choreografie: Antje König

Leitung: Christiane Hrasky

„One charming night …“

Was ist es, was eine einzige Nacht so viel zauberhafter glitzern lässt als hundert glückliche Tage? Definitiv Lieder und Tänze voll barocker Lebenslust und der ansteckende Spaß eines Chores, der paradiesische Liebespaare und andere Fabelwesen verkörpern wird. Und bestimmt hat das alles auch mit einer Prise Feenstaub zu tun. Wenn der Franz-Schubert-Chor seine Version von Henry Purcells „The Fairy Queen“ aufführt, entfaltet die beliebte Barockoper einen ganz eigenen Zauber. Vertraute Arien klingen als Chor-Arrangements überraschend neu, eine ausdrucksstarke Choreografie unterstreicht die Musik, und auf der Bühne der Laeiszhalle entsteht mitten im November ein Sommernachtstraum.

Hermine Deurloo (chromatische Mundharmonika), San Glaser (Vocals, Keys), Arnd Geise (Bass), Mischa Schuman (Piano), Felix Dehmel (Drums)

Wenn musikalische Vorbilder zu musikalischen Partnerinnen werden, entstehen Begegnungen mit besonderer Intensität. Im Rahmen der Förderreihe „Jazz Heroes“ der Jazz Federation Hamburg trifft die Hamburger Sängerin, Pianistin und Komponistin San Glaser auf die niederländische Mundharmonika-Virtuosin Hermine Deurloo – eine Künstlerin, deren Spiel San seit vielen Jahren inspiriert.

Für dieses besondere Konzert treffen San Glasers warme Stimme, ihr ausdrucksstarkes Songwriting und ihre improvisatorische Freiheit auf Hermine Deurloos elegante und unverwechselbare Klangwelt. Gemeinsam entwickeln sie bekannte Kompositionen weiter und schaffen Raum für spontane musikalische Dialoge.

San Glaser feiert zugleich ihr 20-jähriges Jubiläum als Solo-Künstlerin. Im Frühjahr 2025 nahm sie ihr sechstes Album nicht im Studio, sondern live vor Publikum im Hamburger Jazzclub Birdland auf. Hermine Deurloo zählt zu den führenden chromatischen Jazz-Mundharmonikaspielerinnen Europas. Die Amsterdamer Musikerin konzertiert weltweit und begeistert mit einem außergewöhnlich lyrischen, zugleich virtuosen Stil.

Schauspiel von Georges Perec

Regie: Anita Vulesica; Bühne: Henrike Engel; Kostüme: Janina Brinkmann; Choreografie: Miriam Klebel; Musik: Camill Jammal; Dramaturgie: Christian Tschirner

Mit Sandra Gerling, Moritz Grove, Christoph Jöde, Henni Jörissen, Matti Krause

Georges Perecs Text ist die mit Sicherheit komischste und anarchischste Verteidigung des Pazifismus und des Rechts des Einzelnen gegen einen militarisierten Staat in der Literaturgeschichte. Erstmals auf die Bühne gebracht wird er von Anita Vulesica.

Gemeinsam mit seinen Freunden versucht Pollak Henri (der Besitzer des kleinen Mopeds mit der verchromten Lenkerstange) seinen wehrpflichtigen Kumpel „Kara...“ vor der Verschickung nach Algerien zu retten. In Algerien ist Krieg und der besagte Kumpel hat nicht vor, dort den Helden zu spielen. Aber seine Pariser Clique, Intellektuelle, Lebenskünstlerinnen und Künstler allesamt, sind leider im Philosophieren und Diskutieren besser bewandert als in einfachen Fragen praktischer Solidarität …

Anita Vulesicas Inszenierung „Die Maschine oder: Über allen Gipfeln ist Ruh“ – ebenfalls auf Grundlage eines Textes von Georges Perec – wurde 2025 zum Theatertreffen eingeladen, erhielt den 3sat-Preis und wurde mit dem NESTROY für die Beste Inszenierung im deutschsprachigen Raum geehrt.

(Der Türke in Italien)

Oper von Gioachino Rossini

In italienischer Sprache

Inszenierung: Christof Loy

Bühnenbild und Kostüme: Herbert Murauer

Licht: Reinhard Traub

Hochaktuell geht es um den Kulturkontakt zwischen Orient und Okzident und die damit verbundenen Missverständnisse zwischen Menschen aus diesen beiden Welten. Mit Rossinis spritziger Liebeskomödie erleben Sie ein Juwel der Opernliteratur, von Christof Loy wunderbar in Szene gesetzt: „das köstlich komponierte Terzetto zwischen dem einfältigen Ehemann, dem abservierten Liebhaber und dem Dichter“ (Berliner Zeitung).

Die schöne Türkin Zaida ist wegen angedrohter Todesstrafe aus einem Serail nach Neapel geflohen, doch sie kann ihre Liebe zum türkischen Fürsten Selim nicht vergessen. Indessen kommt die lebensfrohe Fiorilla am Hafen in Kontakt mit einem reichen Türken, der nach Neapel gereist ist, um das italienische Leben kennen zu lernen. Der Fremde ist Selim, Zaidas unerfüllte Liebe…

Premiere am: 20.03.2005

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Bei Wahl-Abo-Buchungen werden zwei Anrechte benötigt und automatisch verbucht.

Buch von Roland Baisch, Martin Luding und Michael Schiller.

Eine lustvolle Geisterbahnfahrt durch das Wesen Mann.

Mit „Männerabend“ erfährt die Kult-Comedy CAVEMAN ihre gleichermaßen originelle wie schlagfertige Fortsetzung. Und wie der Bühnenbruder jongliert das Stück dabei auf erfrischend witzige Art mit gängigen Rollenklischees - ohne platt zu werden. Die beiden Darsteller brillieren als ewige Helden der Beziehungsarbeit im freien Spiel der Mannigfaltigkeit. Ein Abend, an dem die Frauen mehr über das andere Geschlecht erfahren, als den Männern lieb ist!

Was wäre der Mann ohne die Frau? Nicht da! Wenn Mann aber da ist, und Frau ist weg? Tom treibt der Mut der Verzweiflung derweil auf eine zweistündige Expedition tief ins Reich der Männer, wo er einem wahren Kuriositätenkabinett an Typen begegnet: Seinem alten Dumpfmeier-Kumpel Jörg, einem „Dessdossderrron“-strotzenden Personaltrainer und leider wieder einmal dem pedantischen Herrn Papa.

Aber auch Womanizer Helmut, ein singendes Telegramm oder der Montagskreis der „Hormonen“ können ihn nicht darüber hinwegtäuschen, dass sieben Bier zwar ein Schnitzel ersetzen, doch sieben Männer keineswegs eine Frau. Wird es also doch noch ein Happy End für Tom und seine Heike geben?

„Flexibles Flimmern“ ist ein mobiles Kino für Hamburg. Nach der ersten gemeinsamen, restlos ausverkauften Veranstaltung im Januar 2026 gibt es zwei weitere Termine in der JazzHall. An zwei Abenden im November wird nun der französische Kultfilm „Fahrstuhl zum Schafott“ (1958) von Louis Malle gezeigt, mit Jeanne Moreau und Maurice Ronet in den Hauptrollen. Für Malle bedeutete der Film den Durchbruch als Regisseur, Moreau wurde durch ihn zum Star. Der dichte atmosphärische Soundtrack stammt von keinem Geringeren als Miles Davis.

Oper von Henry Purcell

In englischer Sprache

(Altersempfehlung ab 14 Jahren / Klasse 9)

Musikalische Leitung: Tohar Gil; Inszenierung: Nils Voges (sputnic visual arts)

Trickfilm trifft Musiktheater. Ein Abend über Liebe und Verrat, erschaffen in der Unmittelbarkeit des „Live Animation Cinema“ zur Barockmusik von Henry Purcells Dido and Aeneas. Im Miteinander von Partitur und Live-Animation kann sich die Geschichte der großen Liebenden Dido frei zwischen Zeiten und Orten bewegen, um schließlich in der Unterwelt ihren Frieden zu finden – oder nicht? Mit dieser Aufführung hält die Barockoper wieder Einzug in Hamburg.

„Live Animation Cinema“, erfunden und entwickelt von der Gruppe sputnic visual arts, ermöglicht neue Erzählweisen im Theaterraum. Während ein kunstvoll nimierter Trickfilm auf Leinwänden eine Geschichte darstellt, ist direkt unter den Leinwänden zu erleben, wie dieser Trickfilm zeitgleich produziert wird – die Erzählung verknüpft sich mit ihrer virtuosen Herstellung, die ihrerseits Rückwirkungen auf die Erzählung hat. Zum ersten Mal nun begegnen sputnics kunstvolle Animationen dem Musiktheater.

Wichtiger als die Gattungsbezeichnung aber ist die Geschichte der großen liebenden Dido, die sich dank dem Miteinander von Partitur und Trickfilm frei zwischen Zeiten und Orten bewegen kann. Mit diesem poetisch-technischen Zugang und mit der barocken Musik von Henry Purcells „Dido and Aeneas“ erschaffen sputnic einen Abend über Liebe und Verrat: Die stolze Dido wird von ihrem leidenschaftlich geliebten Aeneas verlassen, ohne ihr einen Grund zu nennen. Anders als bei Purcell, der sein Werk mit einem der ersten und bis heute schönsten Operntode überhaupt beendet, ist die Geschichte von Dido bei ihrem ersten Chronisten Vergil damit noch nicht zu Ende, sondern findet in der Dämmerung der Unterwelt eine Fortsetzung.

Einführung: 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn im Foyer

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Bei Wahl-Abo-Buchungen werden zwei Anrechte benötigt und automatisch verbucht.

Deutsche Erstaufführung

Im Schmidt Theater geht’s ab auf die Piste: Mit „Hotel Skiverliebt“ feiert Deutschlands erstes Ski-Musical im November 2026 auf dem Hamburger Kiez Premiere. In der augenzwinkernden Liebeserklärung an die Operette wird geschmachtet, geschunkelt und natürlich Ski gefahren, bis auch wirklich jedes Herzerl das richtige Schatzerl gefunden hat. Mit viel Witz und Ironie, kreativen Ideen und absurden Wendungen inszeniert der Schweizer Regisseur Dominik Flaschka („Abenteuerland“, „The Play That Goes Wrong“) erstmals am Schmidt. Komponist Martin Lingnau liefert den halsbrecherischen Musik-Mix dazu – vom „Kaiserschmarrn-Walzer“ bis zum Après-Ski-Hit, von berührenden Pop-Balladen bis zum zünftigen Alpenjodler. „Hotel Skiverliebt“: So bunt war’s im Schnee noch nie!

Herzklopfen und Pistenglück: Im Hotel Skiverliebt geht’s heiß her – und das im tiefsten Winter. Seitdem feststeht, dass im hiesigen Alpendorf die diesjährige Ski-WM stattfindet, ist der kleine Familienbetrieb ausgebucht bis unters Dach. Keine ruhige Minute mehr für Wirtin Jessica und ihre Tochter Anna! Und die hat sowieso schon alle Hände voll zu tun: als gute Seele für die Gäste – und als begnadete Skirennläuferin, die als heiße Favoritin auf die Gold-Medaille gilt.

Doch während Bürgermeister und WM-Organisator Johann „Joe“ Oberlichter versichert, alles fest im Griff zu haben, ziehen dunkle Wolken auf. Der Wetterbericht droht mit Tauwetter – und Umweltaktivistin Fiona mit der Sperrung des Panoramahangs. Als Anna dann auch noch ihrer schärfsten Konkurrentin Camilla näherkommt, fliegen die Funken nicht nur auf der Piste. Ausgerechnet jetzt, wo Annas Langzeitfreund Franz – der zu allem Überfluss auch ihr Trainer ist – Anlauf für einen Heiratsantrag nimmt. Die Liebeslawine kommt ins Rollen und die Ereignisse überschlagen sich – denn nicht nur Annas Emotionen kochen hoch. Bis zum großen Happy End sind noch so einige Buckelpisten zu meistern …

Varietévergnügen & kulinarischer Genuss à la carte!

Das Varietè im HANSA-Theater ist das älteste Deutschlands und somit auch ein Ort voller Geschichte und Geschichten, mit vielen prominenten Gästen und bis heute Inbegriff für erstklassige Artistik und feinste internationale Unterhaltungskunst. „Bei dem Abend zwischen grobem Unfug und großer Kunst, in dem alle Artisten glänzen, schlagen die Herzen höher.“ (NDR-Hamburg-Journal). Auch in der Spielzeit 2026/2027 präsentiert Ihnen ein Ensemble von Weltklasse-Artisten alle Facetten zeitgenössischer Varietékunst: akrobatisch, aufregend, spektakulär, poetisch und humorvoll.

Erleben Sie erstklassige Unterhaltung, atemberaubende Darbietungen und unvergessliche Momente im nostalgischen Ambiente dieser Hamburger Legende, jeden Abend präsentiert von wechselnden Conférenciers wie z. B. Katie Freudenschuss, Maladée, Marcus Jeroch, Jan-Christof Scheibe, Dirk Bielefeldt alias Herr Holm, Robert Kreis oder Rolf Claussen. Begleitet wird das Programm musikalisch von einem Live-Orchester, den „Hansa-Boys“.

Kulinarischer Genuss à la carte! Der Hansa-Theatersaal ist ein Verzehrtheater in schönster Tradition. Bereits eine Stunde vor Vorstellungsbeginn und auch während der Show steht das Serviceteam des renommierten Gastronomie-Partners „STRAUCHS FALCO“ Hamburg HafenCity für Sie bereit und serviert Ihnen eine große Auswahl an exquisiten Speisen und Getränken. Bestellen Sie bequem direkt am Platz.

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Für das Wahl-Abo werden 2 Anrechte pro Karte benötigt und automatisch verbucht.

Die Weihnachtsversion des Erfolgsmusicals auf der Reeperbahn

Regie: Corny Littmann

Musik: Martin Lingnau

Buch: Thomas Matschoß

Songtexte: Heiko Wohlgemuth

Geschenkewahnsinn, Glühweinrausch: Ganz Hamburg ist im Vorweihnachtsfieber. Auch an der „Heißen Ecke“ stimmen sich Hannelore und ihre Crew auf das Fest der Feste ein. Besinnlichkeitsgrad: schwankend! Das legendäre St. Pauli Musical in einer einmaligen Weihnachtsfassung: mit neuen Szenen, winterlichen Extrasongs und Weihnachtsliedern zum Mitsingen. Natürlich auf unnachahmliche St.-Pauli-Art: mitreißend komisch, derbe sittenlos und herzerwärmend berührend!

Während die Müllmänner gut gelaunt die Schneebesen schwingen und sich die Touristen auf ihrer Kiezführung kalte Füße holen, sind die leichten Mädels vor dem „Red Banana“ ganz pragmatisch auf Daunenjacken und Moonboots umgestiegen. Und am Imbisstresen der „Heißen Ecke“ treffen sie sich alle: echte Kieztypen und wahre Maulhelden, Musicalfans und Nachtschwärmer, besoffene Weihnachtsmänner, knutschende Rentiere und vielleicht ja sogar der sagenumwobene Engel von St. Pauli. Wenn der seine Finger im Spiel hat, werden Wunder wahr, sagt man…

Neun Darstellerinnen und Darsteller schlüpfen in über 50 Rollen und begeistern in diesem temporeichen Musical mit Herz, Schnauze und Humor. 100 Prozent gefühlsecht – zu Weihnachten erst recht!

Symphoniker Hamburg

Dirigent: Pawel Kapula

Solist: Szymon Nehring (Klavier)

Mendelssohn verarbeitete in seiner 5. Symphonie – die eigentlich seine Zweite ist – Luthers Choral „Eine feste Burg ist unser Gott“. Mit diesem Werk „inspirierte“ der getaufte Jude den Antisemiten Richard Wagner übrigens deutlich… Zu Gast bei diesem Konzert sind zwei herausragende Künstler ihrer Generation, die die sich gemeinsam ein prominentes Werk ihres Landsmanns Chopin vornehmen: Tastenzauber pur!

Frédéric Chopin: Klavierkonzert Nr. 1 e-Moll op. 11

Felix Mendelssohn Bartholdy: Symphonie Nr. 5 D-Dur op. 107 – „Reformationssymphonie“

Chopin war erst 20 Jahre alt, als er sein Klavierkonzert Nr. 1 vollendete. Am 11. Oktober 1830, am Vorabend des Novemberaufstandes für die polnische Unabhängigkeit vom russischen Kaiserreich, brachte er es zur Uraufführung. In der Orchestrierung wird deutlich: Das Klavier ist bei Chopin immer der Hauptdarsteller, das Orchester begleitet. Dieses Werk ist aber auch nur etwas für Virtuosen.

Konzerteinführung:

60 Minuten vor dem Konzert im E-Saal der Laeiszhalle (Zugang über den Künstlereingang). Eintritt frei für Konzertbesucher; Dauer ca. 30 Minuten.

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Konzert-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Krimikomödie nach dem Bestseller von Karsten Dusse

Karsten Dusses „Achtsam morden“-Reihe ist längst ein gefeierter Bestseller- und Bühnenerfolg. Mit „Achtsam morden durch bewusste Ernährung“ setzt das Theater die schwarzhumorige Erfolgsserie fort.

Björn Diemel hat zwar seine innere Mitte gefunden, kämpft nun aber mit den Folgen allzu großer Gelassenheit. Als seine Tochter in Gefahr gerät, führt ihn der Weg zur bewussten Ernährung direkt in neue mörderische Verwicklungen. Eine rabenschwarze Komödie über Achtsamkeit, Alltag und absurd eskalierende Selbstoptimierung.

Schauspiel von Oscar Wilde

Regie: Tristan Linder; Bühne: Anna Satu Kaunisto; Kostüme: Lena Rickenstorf; Musik: Alexander Schweiß; Licht: Björn Salzer; Dramaturgie: Matthias Günther

Mit Yorck Dippe, Christoph Jöde, Henni Jörissen, Christiane von Poelnitz

Das Schulterzucken ist zurück. Klimakrise, soziale Ungleichheit, politische Instabilität – man kennt den Abgrund, doch statt Widerstand dominieren Weltverdrossenheit, hemmungslose Selbstinszenierung, Ironie und die Feier der schönen Dinge. Was ist da los?

Vielleicht bietet Oscar Wildes Kultroman eine Antwort. „Das Bildnis des Dorian Gray“ besticht durch hinreißende Eleganz – das Buch ebenso wie seine Titelfigur, zumindest auf den ersten Blick. „Alle Kunst ist zugleich Oberfläche und Symbol. Wer unter die Oberfläche geht, tut es auf eigene Gefahr“, warnt Wilde in der Vorrede seines Romans. Genau darum geht es: um das Abtauchen zwischen die Zeilen, hinter die Worte. Was lässt sich dort entdecken?

Bleibt Hemmungslosigkeit wirklich ohne Konsequenzen? Oder wie ist es zu deuten, dass Dorian Gray so schamlos seinen Weg geht? Warum hat er seinen moralischen Kompass verloren? Ist er – über die Zeiten hinweg – eine Spiegelfigur unserer Gegenwart, die mehr über unsere eigenen Begierden verrät, als uns lieb ist? Der Maler des Porträts jedenfalls will das Bild nicht ausstellen: „Ich habe zu viel von mir selbst hineingebracht“, sagt er. Was lässt ihn zögern? Und was ist es, das diesem Werk seine unheimliche Zeitlosigkeit verleiht?

Tristan Linder studierte Schauspielregie an der Theaterakademie Hamburg. Mit seiner Inszenierung „Sandmann“ ist er 2025 zum Körber Studio Junge Regie eingeladen. „Das Bildnis des Dorian Gray“ ist seine erste Arbeit am SchauSpielHaus.

Eine Frau, ein Flügel, eine Show.

Wer die preisgekrönte Entertainerin mit der vielseitigen Stimme schon mal live auf der Bühne erlebt hat, weiß, dass ihre Abende immer eine charmante Mischung aus Kabarett, eigenen Songs, Stand-Up und grandiosen Improvisationen sind: berührend und lustig, von melancholisch bis schonungslos. Lassen Sie sich überraschen!

Und bei dieser Show können Sie sicher sein, dass die Werke nicht von einer KI stammen, sondern live aus der Interaktion mit Ihnen, dem Publikum entstehen!

Burak Çebi, einer der vielbeachteten Pianisten seiner Generation, fasziniert sein Publikum, mit seiner poetisch-introvertierten Art zu musizieren. Regelmäßig konzertiert er in großen Konzerthäusern, darunter die Berliner Philharmonie, das Leipziger Gewandhaus und die Laeiszhalle Hamburg. Sein erstes Album „Bright Spots“, das im Jahr 2022 unter dem Label Prospero Classical veröffentlicht wurde, in dem er erstmals auch als Komponist auftrat, erntete hervorragende Kritiken. An diesem Abend stehen Werke von Ludovico Einaudi auf dem Programm.

Mit einer einzigartigen Fähigkeit, Minimalismus, Pop und klassische Strukturen zu verbinden, schafft Ludovico Einaudi eine Atmosphäre, die tief berührt und den Raum mit einer unvergesslichen Stimmung erfüllt. Einige seiner Hauptwerke wie „Nuvole Bianche“, „Una Mattina“, „Divenire“ und „Experience“ entführen das Publikum in eine Welt der Emotionen und Reflexionen. Bekannt aus Filmen wie „Ziemlich Beste Freunde“ oder „The Water Diviner“ zeichnen sich diese Kompositionen durch ihre eindrucksvolle Einfachheit und emotionale Tiefe aus.

Foyereinlass: 18:30 Uhr

Musikalisches Kultstück von Erik Gedeon

Regie: Erik Gedeon

Bühne und Kostüme: Ulrich Frommhold

Forever Young im Altersheim: Ein musikalischer Abend mit einer schrägen Portion Altersweitsichtigkeit. Der „Thalia Vista Social Club“ ist seit 2001 der Renner am Thalia Theater. Hier parodiert ein ganzes Altenheim die Hits der wilden sechziger und siebziger Jahre. „Diesen Alten kann selbst der Tod nichts anhaben. Zum Heulen schön!“ (Hamburger Morgenpost)

Sie brauchen nicht vierzig Jahre zu warten, um Ihre Lieblingslieder von heute voll Nostalgie noch einmal zu hören. Sie müssen nicht darauf hoffen, dass die Enkel von Wim Wenders irgendwo in schäbigen Clubs einen Haufen alter Männer entdecken, die immer noch Ihre Musik spielen. Der Thalia Vista Social Club unter der Leitung von Erik Gedeon verschafft Ihnen den Genuss Ihres musikalischen Lebensabends schon jetzt! Um Jahrzehnte gealtert, macht sich sein Ensemble im Jahre 2040 auf die Suche nach der eigenen musikalischen Vergangenheit und landet, überraschenderweise, bei der Musik von heute.

Das Michel Schroeder Ensemble aus Hamburg begeistert mit einer faszinierenden Fusion von Jazz und klassischer Musik. Mit sechs Bläsern, Streichquartett, Harfe, Gesang und einer dynamischen Rhythmusgruppe schafft das Ensemble ein klangliches Erlebnis, das die Grenzen der beiden Genres auf kreative Weise überschreitet. So enthält das neue Programm „Crossing Over“ u. a. Arrangements der Werke großer Komponisten wie Debussy, Ravel, Bartók und Strawinsky, um die Schnittstellen von Klassik und Jazz neu auszuloten.

Schauspiel basierend auf dem Film von Peter Weir

Deutsche Fassung von Joern Hinkel und Tilman Raabke

Regie: Lea Ralfs

Über einen Lehrer, der die Schüler eines strengen Elite-Internats mit ungewöhnlichen Unterrichtsmethoden zu selbstständigem Denken erziehen will und so den Konflikt mit der konservativen Schulleitung in Kauf nimmt. Bei dieser Romanadaption liegt der Fokus auch auf dem Thema „Männlichkeit“ in einer Schule nur für Jungs: welchen Einfluss hat die Abwesenheit von Frauen auf die Entwicklung ihrer Persönlichkeit? Wie ist ihr eigener Blick auf ihre Männlichkeit?

Die äußerst streng umgesetzten Leitideen der Welton Academy – Tradition, Ehre, Disziplin und Exzellenz – sollen die Jungen zu beruflichem Erfolg führen und zur kommenden Elite machen. Ein Erfolgskonzept, das bislang aufging. Nur Lehrer Keating durchbricht dieses Muster. Er will seine Schüler zu eigenständigen Menschen machen und ermutigt sie, ihre persönliche Ausdrucksform zu finden. Als sein Schüler Neil vom geheimnisvollen „Club der toten Dichter“ erfährt, in dem Keating selbst einmal Mitglied war, beschließt er, die Geheimgesellschaft wieder aufleben zu lassen. Eine Entscheidung, die das Leben der Schüler maßgeblich verändern wird.

„Der Club der toten Dichter“ (Originaltitel: Dead Poets Society), ein US-amerikanisches Filmdrama des Regisseurs Peter Weir, feierte 1989 Premiere. Nancy H. Kleinbaum verwendete das Drehbuch von Tom Schulman als Grundlage für den ebenfalls 1989 erschienenen Roman zum Film.

Chor und Orchester St. Michaelis

Susanne Bernhard (Sopran), Stefanie Irányi (Alt), Michael Weinius (Tenor / Johannes), Simon Yang (Tenor), Thomas Laske (Bass)

Leitung: Jörg Endebrock

Franz Schmidt: Das Buch mit sieben Siegeln (Aus der Offenbarung des Johannes für Soli, Chor, Orchester und Orgel)

Trost und Hoffnung – in den Dreißigerjahren des letzten Jahrhunderts hatte Europa beides bitter nötig. Denn ein Schrecken ungeahnten Ausmaßes zeichnete sich ab. In jener Zeit voller Ungewissheit arbeitete der Österreicher Franz Schmidt an seinem Oratorium „Das Buch mit sieben Siegeln“ nach Motiven der biblischen Offenbarung des Johannes. Apokalyptische Wucht und überirdische Schönheit, katastrophale Erschütterung und ruhevolle Kontemplation, Niedergeschlagenheit und Vision, Beklemmung und Zuversicht, Sakrales und zutiefst Menschliches: Schmidts opulentes Werk ist ein beeindruckend vielgestaltiges Stimmungsbild und eines der effektvollsten chorsinfonischen Werke der deutsch-österreichischen Spätromantik. Chor und Orchester von St. Michaelis bieten eine der handverlesenen Gelegenheiten, dieses eindrückliche Zeitzeugnis eines aufgewühlten Jahrzehnts im Angesicht der Katastrophe zu entdecken.

Schauspiel frei nach der Erzählung von Franz Kafka

Regie: Burhan Qurbani

Bühne und Kostüme: Elisa Limberg

Dramaturgie: Elvin Ilhan

Kafkas „Die Verwandlung“, die wohl berühmteste Erzählung über Entfremdung, Anpassung und Ausgrenzung, geht der Frage nach, was mit denen passiert, die nicht (mehr) ins System passen. Burhan Qurbani überträgt Kafkas Erzählung in eine Gegenwart, die Zugehörigkeit und Ausgrenzung neu definiert.

Gregor Samsa sorgt für seine Familie, ordnet sich unter, funktioniert – bis er eines Morgens als Ungeziefer erwacht. Plötzlich ist er wertlos, eine Last für die, die ihn einst brauchten. Die Familie wendet sich ab, die Gesellschaft stößt ihn aus.

Burhan Qurbani wurde 1980 als Kind afghanischer Kriegsflüchtlinge in Deutschland geboren. Durch die Beschäftigung seines Vaters bei der US-Armee wuchs er in verschiedenen deutschen Städten auf. Nach dem Abitur arbeitete er als Dramaturgie- und Regieassistent an verschiedenen Theatern. Er ist Absolvent der Filmakademie Baden-Württemberg. Sein Diplomfilm „Shahada“ feierte 2010 Premiere im Wettbewerb der Berlinale. Sein zweiter Film „Wir sind jung. Wir sind stark.“ eröffnete 2014 das Filmfest in Rom und die Hofer Filmtage. Für „Berlin Alexanderplatz“ wurde er 2020 erneut in den Wettbewerb der Berlinale eingeladen.

Regie: Dominik Günther

Ein neuer Theaterabend von und mit Gilla Cremer, der mit Witz und Tiefe die letzten Dinge des Lebens verhandelt.

In ihrer gefeierten Theaterproduktion „Die Dinge meiner Eltern“ führte uns Gilla Cremer durch die Haushaltsauflösung des Elternhauses. Mit feinem Humor brachte ihre Protagonistin Agnes das strapaziöse Projekt „sterbefein“ über die Bühne.

Nun steht Agnes vor einer neuen Herausforderung: Das Nutzungsrecht für das Familiengrab ist abgelaufen. Wollen die Schwestern die Pacht verlängern? Das Grab der Eltern auflösen? Wo wollen sie einst selbst bestattet werden? Haben wir nicht alle ein finales Date mit dem Tod?

Agnes begibt sich auf eine Entdeckungsreise über das Sterben, die Bürokratie des Todes und immer wieder kommt ihr das Leben dazwischen.

wir sind die menschen auf den wiesen

bald sind wir menschen unter den wiesen

und werden wiesen, und werden wald

das wird ein heiterer landaufenthalt

(Sommerlied von Ernst Jandl)