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Oper von Gaetano Donizetti

Text von Salvatore Cammarano nach dem Roman „The Bride of Lammermoor“ von Walter Scott

In italienischer Sprache

Altersempfehlung ab 14 Jahren / Klasse 9

Inszenierung: Amélie Niermeyer; Bühnenbild: Christian Schmidt; Kostüme: Kirsten Dephoff

Donizettis tragische Oper ist ein Klassiker des italienischen Repertoires und zählt zu den Sternstunden der Belcanto-Oper. In der Hamburger Inszenierung präsentiert Amélie Niermeyer ihre weibliche Sicht auf das Macht- und Intrigenspiel im Schottland des 16. Jahrhunderts. Erleben Sie diese „grandiose Inszenierung (…) die auch musikalisch in den Bann zieht“ (Hamburger Abendblatt).

Lord Enrico Ashton lebt ein Leben voller Hass und in ständiger Angst um seine Position am Königshof. Um seinen Untergang aufzuhalten, will er seine Schwester Lucia zur Ehe mit dem einflussreichen Lord Arthur zwingen. Doch Lucia liebt Edgardo, den Erzfeind ihres Bruders und letzten Hinterbliebenen des verfeindeten Familiengeschlechts Ravenswood. Ihm hat sie ewige Treue geschworen und will ihrer Liebe nicht entsagen. Auch dann nicht, als Edgardo das Land verlassen muss, man ihr seine Untreue vortäuscht und sie zu einer politischen Ehe mit Lord Arthur drängt. Dann trifft Lucia eine folgenschwere Entscheidung…

Premiere: 20.03.2021

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Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Text von Lorenzo da Ponte

In italienischer Sprache

Altersempfehlung ab 14 Jahren / Klasse 9

Inszenierung: Jan Bosse

Musikalische Leitung: Omer Meir Wellber, Tohar Gil (24.9.26)

Bühnenbild: Stéphane Laimé; Kostüme: Kathrin Plath; Dramaturgie: Janina Zell

Licht: Kevin Sock

Mozart schrieb „Don Giovanni“ nach „Figaros Hochzeit“ für die Oper in Prag –

und kreierte damit einen Höhepunkt seines Schaffens. Mit der neuen Hamburger Inszenierung von Jan Bosse über den skrupellosen Frauenverführer komplettiert die Staatsoper ihre Mozart/ Da Ponte-Trilogie.

Ohne Verantwortungsgefühl und Rücksicht auf geltende Moralbegriffe verfolgt Don Giovanni sein Ziel, junge Frauen zu verführen: italienische, deutsche, französische, spanische, Kammermädchen, Bäuerinnen, Prinzessinnen. Doch eines Tages stellt ein Mord sein Leben auf den Kopf, und er hat nur eine Wahl: Umkehr zu Buße und Reue oder ein Abstieg in die Flammen der Hölle...

Premiere am 20.10.2019

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Oper von Giuseppe Verdi

In italienischer Sprache

Altersempfehlung ab 14 Jahren / Klasse 9

Libretto: Francesco Maria Piave und Andrea Maffei nach der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare

Musikalische Leitung: Tomáš Hanus (Sept.), Daniele Squeo (Okt.)

Inszenierung: Tobias Kratzer

Bühne: Rainer Sellmaier; Kostüme: Rainer Sellmaier; Licht: Michael Bauer; Chor: Alice Meregaglia; Dramaturgie: Laura Schmidt

Chor der Hamburgischen Staatsoper, Philharmonisches Staatsorchester Hamburg

Ein Opernthriller über die Macht des Schicksals und die Verlockungen der Macht. Doch wo beginnen Entscheidungsfreiheit und persönliche Schuld? Wo ist der Mensch amoralischen Schicksalsmächten unterworfen? Verdis erste Shakespeare-Oper zeigt Macbeth und Lady Macbeth als inniges Paar, verbunden in einer Liebe, die sie gemeinsam Morde begehen lässt. Trotz ihrer Düsternis enthält die Partitur zarte Momente der Wärme und Zuneigung.

Um an die Macht zu kommen, lassen Macbeth und seine Frau Lady Macbeth skrupellos Mord auf Mord folgen. Mit der Wucht antiker Tragödien erzwingen sie eine Umkehrung der Verhältnisse, stürzen ein ganzes Land in Leid und Chaos. Und erliegen zuletzt selbst dem Wahnsinn. Verdis Oper steigt tief ein in die elementaren und widersprüchlichen Themen menschlichen Seins. In einem Panoptikum des Schreckens, geprägt von Gewalt und Aggression, begegnet dem Publikum ein in inniger Liebe verbundenes Paar...

Einführung: 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn im Foyer

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Oper von Richard Wagner

In deutscher Sprache

Altersempfehlung ab 16 Jahren / Klasse 11

Inszenierung: Claus Guth

Musikalische Leitung: Omer Meir Wellber

Bühnenbild und Kostüme: Christian Schmidt

Hier sind höhere Mächte am Werk! Dieser Hamburger Ring von Regisseur Claus Guth und Bühnen- und Kostümbildner Christian Schmidt ist eine Laboranordnung – ihr Strippenzieher heißt Wotan. Die politische Fabel um Macht und was sie kostet, wird in der „Walküre“, die in dieser Spielzeit als autonomes Einzelstück gezeigt wird, bereits auf die entscheidende Essenz gebracht: Nicht das Göttliche steht hier im Zentrum, sondern der Mensch.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“).

Den Göttern droht der Untergang. Wotan will einen freien Helden schaffen, der ihm den Ring und damit die Herrschaft über die Welt zurückgeben soll. Er startet ein Experiment und zeugt mit einer Menschenfrau das Zwillingspaar Siegmund und Sieglinde. Doch sein Experiment scheitert. Er muss Siegmund opfern und am Ende auch noch seine Lieblingstochter Brünnhilde…

Walküren, auch Schlacht- oder Schildjungfern, sind weibliche Geisterwesen der nordischen Mythologie aus dem Gefolge des Göttervaters Wotan.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“). Richard Wagners größtes und ambitioniertestes Werk entstand in einem Arbeitsprozess von über 30 Jahren. Wagner schrieb dazu den Text, komponierte die Musik und gab detaillierte szenische Anweisungen vor.

Premiere: 19. Oktober 2008

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Schauspiel nach dem Roman von Caroline Wahl

Regie: Ayla Yeginer

Dramaturgie: Telse Hand

Nach Caroline Wahls gefeiertem Debüt „22 Bahnen“ folgt mit „Windstärke 17“ eine aufwühlende, intensive und dabei ungemein tröstliche Geschichte über vermeintliche Schuld und das Verzeihen - sich selbst und den anderen.

Ida flüchtet aus der Kleinstadt – so weit weg wie möglich. Nach dem Tod ihrer Mutter landet sie schließlich auf Rügen, mit nichts als einem Hartschalenkoffer und einer Wut von Windstärke 17 im Bauch. Und ohne Plan B. Dort trifft sie auf Marianne und den örtlichen Kneipenbesitzer Knut, die die Gestrandete bei sich aufnehmen und nicht zu viele Fragen stellen. Stattdessen gibt es Aufbackbrötchen und einen Job in der Kneipe. Und dann ist da auch noch Leif, der ähnlich versehrt ist wie sie. Auf einmal scheint alles ein bisschen leichter...

Schauspiel nach dem Roman von Annette Hess

Regie: Jorinde Dröse

Mit „Deutsches Haus“ erzählt Jorinde Dröse von der Auseinandersetzung mit dem Nationalsozialismus, die bis heute nicht abgeschlossen ist, von persönlicher Verstrickung – und der Frage, wofür wir uns entscheiden: hinsehen oder weitermachen, als wäre nichts geschehen.

Die junge Dolmetscherin Eva wird kurzfristig zu einem Prozess gerufen, um vom Polnischen ins Deutsche zu übersetzen – über das, was in Auschwitz geschehen ist. Auf der Anklagebank: Männer aus der Mitte der Gesellschaft. Zum ersten Mal hört Eva von dem Unbegreifbaren, das die junge Bundesrepublik so gründlich unter einer aufschwungsglänzenden Fassade von Normalität verborgen hält. Und plötzlich steht die Frage im Raum: Haben wir wirklich von all dem nichts gewusst?

Magdeburgische Philharmonie

Dirigent: Christian Øland

Solist: Sebastian Fritsch (Violoncello)

Elbe trifft Elbe: Die Magdeburgische Philharmonie erstmals in der Elbphilharmonie

Zum ersten Mal gastiert die Magdeburgische Philharmonie im Großen Saal der Elbphilharmonie. Zwei Tage nach dem Tag der Deutschen Einheit bekommt dieses Debüt eine besondere Symbolkraft: Ein traditionsreiches Orchester aus Ostdeutschland kommt nach Hamburg, von der Elbe an die Elbe.

Das Programm führt in die großen Klangwelten der Romantik. Antonín Dvoráks Cellokonzert h-Moll gehört zu den berührendsten Werken der Konzertliteratur: virtuos, sehnsuchtsvoll und von unmittelbarer emotionaler Kraft. Solist ist Sebastian Fritsch, seit 2021 Erster Konzertmeister der Violoncelli der Sächsischen Staatskapelle Dresden und Gewinner des TONALi Cello-Wettbewerbs 2018. Nach der Pause erklingt Jean Sibelius’ Erste Sinfonie. Ein Werk voller weiter sinfonischer Bögen, dramatischer Kraft und nordischer Klangfarben, in dem noch der Einfluss Tschaikowskys hörbar ist und zugleich schon Sibelius’ eigene Stimme hervortritt.

Antonìn Dvorák: Cellokonzert h-Moll op. 104

Jean Sibelius: Sinfonie Nr. 1 e-Moll op. 39

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Musikerinnen und Musiker des Philharmonischen Staatsorchesters Hamburg

Dirigent und Akkordeon: Omer Meir Wellber

Solistin: Valerie Eickhoff (Mezzosopran)

Choreografie und Tanz: Andreas Heise

(Altersempfehlung ab 10 Jahre)

Zwischen Klang, Tanz und Erinnerung entsteht ein interdisziplinärer Liederabend in der Halle424 im Hamburger Oberhafenquartier. Ein Kammermusik-Ensemble des Philharmonischen Staatsorchesters mit Generalmusikdirektor Omer Meir Wellber am Akkordeon und die Mezzosopranistin Valerie Eickhoff gestalten gemeinsam den Abend. Im Zentrum stehen Lieder von Kurt Weill, Hanns Eisler und der israelischen Komponistin Ella Milch-Sheriff. Eine Musik, die von der Suche nach Identität erzählt, von der Erinnerung an tief im Sand der Zeit vergrabene Gefühle und vom Widerstand gegen himmelschreiende Ungerechtigkeiten.

In den Bewegungen des Choreografen und Tänzers Andreas Heise findet diese sehr persönliche Klangwelt ihren tänzerischen Ausdruck. Getragen wird das Programm vom Geist des US-amerikanischen Dichters Langston Hughes, der mit seiner nachdenklichen Poesie in den 1960er Jahren zu einer Ikone der amerikanischen Bürgerrechtsbewegung wurde. Dieser Abend ist eine Hommage an sein Gedicht „Remembrance“ und findet im Rahmen des Liedstadt-Festivals statt.

Ein Lieberabend von Dietmar Loeffler

Regie und Musikalische Leitung: Dietmar Loeffler

Bühne: Ulrike Engelbrecht; Kostüme: Volker Deutschmann

Nach 20 Jahren kommt der kultige Lieerabend überarbeitet zurück auf die Bühne – voller Musik, zum herzhaften Lachen und zur Erwärmung der Seele!

Frauen auf der Suche nach der optimalen Partnerschaft stehen massiv unter Druck durch die digitale Reizüberflutung der sozialen Netzwerke wie Instagram oder TikTok, bei Dating mit Tinder oder Bumble. Die Folge: schwindendes Selbstwertgefühl, psychische und physische Erschöpfung. Da hilft nur ein Seminar bei Psychologin Christiane! Mit ihrem Workshop „Männerbeschaffungsmaßnahmen“ will sie gegensteuern. Denn für sie sind Frauen stark, mit einzigartigen Fähigkeiten: Empathie, Phantasie, sozialer Kompetenz, Gerechtigkeitsgefühl und vielen Emotionen. Diese gilt es zu stärken mit gemeinsamem Singen. Denn wer seine Stimme kennt, kann laut und deutlich seine Meinung sagen und sich im Hier und Jetzt behaupten. Doch was ist mit dem tiefen Wunsch nach Zweisamkeit, Geborgenheit? Und sollten die Männer nicht mitmachen? Für die Seminarteilnehmer beginnen nun äußerst emotionale Stunden...

Text Kammerspiele

Wiederaufnahme des Erfolgsstücks von Dietmar Loeffler

Seit 10 Jahren wird Dietmar Loefflers Liebesreigen dank seiner musikalischen Highlights zum Mitsingen, herzlichen Lachen und kurzen Innehalten vom Publikum frenetisch gefeiert. „Dietmar Löffler (...) ist ein witziger und schräger Liederabend gelungen.“ (Hamburger Morgenpost), in dem alle gängigen Weisheiten über Selbsterfahrungskurse durch den Kakao gezogen werden, und es ist auch eine amüsante Reise durch die Liebessehnsüchte der modernen Single-Gesellschaft.

Sie haben Pech beim Blind Date? Sie sind stets gefrustet, sich als armer Single schwer verliebte Pärchen anzugucken? Dann sichern Sie sich rechtzeitig einen Platz im ultimativen Workshop „Männerbeschaffungsmaßnahmen“.

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10 Jahre „Männerbeschaffungsmaßnahmen“ – ein guter Grund zum Feiern!!

Seit 10 Jahren wird Dietmar Loefflers Liebesreigen dank seiner musikalischen Highlights zum Mitsingen, herzlichen Lachen und kurzen Innehalten vom Publikum frenetisch gefeiert - feiern Sie mit!

Sie werden immer mehr. Frauen mit guten Jobs, aber ohne Mann. Bei dem Workshop Männerbeschaffungsmaßnahmen treffen vier beruflich erfolgreiche, aber alleinstehende Frauen aufeinander. Das erklärte Ziel ist es, die weibliche Ausstrahlung im täglichen Leben durch die Kraft des Gesanges neu zu definieren.

Gesagt – getan, denn die Teilnahme an diesem Workshop lohnt sich allemal, für Männer wie für Frauen. Das Ensemble um Love Newkirk und Susanne Pollmeier nimmt Sie mit auf eine putzmuntere Reise durch die Liebessehnsüchte der modernen Single-Gesellschaft.

„Dietmar Löffler, der das Team als Seminar-Pianist Franz Finkwerder begleitet, ist als Regisseur und Arrangeur ein witziger und schräger Liederabend gelungen“. HAMBURGER MORGENPOST

„Die volle Bandbreite – super gesungen, toll gespielt (…) Das Ergebnis ist ein wunderbar bunter Liederabend, der riesigen Spaß macht.“ BILD

Komödie von Neil Simon

Hochdeutsch von Jessica Higgins; Plattdeutsch von Frank Grupe

Inszenierung: Nora Schumacher

Bühne & Kostüme: Anike Sedello

„Mit viel Retro-Charme startet das Ohnsorg Theater in die neue Spielzeit“ (NDR Hamburg Journal): Eine höchst amüsante Wohlfühlkomödie mit fünf liebenswerten Charakteren - inspiriert von der US-amerikanischen Filmkomödie „Barfuß im Park“ (1967) mit Jane Fonda und Robert Redford in den Hauptrollen.

Nach einer stürmischen Flitterwoche beginnt das „richtige“ Eheleben für Paul und Conny. Schnell prallen nun ihre sehr unterschiedlichen Lebensauffassungen aufeinander: Paul ist ein überaus korrekter und aufstrebender Anwalt, Conny hingegen hat Spaß und Vergnügen zu ihren Lebensprinzipien erklärt. Als sich auch noch ein exzentrischer Nachbar in die junge Ehe einmischt, wird diese auf eine harte Probe gestellt – sehr zum Vergnügen des Publikums.

Schauspiel frei nach Anton Tschechow aus dem Russischen von Elina Finkel in einer Bearbeitung von Yana Ross

Regie: Yana Ross

Bühne: Bettina Meyer/ Kostüme: Ulrike Gutbrod / Musik: Knut Jensen / Dramaturgie: Matthias Günther / Mitarbeit Dramaturgie: Samuel Petit

Die ausgewiesene Tschechow-Kennerin Yana Ross arbeitet zum ersten Mal am SchauSpielHaus und überträgt Tschechows Meisterwerk „Die Möwe“ ins Heute. Fast alle Figuren, die Tschechow hier versammelt, sind irgendwo im Leben angekommen, wo sie eigentlich nicht hin wollten. Nun bilden sie einen Reigen unglücklich liebender, grandios oder kleinlaut scheiternder Menschen.

Als junge erfolglose Künstlerinnen und Künstler glauben sie noch daran, Konventionen sprengen zu können und verlieren dann den Glauben an ihre Arbeit. Sie wollen eigentlich ein bedeutendes Leben führen in den Metropolen der Welt, arrangieren sich dafür tapfer in der Provinz. Sie wollen die Gesellschaft verändern und werden von sich selbst enttäuscht. Auch suchen sie ihre große Liebe und landen in einer leidenschaftslosen Ehe...

40 Jahre Hamburger Camerata

Christian Gerber (Bandoneón), Rodrigo Reichel (Violine), Frank Skriptschinski (Kontrabass), Ulrike Payer (Klavier)

Leitung: Gianluca Febo

Seit nunmehr 40 Jahren macht die Hamburger Camerata Musik der Extra-Klasse. Dieses Jubiläum muss gebührend gefeiert werden – mit einer Auftragskomposition und spritzigen Werken der Klassik.

Chris Walden: „More to come“ - Auftragswerk des Fördervereins 2026

Astor Piazzolla (Arr. Christian Gerber): „Piazzolla Concertant“

Gioachino Rossini: Ouvertüre zu „Der Barbier von Sevilla“

Felix Mendelssohn Bartholdy: Sinfonie Nr. 4 „Italienische“ A-Dur op. 90

Eröffnet wird das Konzert mit einer neuen Komposition des Hamburger Jazzmusikers Chris Walden, der schon siebenmal für einen Grammy nominiert wurde – man darf gespannt sein. Der argentinische Komponist Astor Piazzolla ist berühmt für seine Tangos – ein Fest für die Camerata und Solist Christian Gerber am Bandoneon. Rossinis Ouvertüre zum „Barbier“ ist ein echter Ohrwurm, der einen fröhlichen und leichten Ton setzt, welcher in Mendelssohns „Italienischer“ Sinfonie zu einem Höhepunkt findet.

Schauspiel nach dem Gedicht von Inger Christensen

Aus dem Dänischen von Hanns Grössel

Regie: Thom Luz

Dramaturgie: Judith Gerstenberg

Das magische Welt-Gedicht „alphabet“ der dänischen Dichterin Inger Christensen gilt als eine der innovativsten und bedeutendsten Dichtungen des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Der Schweizer Theaterkünstler Thom Luz verwandelt das Gedicht in ein musikalisches Bühnenkunstwerk, ein von Musik durchdrungenes Klangbild – verspielt und traurig, flüchtig, voll von leisem Humor und magisch schönen Theaterbildern. Luz kehrt damit nach seinem Kafka-Abend „Die acht Oktavhefte“ zurück ans SchauSpielHaus.

Um sich in einer Schaffenskrise wieder ins Lot zu bringen, legt die studierte Naturwissenschaftlerin Christensen eine alphabetisch sortierte Aufzählung von Alltäglichem des Lebens an: Aprikosenbäume, Brombeeren, Chromstahl, Dunst, Dioxin usw. Die Zeilenanzahl der Wortfolge entsteht nach der sog. „Fibonacci-Sequenz“, einer Zahlenfolge abgebildet in Mustern der Natur, die sich immer als die Summe der letzen beiden Zahlen fortschreibt: 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55... Christensen fragt sich dabei, wie der Mensch in dieses Ordnungssystem hineinpasst.

Nach der Oper von Charles Gounod- Libretto von Jules Barbier und Michel Carré

Regie: Susann Oberacker

Musikalische Leitung: Esteban Andres Ravanal Canales

Freuen Sie sich auf ein weiteres Highlight der Opernliteratur: Das berühmteste Liebespaar der Weltliteratur kommt endlich ins Opernloft. Shakespeares Stück endet tragisch, ebenso die Oper von Gounod - trotz der vielen Walzermelodien. Aber wer weiß, vielleicht findet das Opernloft in seiner modernen Inszenierung eine hoffnungsvolle Wendung...

Überall herrscht Hass. Und mittendrin, zwischen den Fronten, steht das Liebespaar Romeo und Julia. Aber wie ist das, wenn die Gesellschaft diese Liebe nicht zulässt? Romeo und Julia kämpfen für eine Welt, in der unterschiedliche Meinungen möglich sind, in der Menschen einander zuhören und miteinander reden. Auch das Publikum darf seine Meinung sagen - angefeuert von Stephano auf Romeos Seite und Lorenzo auf der Seite Julias.

Schauspiel von Molière

Regie: Jette Steckel

Koproduktion mit den Salzburger Festspielen

2 Std. 15 Min., keine Pause

Wie viel Wahrheit vertragen wir? Wie viel Offenheit verträgt die Liebe? Jette Steckel inszeniert Molières Komödie über Kommunikation, Moral und Selbstdarstellung als Triptychon aus Musik, Film und Theater.

Was passiert, wenn radikale Ehrlichkeit auf eine Welt voller Eitelkeiten prallt? Alceste hasst Heuchelei und liebt ausgerechnet die umschwärmte und schillernde Célimène. Sein Freund Philinte mahnt zur Mäßigung, ihre Rivalin Arsinoé spinnt Intrigen, und der Dichter Oronte verklagt ihn vor Gericht. In bissigen Sprachduellen prallen Gefühle und Gesellschaft, Klatsch und Kränkungen, Begierden und Bösartigkeiten aufeinander.

Begeben Sie sich mit uns auf eine hanseatische Zeitreise. Begonnen hat der traditionelle Hamburger Gewürzhandel in den Kontorhäusern der historischen Deichstraße. Von dort folgen wir den Spuren der Pfeffersäcke in die Speicherstadt und fahren mit einer Hafenbarkasse zu den alten und neuen Umschlagsplätzen der Gewürze.

Auf dem Weg durch die Jahrhunderte erfahren Sie vieles über alte und neue Handelsformen, das Ganze gut gewürzt mit unterhaltsamen Anekdoten.

Anschließend laden wir Sie zu einer Besichtigung im Spicy`s Gewürzmuseum, einem Brötchen mit Pfeffersalami und einem aromatischem Zimtkaffee ein.

Geführt wird die Tour von dem Schauspieler Tobias Brüning in der Rolle des Hamburger Pfeffersackes Jacob Lange, dem Erbauer des 1686 entstandenen Alt Hamburger Bürgerhauses in der Deichstraße.

(Dauer ca. 3 Std.)

Treffpunkt: 11 Uhr, Deichstr. 37

Als prägende künstlerische Stimme führt Markus Stockhausen durch einen musikalischen Kosmos von außergewöhnlicher Ausdruckskraft. Der renommierte Trompeter, Flügelhornist und Komponist, ausgezeichnet mit dem Echo Jazz, dem WDR Jazzpreis und dem Deutschen Jazzpreis, vereint visionäre Klangvorstellungen mit ausgeprägtem musikalischem Feingefühl. Begleitet wird Stockhausen vom vielfach preisgekrönten Pianisten Florian Weber und dem international gefeierten Schlagzeuger Patrice Héral. Gemeinsam entfaltet das Trio ein fesselndes Wechselspiel zwischen Jazz und Klassik.

Eine musikalische Reise vom Schlager bis zur Oper

Regie: Inken Rahardt

Musikalische Leitung: Makiko Eguchi

Bühnenbild: Claudia Weinhart

Kostüm: Almut Blanke

Verspätungen und Zugausfälle bei der Bahn: Daraus hat das Opernloft in Altona einen ganzen Opernabend gezaubert: „Grandiose Oper zur Bahnmisere in Hamburg" (Hamburg Journal)

Der Bahnhof. Ein Sehnsuchtsort für Abschiede und Ankünfte. Ein Abend über das Kommen, Gehen und die besonderen Momente dazwischen. Inken Rahardt zeigt in diesem Stück Geschichten von Menschen, die sich zwischen den Gleisen begegnen, streiten, versöhnen, trennen und wieder zueinanderfinden. Sie verbindet die kleinen und großen Dramen auf dem Bahnsteig, im Café oder vor dem Kiosk mit den schönsten Melodien - vom schmissigen Schlager bis zur herzzerreißenden Opernarie.

Neue Philharmonie Hamburg

Dirigent: Marco Parisotto

Solisten: Jana Kuss (Violine) und Mikayel Hakhnazaryan (Cello)

Zwei Giganten der deutschen Musikgeschichte treffen in diesem Konzert aufeinander: der späte Brahms und Beethoven mit seinem wohl größten Erfolg. In Brahms Doppelkonzert führen Violine und Cello einen spannenden Dialog, die Geige eher lieblich, sie muss – und wird – sich gegen das dunkler gefärbte Cello behaupten. Der überschäumende Elan und Rhythmus von Beethovens Siebter sind einfach mitreißend, dem kann sich niemand entziehen!

Johannes Brahms: Doppelkonzert a-Moll, op. 102

Ludwig van Beethoven: Symphonie Nr. 7 A-Dur op. 92

Ludwig van Beethoven hat musikalisch Zeichen gesetzt und war damit sowohl Vorbild als auch Last für alle nachfolgenden Komponisten. Das gilt auch für Johannes Brahms, der Beethoven endlos bewunderte und sich erst einmal „freischwimmen“ musste.

Die Solistin Jana Kuss gründete 1991 in Berlin das Kuss Quartett, in dem Cellist Mikayel Hakhnazaryan ebenfalls spielt. Das Streichquartett gibt weltweit Konzerte und wurde mit internationalen Preisen ausgezeichnet.

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Schauspiel nach dem Roman von Anthony Burgess

Regie: Franziska Autzen

Bühne: Ute Radler; Kostüme: Benjamin Burgunder

Musik: Chris Lüers, Linus Kleinlosen

Burgess` Roman, „A Clockwork Orange“, vor allem bekannt durch Stanley Kubricks Verfilmung von 1972, zeichnet ein verstörendes, hochaktuelles Bild von Moral, Macht und Verantwortung. Das Kultwerk ist ein Plädoyer für den freien Willen und die menschliche Entscheidungsfreiheit zwischen Gut und Böse. Erleben Sie hier den preisgekrönten Theaterstar Sven Schelker.

Alex, jugendlicher Anführer seiner Gang, wird nach einer Nacht voller Gewaltexzesse zu vielen Jahren Gefängnis verurteilt. Dort lässt er sich auf eine Umerziehungsmaßnahme ein, bei der er gezwungen wird, mittels brutaler Videos schrittweise gegen Gewalttätigkeit konditioniert zu werden. Schließlich wird er als geheilt entlassen...

Im Jahr 2005 wurde „A Clockwork Orange“ in die Liste der 100 besten englischsprachigen Romane seit 1923 des Time-Magazins aufgenommen.

Musikalische Revue durch Erich Kästners „Fabian“ mit Martin Brambach & The Babylon Syncopators: Cathrin Groth (Saxophon), Christian Hammer (Gitarre), Volker Kamp (Kontrabass)

„Der Gang vor die Hunde“ sollte er eigentlich heißen, Kästners autobiografischer Großstadtroman, eine Erzählung um Sehnsucht und Suizid, gekaufte und verkaufte Liebe, und um Berlin, den zärtlichen Moloch der Moderne. Veröffentlicht wurde er erstmals 1931 in gekürzter, zensierter Fassung unter dem Titel „Fabian. Die Geschichte eines Moralisten“. Erst 2013 erschien Kästners Meisterwerk in ungekürzter Version. Nun wagen Christine Sommer und Martin Brambach den „Gang vor die Hunde“. Gemeinsam mit dem Christian Hammer Trio entführt das Künstlerpaar sein Publikum in eine verrückte Welt, die oft erschreckend aktuell wirkt. So entsteht eine szenische Lesung mit Musik der Zeit, eine Tour de Force durch die frühen 1980er Jahre: ausschweifend, pornografisch, dekadent und hochpolitisch.

Im Zentrum steht der Moralist Fabian, der mit seinem Freund Labude durch das unmoralische Berlin der frühen 1930er Jahre taumelt. Es geht um die Konfrontation mit Liebe, Hass und Gewalt in der Zeit des Kommunismus und des aufkeimenden Faschismus.

Kriminalkomödie von Wolfgang Kohlhaase und Rita Zimmer

Plattdeutsch: Elisabeth und Manfred Brümmer; Bearbeitung für das Ohnsorg-Theater: Frank Grupe

Inszenierung: Marc Becker

Bühne & Kostüme: Sabine Flunker; Musik: Jan W. Beyer

„Fisch för veer“ ist eine der erfolgreichsten Kriminalkomödien der letzten Jahrzehnte und hat auch 40 Jahre nach ihrer Entstehung nichts an Tempo, Sprachwitz und Komik verloren.

Sein halbes Leben ist Diener Rudolf den wohlhabenden Schwestern Charlotte, Cäcilie und Clementine treusorgend ergeben – sowohl im Haushalt als auch in amourösen Angelegenheiten. Doch Rudolf hat genug von der jahrelangen Plackerei und bittet die Damen um vorzeitige Auszahlung des ihm versprochenen Erbes, um endlich seine langersehnte Weltreise anzutreten. Aber die drei Schwestern denken gar nicht daran, ihr Vermögen mit ihm zu teilen. Und so beginnt ein köstlich-böses Spiel um Macht, Kontrolle – und ums Überleben.

„Anpacken und in die Hände spucken – egal was kommt!“ Das ist Thielkes Lebensmotto, seine Antwort auf alle Fragen, sein Kompass, der uns alle sicher durch die aufgewühlte See des Alltags im nächsten Hafen stranden lässt. Freuen Sie sich auf einen wunderschönen, lustigen Abend! Hans-Hermann Thielke nimmt Sie mit auf seine humorvolle Reise durch die Höhen und Tiefen des Alltags.

Mit seinem unverwechselbaren Stil und einer guten Prise Ironie beleuchtet er aktuelle Themen und gesellschaftliche Phänomene. Ob Politik, Beziehungen oder Herausforderungen des Alltags, Thielke weiß auf alle Fragen eine Antwort. Für zwei Stunden ist er die starke Schulter, an die Sie sich anlehnen dürfen, Ihr Fels in der Brandung! Und danach gehen Sie frohen Mutes nach Hause und haben zwei Stunden lang einfach nur gelacht!

In unsicheren Zeiten wie diesen sehnen wir uns alle nach Menschen, die uns Halt geben, zu denen wir aufblicken können. Wir sehnen uns nach Jemandem, der uns an die Hand nimmt und alle Probleme für uns löst! Hans-Hermann Thielke ist so ein Mensch! Eine starke Führungspersönlichkeit. Ein Macher, der sich jedem Problem erfolgreich in den Weg stellt! Er krempelt die Ärmel hoch, spuckt in die Hände und selbst aussichtslos erscheinende Aufgaben packt er beherzt an. Genauso hat er`s vierzig Jahre bei der Post praktiziert.

Schauspiel von Philippe Quesne (Regie und Bühne)

Künstlerische und technische Mitarbeit: Elodie Dauguet und François Boulet / Licht: Annette ter Meulen / Dramaturgie: Judith Gerstenberg

Philippe Quesne, der französische Meister des skurril-phantastischen Bildertheaters, entführt mit „Vampire’s Mountain“ in die abgelegene Welt der Vampir-Erzählungen. Seine Arbeiten sind Ausdruck einer Überlebenskunst in gefährlicher Zeitenwende, ein Trotzen gegen die Bedrohungen und Ängste der Gegenwart.

In Zeiten düsterer Zukunftsprognosen haben Vampir-Geschichten Hochkonjunktur. Tatsächlich gibt es kein Volk der Erde, dem diese Geschichten fremd wären.

Der Beginn von „Vampire’s Mountain“ mag zunächst noch bekannt erscheinen: Ein abgelegener Ort. Vereinzelte Menschen verschiedener Herkunft treffen nach und nach ein. Niemand weiß genau, wozu er oder sie gebeten wurde. Gilt es eine Erbschaft anzutreten? Etwas, jedenfalls, liegt tief vergraben. Oder hat es sich bereits aus der Erde befreit? Die Ungewissheit erzeugt eine phantastische Wachheit, die langsam, aber sicher die Wahrnehmung verändert: Sehen die kahlen Berggipfel in der Ferne nicht aus wie die Zähne eines Vampirs?

Der bildende Künstler, Szenograf und Regisseur Philippe Quesne verwebt ästhetische und wissenschaftliche Fragestellungen zu zarten, melancholischen und überaus heiteren Panoramen unserer Zeit, wo die Verwandlung stets die entscheidende Rolle spielt. Als Kopf der französischen Performancetruppe Studio Vivarium gehört er seit mehr als zwei Jahrzehnten zu den erfolgreichsten europäischen Theatermacherinnen und Theatermacher. Das von ihm von 2014 bis 2020 geleitete Pariser Théâtre Nanterre-Amandiers galt als Hotspot für neue Theaterentwürfe.

Zum ersten Mal wird er nun am Deutschen SchauSpielHaus in Hamburg inszenieren, Mitglieder des Studio Vivarium und unseres Ensembles verbinden, um mit ihnen gemeinsam den Ängsten unserer Gegenwart zu trotzen.

Ballett von John Neumeier zur Musik von Sergej Prokofjew

Choreografie und Inszenierung: John Neumeier

Musikalische Leitung: N.N.

Bühnenbild und Kostüme: Jürgen Rose

Lichtdesign: Max Keller

Nach langer Zeit endlich wieder auf der Bühne der Staatsoper: John Neumeiers „Cinderella Story„ wurde 1992 unter großem Jubel des Publikums in Hamburg uraufgeführt. „Choreografische Brillanz und faszinierende Musik verweben sich zu großartiger Ballettkunst“, kommentierte die Münchener Abendzeitung.

Neumeiers Version des Grimm`schen Aschenputtel-Märchens, ein Ballett über Selbstfindung und Erwachsenwerden. Zwei Menschen finden zusammen, die das Leben ein bisschen zu Außenseitern gemacht hat: Cinderella und der Prinz.

Wie bei Grimm beginnt das Stück mit Tod und Beisetzung von Cinderellas Mutter, die danach die Rolle der guten Fee übernimmt und ihre Tochter schützend durch das Leben geleitet. So wird das Sterben eines Menschen, trotz des Verlustes, der Trauer und der Not, zur Quelle des Guten und zum Schutz des Lebenden. Die Natur, der Baum auf ihrem Grab, die Tiere, sie alle werden Cinderellas Helfer.

Prokofjews berühmte Komposition entstand zwischen 1940 und 1944 in den Wirren des Zweiten Weltkrieges und wurde 1945 im Bolschoi Theater uraufgeführt. In der vielschichtigen Partitur reflektieren sich auch die Schrecken des Krieges.

PREMIERE: Hamburg Ballett, Hamburg, 15. Mai 1992

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Eine Komödie. Eine Frechheit. Ein Wahnsinn.

Komödie von Tommy Jaud und Moritz Netenjakob

Inszenierung: Corny Littmann

Musik: Martin Lingnau

Sie sind gefeierte Bestsellerautoren, Drehbuchschreiber für TV-Hits wie „Switch Reloaded“, „Dr. Psycho“ oder „Stromberg“, Gag-Texter für Fernsehstars wie Anke Engelke und Bastian Pastewka. Jetzt bringen Tommy Jaud und Moritz Netenjakob ihre erste gemeinsame Komödie „Der 50-Dollar-Dikator“ im Schmidt Theater auf die Bühne – inszeniert von Schmidt-Chef Corny Littmann.

„Kein Bett für Diktatoren“ – unter diesem Motto organisiert der prominente NGO-Chef Cornelius von der Haidt gemeinsam mit Frau und Tochter eine Demonstration gegen den Berlin-Besuch des „Umweltmonsters“ Wohambe Wahumbe, skrupelloser Diktator des Staates Malumbo.

Doch ebendieser Diktator steht nur wenige Stunden später vor Cornelius‘ Wohnungstür: Er will sich bei seinem Paten dafür bedanken, dass der ihm mit 50 Dollar im Monat nicht nur ein menschenwürdiges Heranwachsen, sondern auch den Aufstieg zur Macht ermöglicht hat. Cornelius, der vom Werdegang seines Patensohnes nichts wusste, gerät in Panik: Ist sein Leben in Gefahr? Seine Familie? Oder noch schlimmer: seine Karriere? Im Spiegel des bösen Diktators zeigt sich, dass Weltverbesserer Cornelius weniger tolerant und demokratisch ist, als er eigentlich dachte. Und Wohambe hat einige Überraschungen für die Familie auf Lager …

Gefeierte Uraufführung im März 2025 am New Yorker Broadway

Schauspiel von Peter Danish

Deutsch von Gil Mehmert

Mit Victor Petersen, Helen Schneider, Lucca Züchner

Über die zufällige Begegnung der zwei weltgrößten Dirigenten des 20. Jahrhunderts in einem Café in Wien: Herbert von Karajan und Leonard Bernstein – nach Aufzeichnungen eines Gesprächs zwischen Theaterautor Peter Danish und dem Wiener Kellner, der diese besondere Begegnung erlebt hat.

Später Abend 1988, die „Blaue Bar“ im legendären Hotel Sacher in Wien: Karajan ist für einen seiner letzten Auftritte nach Wien gekommen und trifft dort zufällig auf einen seiner größten Antipoden, Bernstein. Ein intensiver, mitunter kämpferischer, leidenschaftlicher und immer inspirierender Austausch beginnt. Die Granden der Musikgeschichte philosophieren über Musik, über die Kunst, über ihre Konkurrenz und ihre große Unterschiedlichkeit. Alles diskret beobachtet von einem Kellner, der die beiden Künstler den gesamten Abend bedient. Er kann nur ahnen, worüber die beiden Männer diskutieren.

Aber mehr als 30 Jahre später bediente eben jener Kellner in der „Blauen Bar“ den amerikanischen Theaterautor Peter Danish, der sich dort gerade in die gesammelten Briefe von Leonard Bernstein vertiefen wollte. Daraufhin erzählt der Kellner von jener zufälligen Begegnung der beiden Künstler, die ihn damals sehr bewegt und beindruckt hat. Danish war sofort elektrisiert. Noch am selben Abend entstand in der Bar der Entwurf für sein Kammerspiel „Last Call“, welches bereits in New York zur umjubelten Uraufführung kam: „...ein witzig-scharfer Schlagabtausch über Kunst, Eitelkeit und Moral...“ (Die Deutsche Bühne).

Im Mittelpunkt dieses Abends steht Guinga, einer der bedeutendsten Komponisten und Gitarristen Brasiliens. Geboren 1950 in Madureira, Rio de Janeiro, begann er bereits mit 16 Jahren zu komponieren und entwickelte eine unverwechselbare Klangsprache zwischen Choro, Samba, klassischer Gitarre und zeitgenössischer Harmonik. Gemeinsam mit Lucas Etcheverria und der Sons do Brasil Band – bestehend aus Studierenden der HfMT Hamburg und Musiker/innen der Hamburger Szene – entsteht ein Abend, der Guingas Werk lebendig, generationenübergreifend und aus einer zeitgenössischen Perspektive beleuchtet.

Der improvisierte Hamburg-Krimi mit dem Theater Steife Brise

Künstlerische Leitung: Thorsten Brand, Katharina Butting

Ein Schrei am Hafen, ein Schuss in der Nacht - wer wurde diesmal umgebracht?

Tod in Altona, Verrat in Eppendorf oder Erpressung in Barmbek: „Morden im Norden“ ist nichts für schwache Nerven! Drei Verdächtige, ein Opfer, ein Ermittler – mehr braucht das Theater Steife Brise nicht, um mit den Zuschauern einen interaktiven Krimiabend zu verbringen. Denn anders als beim sonntäglichen Fernsehthriller kann das Publikum beim improvisierten Hamburg-Krimi direkt ins Geschehen eingreifen und den Verlauf des Abends mitgestalten. Hier bestimmen die Zuschauer Opfer und Todesart und die Schauspieler schlüpfen blitzschnell in ihre Rollen als Kommissar, Komplize oder Serientäter. Ein Mordsspaß!

(Das Bildnis des Dorian Gray)

Schauspiel nach Oscar Wilde, adaptiert von Merlin Holland und John O'Connor

Regie: Paul Glaser

Die 50-jährige Jubiläumssaison des English Theatre of Hamburg startet mit einem zeitlosen Meisterwerk: Oscar Wildes Klassiker THE PICTURE OF DORIAN GRAY. Diese außergewöhnliche, fesselnde Geschichte ist voller Witz und scharfer Dialoge und fragt danach, was der wahre Preis von Übermaß und Hedonismus wirklich ist. Dieses theatralische Juwel sollte man nicht verpassen!

Dorian Gray, jung, gutaussehend und unschuldig, trifft die schicksalhafte Entscheidung, seine Schönheit in einem Porträt von sich selbst zu verewigen. Im Laufe der Jahre bleibt er von den Zählungen der Zeit unberührt, während das Gemälde an seiner Stelle altert. Aber kann diese Entscheidung wirklich keine Konsequenzen haben?

Symphoniker Hamburg

Dirigentin: Anna Rakitina

Solist: Edgar Moreau (Violoncello)

Dass Variationen reizvolle Früchte tragen können und dabei viel Neues hervorbringen, lässt sich bei Vaughan Williams ebenso entdecken wie bei Tschaikowsky. Ein spannungsreiches Programm, das im zweiten Teil mit einem in Musik gegossenen Freiheitskampf abschließt: Dvoráks Siebter, einem Höhepunkt seines symphonischen Schaffens. Cellist Edgar Moreau und Dirigentin Anna Rakitina geben ihr Debüt bei den Symphonikern.

Ralph Vaughan Williams: Fantasie über ein Thema von Thomas Tallis

Peter Iljitsch Tschaikowsky: Variationen über ein Rokoko-Thema A-Dur op. 33

Antonín Dvorák: Symphonie Nr. 7 d-Moll op. 70

Ein Psalm des Komponisten Thomas Tallis aus dem Jahr 1567 diente 1910 als Ausgangspunkt für Vaughan Williams „Fantasie“ – und beim Zuhören vermag man nicht zu entscheiden, ob man einem alten oder einem neuen Werk lauscht. So oder so – es klingt „definitely English“. Tschaikowsky widmet sich ebenfalls variantenreich der Alten Musik, und Dvorák begründet mit seiner Siebten sein großes und reifes Symphoniewerk.

Konzerteinführung:

60 Minuten vor dem Konzert im E-Saal der Laeiszhalle (Zugang über den Künstlereingang). Eintritt frei für Konzertbesucher; Dauer ca. 30 Minuten.

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Konzert-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Die Show „Art of Impossible“ von Dr. Alex Romanoff ist eine einzigartige Kombination aus einer Zaubervorstellung und einem Vortrag. Sie werden faszinierende, lustige und seltsame Geschichten über Zauberkünstler der Vergangenheit hören und auch verstehen, warum die Zauberkunst schon immer eine der wichtigsten Kunstformen war.

Alex wird auch aus seinem Leben erzählen und Illusionen zeigen, die er auf der ganzen Welt aufgeführt hat und die jeden im Publikum mit einbeziehen.

Bei dieser Show geht es nicht darum, Sie zu täuschen, sondern gemeinsam auf eine Reise zu gehen, um etwas Neues über Kunst, Magie und das Leben zu entdecken.

Dr. Alex Romanoff kam 2014 aus seiner Heimatstadt Moskau nach Deutschland. Er begann auf den Straßen von Frankfurt zu zaubern und war bald auf Firmen- und Privatveranstaltungen in ganz Deutschland zu sehen. 2019 schloss er seine Doktorarbeit über die Geschichte der Zauberkunst ab.

Schauspiel nach dem Roman von Sir Arthur Conan Doyle

Der Brite Sir Arthur Ignatius Conan Doyle (1859-1930) war Arzt und Schriftsteller. Die legendären Abenteuer des Sherlock Holmes und dessen Freund Dr. Watson zählen zu seinen bekanntesten Werken, so auch sein dritter Roman „The Hound of the Baskervilles“, einer der am häufigsten verfilmten Romane der Weltliteratur.

Auf der Adelsfamilie Baskerville lastet ein dämonischer Fluch. Seit Sir Hugo im Jahre 1742 ein Mädchen erstach, treibt sich ein monströser, heulender Hund in den Mooren herum, die das Familienanwesen umgeben. Und zwar immer dann, wenn einem Baskerville der Tod droht. Das Furcht erregendes Geheul nach Einbruch der Dunkelheit ist markerschütternd. Als schließlich Sir Charles Baskerville tot aufgefunden wird, fürchtet der letzte Überlebende des Clans und Erbe des Familienbesitzes, Sir Henry, um sein Leben. Doch gibt es ihn wirklich, den Hund von Baskerville? Der brillanteste Detektiv aller Zeiten und sein treuer Gehilfe Dr. Watson wollen das Geheimnis lüften…

Lustspiel von Heinrich von Kleist

Regie: Lilja Rupprecht

Bühne: Christina Schmitt

Kostüme: Annelies Vanlaere

Video: Moritz Grewenig

Dramaturgie: Nora Khuon

Kleist zeigt am Modell eines holländischen Dorfgerichts, wie die Menschen das Vertrauen in eine Obrigkeit verlieren, die nur am Machterhalt, nicht aber an der Wahrheit interessiert ist. Es inszeniert Lilja Rupprecht, bekannt für ihre magischen, glitzernden Bühnenwelten. „Eine frische, heutige Sicht auf den Stoff, die Komik auskostet und mit Ensemble und Gestaltung überzeugt.“ (NDR Kultur)

Ein zerbrochener Krug steht am Beginn der Geschichte, die von Justizbetrug, Vertuschung, Gewalt und Scheinheiligkeit erzählt. Frau Marthe Rull erscheint im Gericht, in den Händen der zerschlagene Krug. Als Schuldigen will sie Rupprecht, den Verlobten ihrer Tochter Eve, ausmachen. Richter Adam will ohne weitere Prüfung die Verurteilung vollziehen, um den Vorgang schnell vom Hals zu haben. Doch ganz so einfach gestaltet sich der Prozess nicht, denn zart und stetig bildet sich eine Gegenkraft, die die Mächtigen und ihre Mittel überführt.

Hamburger Improvisationstheater-Gruppe

Sie sind schnell, schrill und unberechenbar: Die waghalsigen Impro-Spieler gehen auf die Bühne, ohne zu wissen, was passiert. Sie haben keinen Text, keine Requisite, keine Regie. Nach den Vorgaben des Publikums entstehen Szenen aus dem Stegreif, die es nur einmal gibt. Die Zuckerschweine sind vermutlich Hamburgs lustigste Improvisationstheatergruppe. Und „ein Stück Hamburger Kultur“, wie sie das Hamburg Journal einmal nannte. Genießen Sie einen Abend voller Überraschungen – mit Lachgarantie. Versprochen.

Alle drei Monate zeigen die Zuckerschweine ein ganz spezielles Improtheater-Format, „Die Zuckerschweine-Soap“: Kommen Justin und Denise zusammen? Zieht Kevin endlich aus der WG aus? Und wer übernimmt eigentlich das Café? An aufeinanderfolgenden Terminen entsteht eine Soap-Opera live vor den Augen des Publikums - inklusive Werbespots und Programmhinweisen. Ganz so, als würde man im Fernsehen in eine unbekannte Soap zappen. In den einzelnen Folgen nehmen die Zuschauer Einfluss auf den weiteren Verlauf der Geschichte.

Der große Komödienerfolg von Michael und Jennifer Ehnert

Ein Comedy-Schauspiel über Paartherapie, Psychotricks und Propagandakriege.

Keine Frage: Die Ehnerts brauchen eine Therapie! Jennifer und Michael Ehnert haben sich vor langer Zeit das Ja-Wort gegeben - und seitdem streiten sie sich. Meistens öffentlich und sehr zur Freude des Publikums. Dank ihrer Erfolgs-Programme „Küss langsam“ und „Zweikampfhasen“ haben sie sich auf deutschen Bühnen mittlerweile als die Beziehungskampfexperten etabliert, die vor keinem Thema zurückschrecken. „Wir müssen reden“ ist eine rasante Zwei-Personen-Komödie, die funktioniert wie eine Peep-Show (nur ohne Ausziehen!), wie eine OP am offenen Herzen (nur ohne Narkose!), wie eine göttliche Erleuchtung (nur ohne Gnade!). Sie bietet nicht nur tiefenpsychologischen Einblick in Frauengehirne und Männerhandtaschen, sondern auch den Zugang zu geheimen Paarwelten, die nie ein Außenstehender je zuvor betreten hat.

Die Ehnerts können aus dem Stegreif Vorträge halten über die biologischen Unterschiede der Geschlechter, über den Kampf um Frauenrechte, über die Funktion und über die Dysfunktion von Sex, über den Gender-Pay-Gap, über die #metoo- Bewegung, über die Entstehungsgeschichte der Ehe, über geschlechtsspezifische Kommunikationsdefizite und ganz besonders gern und detailliert über die Fehler des anderen – was zu ihrer großen Überraschung dann stets zu neuem Streit führt.

Mit Live-Musik vom Original-Tivoli-Orchester

Vom Geheimtipp zum über 20-jährigen Dauerbrenner: ein „Crashkurs in St.-Pauli-Kultur“ (Süddeutsche Zeitung). Theaterchef Corny Littmann und sein Team haben Hamburgs schillerndstem Stadtteil ein Denkmal gesetzt, das schon über 3 Millionen Zuschauer begeisterte: 100 Prozent gefühlsecht, mit einer riesigen Portion Herz, Schnauze und Humor!

Jeden Abend schlüpfen die neun Darstellerinnen und Darsteller in über 50 Rollen und entführen in eine temporeiche Show mit Geschichten rund um den Kiez-Imbiss „Heiße Ecke“: Derbe Schnacks und zu Herzen gehende Szenen, wunderbare Stimmen und großartige, live vom Original-Tivoli-Orchester gespielte Songs, eine mitreißende Inszenierung, die den ganz normalen Wahnsinn rund um die Reeperbahn in drei Stunden zeigt. Das alles ist „Heiße Ecke“.

Hier am Tresen von Hannelore und ihrer Crew trifft sich ganz St. Pauli: die leichten Mädels und die schweren Jungs, die Touristen vorm Musicalbesuch und die Müllmänner nach der Schicht, die Junggesellen aus der Vorstadt, die es mal so richtig krachen lassen wollen, und die Kiez-Urgesteine, die eigentlich längst die Schnauze voll haben, aber trotzdem nicht loskommen von der schrägsten Meile der Republik.

Schauspiel nach dem Erfolgsroman von Caroline Wahl

Regie und Bühnenfassung: Katrin Mayr; Musik: Clemens Mägde; Ausstattung: Christine Grimm

Das meistverkaufte Buch der letzten Jahre kommt nun in Altona auf die Bühne! Die berührende Coming-of-Age-Geschichte erzählt vom Aufwachsen zweier Schwestern in schwierigen Verhältnissen. Caroline Wahls preisgekröntes Romandebüt erzählt mit zärtlicher Genauigkeit von Verantwortung in jungen Jahren, von einer Liebe und der Suche nach einem Platz im Leben.

Sommer in einer deutschen Kleinstadt: Die Schwestern Tilda und Ida leben zwischen Freibad, Schule und Uni – doch die Leichtigkeit fehlt. Während die Mutter im Alkohol versinkt und ihre Kinder vernachlässigt, trägt die Ältere, Tilda, Verantwortung für beide. Als sich Tilda die Chance bietet, für Studium und Karriere nach Berlin zu gehen, steht sie vor der schweren Entscheidung: für ihre Schwester bleiben oder gehen? Und dann taucht auch noch auf einmal Viktor auf, und das schlägt ungeahnte Wellen.

Erleben Sie Zauberkunst aus aller nächster Nähe mit Wittus Witt, Deutschlands renommiertem Zauberkünstler, in einem einzigartigen Ambiente.

Jeden Freitag verwandelt sich das Museum Bellachini dafür in den Zauber-Salon Hamburg. Dann lässt Wittus Witt die ausgestellten Exponate lebendig werden und verzaubert sein Publikum charmant, intelligent und witzig, so wie er es schon Hunderte von Male im Fernsehen und auf internationalen Bühnen gezeigt hat. Aber nun geschieht es unmittelbar vor den Augen der Zuschauer, hautnah, ohne jede Ablenkung.

Der Besuch des Zaubermuseums Bellachini ist im Preis inbegriffen und am Tag der Vorstellung ab 19.15 Uhr möglich.

Komische Oper von Gaetano Donizetti

In einer Bearbeitung von Marius Adam

Musikalische Leitung und Bearbeitung: Ettore Prandi

Regie: Alfonso Romero Mora

Bühne: Kathrin Kegler; Kostüme: Marie-Theres Cramer

Donizettis Meisterwerk „Don Pasquale“ stellt den Höhepunkt seines kompositorischen Schaffens dar. Mit flottem Tempo, viel Witz und Leichtigkeit entführt die Belcanto-Komödie in ein skurriles und komisches Kammerspiel.

Der reiche Juwelier Don Pasquale will auf seine alten Tage noch einmal heiraten. Eine Frau soll her – am liebsten jung, frisch und äußerst wohlhabend, aber anspruchslos und bescheiden. Seinem Neffen Ernesto möchte er die Heirat mit der mittellosen jungen Witwe Norina verbieten. Guter Rat ist nun teuer. Dr. Malatesta, sowohl Ernestos bester Freund als auch Don Pasquales Vertrauter, schmiedet einen Plan, um den jungen Liebenden zu ihrem Eheglück und dem ihnen zustehenden Erbe zu verhelfen.

Seine vermeintliche „Schwester“ Sofrina – in Wahrheit die verkleidete Norina – wird Don Pasquale als zickige Ehefrau untergejubelt und kann mit viel schauspielerischem

Talent und der tatkräftigen Unterstützung von Ernesto und Malatesta ihr Schicksal selbst in die Hand nehmen. Ein herrliches Chaos nimmt seinen Lauf.

Ein Singspiel nach dem Roman von Charles Dickens

Koproduktion mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen

Regie: Antú Romero Nunes

Der Roman erzählt vom Streben nach Gerechtigkeit und Zuversicht in einer Zeit, die vom Rhythmus der Maschinen und auch von Pflicht und Gehorsam bestimmt ist. Antú Romero Nunes verwandelt die Geschichte in ein musikalisches Erlebnis mit Gesang und Spiel.

Die fiktive, nordenglische Fabrikstadt Coketown ist Schauplatz von „Hard Times“ (1854). Unter der strengen Führung ihres Vaters, eines Schullehrers, lernen Louisa und Tom, Gefühle und Kreativität zu verdrängen. Sissy, das verlassene Kind eines Zirkusakrobaten, bringt Mitgefühl und Fantasie in ihr Leben. Zur gleichen Zeit erheben sich die Fabrikarbeiterinnen und -arbeiter der Stadt gegen Ausbeutung und Unrecht.

Schauspiel nach William Shakespeare

Mit Texten aus „Eddy the King“ aus „Schlachten!“ von Tom Lanoye und Luk Perceval

Koproduktion mit den Salzburger Festspielen 2021

Regie: Karin Henkel

Bühne: Katrin Brack; Kostüme: Klaus Bruns; Licht: Rainer Casper; Musik: Arvild J. Baud; Dramaturgie: Sybille Meier, Andrea Schwieter

Karin Henkel macht die Königsdramen „Heinrich VI.“ und „Richard III.“ zum Ausgangspunkt ihrer Inszenierung. Lina Beckmann (Nestroypreis 2021) wurde für ihre Darstellung des „Richard“ mit dem Gertrud-Eysoldt-Ring 2021, dem Theaterpreis „DER FAUST“ 2022 und als „Schauspielerin des Jahres“ 2022 ausgezeichnet. „Wie Lina Beckmann diesen Richard spielt, ist atemberaubend: kindlich, brutal, verspielt, unsicher, verführerisch …“ (NDR Kultur)

Mit Richard III. betritt einer der größten Antihelden der Theaterliteratur die Bühne: schamlos, gierig, gewalttätig, schlechthin die Inkarnation des Bösen. Zugleich ist er eine Hauptattraktion des Shakespeare’schen Kosmos: hellsichtig, witzig, heuchlerisch, verführerisch. Er weiß um die Manipulierbarkeit der Menschen, ist ein großer Lügner, ein Virtuose der Instrumentalisierung anderer und der genussvollen Selbstinszenierung.

Im zweiten Teil des Abends, „Richard the King“, befasst sich Karin Henkel mit dem politischen Umfeld des berühmt-berüchtigten Machthabers. Warum spielen hier alle mit, macht ihre eigene Gier blind? Wie gelingt Richard der zynische Spagat, die Menschen einerseits aufs Tiefste zu verabscheuen, sie andererseits aber doch für seine Zwecke zu gewinnen?

Shakespeare zeigt mit Richard III. auf eindrückliche Weise das kollektive Versagen eines ganzen Landes und die Deformation einer verunsicherten Gesellschaft, deren zunehmende Verrohung den Aufstieg des Tyrannen erst ermöglicht. Beunruhigend bleibt, was hinter unserem Vergnügen steckt, Richard III. in seinen dunkelsten Machenschaften zu folgen. Was macht auch uns zu Kollaborateuren?

Er war eine schwere Geburt. Die Ankunft Richards III. auf der Welt ist überschattet von seinen körperlichen Missbildungen und merkwürdigen Vorzeichen. Wäre es vielleicht besser gewesen, dieses Kind wäre nie geboren? Richards Mutter, die Herzogin von York, ahnt Böses: Von Anfang an bleibt ihr der Sohn dunkel und fremd. Sind Machtgier, Skrupellosigkeit und Zerstörungswut Ergebnis einer zerstörten Kindheit, liegen die Ursachen in sozialen und familiären Kontexten oder gibt es schlicht keine erschöpfende Erklärung für die Existenz egomaner und boshafter Machtmenschen?

Schauspiel von Roos Ouwehand

Regie: Kai Wagner

Eine Frau, ein Zimmer, ein Leben.

Im Alter von acht Jahren schmiedet Sophie in ihrem Kinderzimmer zusammen mit ihrem Freund Daniel Zukunftspläne: Kinder auf keinen Fall, aber mindestens fünf Hunde! Und achtzig Jahre später, wieder in diesem Zimmer, träumt Sophie von ihrer Mutter, ihrem Vater und ihrem Sohn. Und von Daniel, der sich zu ihr setzt und ihre Hand hält.

Dazwischen liegt ein ganzes Leben – und eine Familiengeschichte. Der Bilderbogen, der in zwölf Stationen in diesem Zimmer ein Leben zeigt, wirkt manchmal banal, mal komisch und mal schmerzlich. Immer wieder erzählt er von der Liebe zwischen Menschen, die mitunter nicht genug ist und dann wieder so stark, dass sie ein Leben aufrichten kann.

„Sophie“ ist ein außergewöhnliches Schauspiel, weil es ein ganz gewöhnliches Leben zeigt.

Schauspiel von Heinz Strunk

Regie: Studio Braun

Bühne: Stephane Laimé

Kostüme: Dorle Bahlburg

Musik: Studio Braun, Sebastian Hoffmann

Heinz Strunks Bestseller „Ein Sommer in Niendorf“ findet seinen Weg auf die Große Bühne, natürlich in Szene gesetzt von Jacques Palminger, Rocko Schamoni und Heinz Strunk alias Studio Braun.

Jurist Dr. Georg Roth, gut situiert, gut angezogen, gut aufgestellt, träumt davon, ein bejubelter Autor zu sein. Er nimmt eine Auszeit, um ein Buch zu schreiben - in Niendorf, einem Teil des Timmendorfer Strands. Einst Treffpunkt der berühmten Schriftstellergruppe 47 scheint der unglamouröse Badeort genau die richtige Wahl. Doch bald schon stockt der Schreibprozess. Dem Juristen begegnen allerlei dämonische Figuren, kleinbürgerliche oder proletarische, die ihn abstoßen und zugleich in ihren Bann ziehen. Das Buchprojekt tritt immer mehr in den Hintergrund. Und der Sommer in Niendorf beginnt Dr. Roths Leben zu verschlingen.

Heinz Strunks Roman wurde von Kritik und Publikum gleichermaßen gefeiert. Sein „Sommer in Niendorf“, hieß es, sei ein moderner „Zauberberg“. Und wenn Thomas Manns Zauberberg vor allem ein Ort ist, wo die Zeit anders verläuft, verfließt und vergeht, so geschieht Gleiches in Strunks Niendorf: Die berauschende Wirkung der Höhenluft wird in dem norddeutschen Badeort freilich durch ausgiebigen Alkoholkonsum erzielt.

Regie und Ausstattung: Inken Rahardt

Musikalische Leitung: Makiko Eguchi

Rien ne va plus! Violetta lädt Sie in ihren Spielsalon ein! Das Foyer und der Saal des Opernlofts werden zum großen Casino, und Sie können das bunte Treiben an den Spieltischen beobachten. Hier trifft sich die feine Gesellschaft, auch der junge Alfredo ist unter den Gästen. Er liebt die Frauen und das Spiel, geht auf volles Risiko und träumt vom großen Geld. Violetta und Alfredo verlieben sich, doch die Liebe steht unter keinem guten Stern...

Gefeierte Uraufführung im März 2025 am New Yorker Broadway

Schauspiel von Peter Danish

Deutsch von Gil Mehmert

Regie: Gil Mehmert

Bühne: Chris Barreca

Kostüme: René Neumann

Mit Victor Petersen, Helen Schneider und Lucca Züchner

Über die zufällige Begegnung der zwei weltgrößten Dirigenten des 20. Jahrhunderts in einem Café in Wien: Herbert von Karajan und Leonard Bernstein – nach Aufzeichnungen eines Gesprächs zwischen Theaterautor Peter Danish und dem Wiener Kellner, der diese besondere Begegnung erlebt hat.

Später Abend 1988, die „Blaue Bar“ im legendären Hotel Sacher in Wien: Karajan ist für einen seiner letzten Auftritte nach Wien gekommen und trifft dort zufällig auf einen seiner größten Antipoden, Bernstein. Ein intensiver, mitunter kämpferischer, leidenschaftlicher und immer inspirierender Austausch beginnt. Die Granden der Musikgeschichte philosophieren über Musik, über die Kunst, über ihre Konkurrenz und ihre große Unterschiedlichkeit. Alles diskret beobachtet von einem Kellner, der die beiden Künstler den gesamten Abend bedient. Er kann nur ahnen, worüber die beiden Männer diskutieren.

Aber mehr als 30 Jahre später bediente eben jener Kellner in der „Blauen Bar“ den amerikanischen Theaterautor Peter Danish, der sich dort gerade in die gesammelten Briefe von Leonard Bernstein vertiefen wollte. Daraufhin erzählt der Kellner von jener zufälligen Begegnung der beiden Künstler, die ihn damals sehr bewegt und beindruckt hat. Danish war sofort elektrisiert. Noch am selben Abend entstand in der Bar der Entwurf für sein Kammerspiel „Last Call“, welches bereits in New York zur umjubelten Uraufführung kam: „...ein witzig-scharfer Schlagabtausch über Kunst, Eitelkeit und Moral...“ (Die Deutsche Bühne).

Die Bremer Bühne Cipolla feiert 2026 ihren 15. Geburtstag mit einem besonderen Projekt: die Gedichte des Rainer Maria Rilke als Figurentheater mit Livemusik

„Du musst das Leben nicht verstehen, dann wird es werden wie ein Fest.“

Rainer Maria Rilkes Gedichte sezieren das menschliche Miteinander. Sie erzählen vom Leben und Lieben, von herben Verlusten und leisem Glück und suchen stets das Größere, auch Unfassbare, was über das Gesagte und Gedachte hinausgeht.

Bühne Cipolla präsentiert anlässlich des 100. Todestages von Rainer Maria Rilke einige seiner berühmten Gedichte wie „Der Panther“, „Herbsttag“ und „Das Karussell“, aber auch weniger bekannte Verse und verknüpft Rilkes Lyrik mit einer Geschichte über Schuld und Vergebung.

Luisas Sohn liegt seit einem Verkehrsunfall im Krankenhaus. Der beteiligte Motorradfahrer beging Fahrerflucht. In einer Bar lernt Luisa Leo kennen, bei dem sie Trost findet und ihre Sorgen für eine Weile vergisst. Doch dann entdeckt sie eines Tages in Leos Garage ein verbeultes Motorrad …

Kinder, Eltern und Großeltern geben bei diesem besonderen Format Themen vor, die live in Musik und Theater verwandelt werden. Studierende der Jazzabteilung der Hochschule fu¨r Musik und Theater Hamburg improvisieren gemeinsam mit jungen Schauspielern und Schauspielerinnen auf der Bu¨hne. So entsteht jedes Mal eine neue Geschichte – spontan, überraschend und einzigartig.

Vom Mut, eigene Wege zu gehen

Lesung mit Marisa Burger – Gitarrenbegleitung Martin Halmich

Marisa Burger ist viel mehr als die Kultrolle der Miriam Stockl aus „Die Rosenheim-Cops“. Sie ist Musikerin, Mutter, Sportskanone, Kunstliebhaberin und Stehaufmännchen. Unzählige Male hatte sie die Wahl: Folge ich den gesellschaftlichen Normen oder tue ich das, wofür ich brenne, was mich glücklich macht? Sie entschied sich (fast) jedes Mal für ihren Weg. Nicht aus Rebellion, sondern weil sie tief im Inneren spürte, dass es richtig für sie war. Diese Einstellung will sie in ihrem Buch weitergeben und dazu ermutigen, den eigenen Wünschen und Träumen zu folgen.

Marisa Burger macht viel Sport und surft, ist in zweiter Ehe verheiratet, lebt in München, pendelt aber regelmäßig nach Basel zu ihrem Mann. Als Jugendliche liebte sie New Wave und Punk, entfloh dem erzkatholischen Altötting und ihrem eher konservativen Umfeld. Sie entschloss sich gegen den Willen ihrer Familie für eine künstlerische Laufbahn, bekam Anfang 20 ihre Tochter und lebte in einer wilden WG.

Hamburgs enthusiastischer Jazz-Nachwuchs formt sich jedes Jahr zur „Workshopband“ des Landesjugendjazzorchester Hamburg. Diese junge Bigband ist ein Spielfeld für Kreativität, Begegnung und musikalische Entwicklung. Starke Sounds und hinreißend gute Laune sind mit Klassikern von Duke Ellington und Count Basie bis hin zu modernen Sounds von Bob Mintzer oder Maria Schneider garantiert!

Die künstlerische Leitung für Hamburgs schönstes Band-Förderprojekt 2026 übernimmt Stephanie Lottermoser – Hamburgs weltgewandte und inzwischen auch weltbekannte Saxofonistin, Sängerin, Komponistin und Bandleaderin.