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Eine Koproduktion des St. Pauli Theaters mit Familie Flöz

Regie: Mats Süthoff; Dramaturgie: Ulrich Waller

Co-Autor, Masken: Hajo Schüler; Bühne: Sophie Leypold; Kostüme: Mascha Schubert |

Musik: Benjamin Reber, Moritz Thorbecke

Mit Viviane Hamm, Paul Heimel, Jakob Immervoll, Anna Kistel, Daniel Mathéus, Benjamin Reber, Moritz Thorbecke

WUNDER ist ein Märchen, inspiriert vom sonderbaren Ort St. Pauli. Ein Märchen ohne Worte für Erwachsene, mit einer poetischen Mischung aus Drama, Komik und Musik. Und auch an diesem Abend wird man das Wunder des Flöz’schen Kosmos erleben, in dem scheinbar starre Masken zu lebendigen Figuren werden. In ihren wortlosen Geschichten findet die Company, im tragikomischen Scheitern ihrer liebevoll gezeichneten Charaktere, das Große im Kleinen.

Zum ersten Mal kommt die legendäre Maskentheater-Company FAMILIE FLÖZ auf die Reeperbahn. In Zusammenarbeit mit dem St. Pauli Theater entsteht ein Abend, der sich mit dem Mythos und den Wundern von St. Pauli beschäftigt, dem sagenumwobenen Ort, an dem Träume wahr werden und zerplatzen. Ein Ort, an dem Seemänner auf queere Kultur treffen. Ein Ort der Narren und Träumer, der Realisten und Ganoven, der Randfiguren und derer, die mittendrin sitzen. Inspiriert von Cesare Zavattinis Erzählung „Das Wunder von Bamba“, die Vorlage für Vittorio de Sicas legendären Film „Das Wunder von Mailand“ wird eine Welt von typisch Flöz’schen Charakteren entstehen, eine Welt, in der andere Regeln gelten als in der Stadt der Reeder und Kaufleute.

Das Gefühl von Gemeinschaft, von Solidarität, das auch durch die individuelle Suche nach dem Glück nicht zerstört werden kann, hier hat es ein Zuhause. Aber das ruft Neider auf den Plan. Denn wie jedes Idyll ist auch dieses gefährdet durch Menschen, für die die pure Existenz dieses Ortes schon eine Bedrohung ist. Utopien und Vielfalt sind nicht jedermanns Sache. Idylle schafft schließlich keinen Profit.

Auf der Bühne: fünf Spieler, zwei Musiker und fast 30 Figuren. Es beginnt alles in der Dunkelheit, auf einer Brache vor den Toren der Stadt. Randfiguren haben sich hier ein einfaches Leben eingerichtet. In diese Welt wird Totò geboren und Totò bringt das Licht. Einmal da, wollen es alle – Licht zum Sonnen, Licht für ihre Blumen, Licht zum Anschalten, Licht zum Licht wieder ausmachen – Licht für ihre Träume.

Licht wird zum Bild des individuellen Glücks, zur Quelle von Sehnsüchten und Wünschen. Streit entbrennt. Es wird zum Zwielicht, zum Warnlicht, zum Rotlicht und zum Scheinwerferlicht. Die Brache wird bunt, zur Attraktion und zur Bühne. Und plötzlich wittern einige ein Geschäft.

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Oper von Giuseppe Verdi

In italienischer Sprache

Altersempfehlung ab 14 Jahren / Klasse 9

Libretto: Francesco Maria Piave und Andrea Maffei nach der gleichnamigen Tragödie von William Shakespeare

Musikalische Leitung: Tomáš Hanus (Sept.), Daniele Squeo (Okt.)

Inszenierung: Tobias Kratzer

Bühne: Rainer Sellmaier; Kostüme: Rainer Sellmaier; Licht: Michael Bauer; Chor: Alice Meregaglia; Dramaturgie: Laura Schmidt

Chor der Hamburgischen Staatsoper, Philharmonisches Staatsorchester Hamburg

Ein Opernthriller über die Macht des Schicksals und die Verlockungen der Macht. Doch wo beginnen Entscheidungsfreiheit und persönliche Schuld? Wo ist der Mensch amoralischen Schicksalsmächten unterworfen? Verdis erste Shakespeare-Oper zeigt Macbeth und Lady Macbeth als inniges Paar, verbunden in einer Liebe, die sie gemeinsam Morde begehen lässt. Trotz ihrer Düsternis enthält die Partitur zarte Momente der Wärme und Zuneigung.

Um an die Macht zu kommen, lassen Macbeth und seine Frau Lady Macbeth skrupellos Mord auf Mord folgen. Mit der Wucht antiker Tragödien erzwingen sie eine Umkehrung der Verhältnisse, stürzen ein ganzes Land in Leid und Chaos. Und erliegen zuletzt selbst dem Wahnsinn. Verdis Oper steigt tief ein in die elementaren und widersprüchlichen Themen menschlichen Seins. In einem Panoptikum des Schreckens, geprägt von Gewalt und Aggression, begegnet dem Publikum ein in inniger Liebe verbundenes Paar...

Einführung: 45 Minuten vor Vorstellungsbeginn im Foyer

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Ballett von John Neumeier nach dem Roman von Alexandre Dumas

Musik: Frédéric Chopin

Choreografie und Inszenierung: John Neumeier

Bühnenbild und Kostüme: Jürgen Rose

„Die Kameliendame“, 1978 für das Stuttgarter Ballett geschaffen, verbindet klassisches Vokabular mit fein nuancierter Charakterzeichnung und ist geprägt von großer emotionaler Intensität. Zur Musik von Frédéric Chopin entwickelte sich „Die Kameliendame“ zu einem der bedeutendsten Handlungsballette des 20. Jahrhunderts und zählt heute zu den international meistgespielten Werken John Neumeiers.

Paris im 19. Jahrhundert: rauschende Bälle, Theaterbesuche, funkelnde Diamanten und Champagner. Die Geschichte handelt von der tragischen nicht standesgemäßen Liebesbeziehung zwischen der Kurtisane Marguerite Gautier und Armand Duval, einem Mann aus bester Gesellschaft, die an den gesellschaftlichen Zwängen scheitert. John Neumeiers raffinierte Dramaturgie, verbunden mit Frédéric Chopins gefühlvollen Klavierkompositionen und Jürgen Roses stimmungsvoller Ausstattung, macht das Ballett zu einem zeitlosen Klassiker.

Die Inspiration für den Roman „Die Kameliendame“ war die Pariser Kurtisane Alphonsine Plessis. Ihre kurze, aber prägende Liebe zu Alexandre Dumas hinterließ einen tiefen Eindruck, den der junge Autor 1848 in einem der meistgelesenen Werke der Weltliteratur verarbeitete, das zahlreiche Kunstwerke inspirierte, u. a. Giuseppe Verdis Oper „La Traviata“, den Kinofilm „Die Kameliendame“ mit Greta Garbo oder der Film „Moulin Rouge"! von Baz Luhrmann mit Nicole Kidman und Ewan McGregor.

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Schauspiel nach dem Gedicht von Inger Christensen

Aus dem Dänischen von Hanns Grössel

Regie: Thom Luz

Dramaturgie: Judith Gerstenberg

Das magische Welt-Gedicht „alphabet“ der dänischen Dichterin Inger Christensen gilt als eine der innovativsten und bedeutendsten Dichtungen des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Der Schweizer Theaterkünstler Thom Luz verwandelt das Gedicht in ein musikalisches Bühnenkunstwerk, ein von Musik durchdrungenes Klangbild – verspielt und traurig, flüchtig, voll von leisem Humor und magisch schönen Theaterbildern. Luz kehrt damit nach seinem Kafka-Abend „Die acht Oktavhefte“ zurück ans SchauSpielHaus.

Um sich in einer Schaffenskrise wieder ins Lot zu bringen, legt die studierte Naturwissenschaftlerin Christensen eine alphabetisch sortierte Aufzählung von Alltäglichem des Lebens an: Aprikosenbäume, Brombeeren, Chromstahl, Dunst, Dioxin usw. Die Zeilenanzahl der Wortfolge entsteht nach der sog. „Fibonacci-Sequenz“, einer Zahlenfolge abgebildet in Mustern der Natur, die sich immer als die Summe der letzen beiden Zahlen fortschreibt: 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55... Christensen fragt sich dabei, wie der Mensch in dieses Ordnungssystem hineinpasst.

Ein Singspiel nach dem Roman von Charles Dickens

Koproduktion mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen

Regie: Antú Romero Nunes

Der Roman erzählt vom Streben nach Gerechtigkeit und Zuversicht in einer Zeit, die vom Rhythmus der Maschinen und auch von Pflicht und Gehorsam bestimmt ist. Antú Romero Nunes verwandelt die Geschichte in ein musikalisches Erlebnis mit Gesang und Spiel.

Die fiktive, nordenglische Fabrikstadt Coketown ist Schauplatz von „Hard Times“ (1854). Unter der strengen Führung ihres Vaters, eines Schullehrers, lernen Louisa und Tom, Gefühle und Kreativität zu verdrängen. Sissy, das verlassene Kind eines Zirkusakrobaten, bringt Mitgefühl und Fantasie in ihr Leben. Zur gleichen Zeit erheben sich die Fabrikarbeiterinnen und -arbeiter der Stadt gegen Ausbeutung und Unrecht.

Kriminalkomödie von Wolfgang Kohlhaase und Rita Zimmer

Plattdeutsch: Elisabeth und Manfred Brümmer; Bearbeitung für das Ohnsorg-Theater: Frank Grupe

Inszenierung: Marc Becker

Bühne & Kostüme: Sabine Flunker; Musik: Jan W. Beyer

„Fisch för veer“ ist eine der erfolgreichsten Kriminalkomödien der letzten Jahrzehnte und hat auch 40 Jahre nach ihrer Entstehung nichts an Tempo, Sprachwitz und Komik verloren.

Sein halbes Leben ist Diener Rudolf den wohlhabenden Schwestern Charlotte, Cäcilie und Clementine treusorgend ergeben – sowohl im Haushalt als auch in amourösen Angelegenheiten. Doch Rudolf hat genug von der jahrelangen Plackerei und bittet die Damen um vorzeitige Auszahlung des ihm versprochenen Erbes, um endlich seine langersehnte Weltreise anzutreten. Aber die drei Schwestern denken gar nicht daran, ihr Vermögen mit ihm zu teilen. Und so beginnt ein köstlich-böses Spiel um Macht, Kontrolle – und ums Überleben.

Politologen präsentieren seit Jahren ein Buch nach dem anderen: Es steht nicht gut um unsere Demokratie. Sie dämmert dahin, zeigt Zerfallserscheinungen oder geht einfach zu Ende. Keine Demokratie hält ewig. Geht es der Demokratie wie dem Kabarett? Ist sie ein Auslaufmodell, oder leben wir bereits in einer Postdemokratie? Das Angebot an Pessimismus ist üppig.

Was tun? Unser Bundesuhu auf Schloss Bellevue weiß es auch nicht, ist aber bereit, zur Aufklärung düsterer Dystopien Amtshilfe zu leisten: „Den Weg in die Zukunft finden wir nur bei Licht.“ Im Publikum wird es dunkel. Die Bühne leuchtet hell. Das Spiel kann beginnen.

Nebenbei gesagt: Pessimismus beruht auf einem Mangel an Information. Alles wird gut!

Schauspiel von Zak Zarafshan

Regie: Anne Lenk

Bühne: Judith Oswald

Kostüme: Sibylle Wallum

Musik/Komposition: Johannes Hofmann

Dramaturgie ElvIn Ilhan

Wie fühlen sich Kinder, wenn ihre Eltern alles überwachen und normieren wollen? Zak Zarafshan entlarvt in seiner scharfsinnigen Komödie, die mit enormem Erfolg schon London eroberte, mit Witz und Tempo die Bruchstellen der Toleranz und die grotesken Reflexe einer überforderten Gesellschaft.

Ein Kuss, ein Beben, ein Chaos: Zwei neunjährige Jungen küssen sich auf dem Schulhof und die Eltern geraten unter Druck. Zwischen Panik, Prinzipien und absurden Erziehungsdebatten suchen sie verzweifelt nach der „richtigen“ Reaktion. Während sie sich in ihren Ängsten verlieren, mischen sich zwei überirdische Kräfte ein – mächtig, unberechenbar und mit einer Vorliebe für Drama: In Gestalt zweier queerer Engel weisen sie den Weg in eine offenere Zukunft.

Ein Labyrinth nach Sophie Calle

Regie: Ruben Müller; Bühne: Chloe Kelly; Kostüme: Jacqueline Elaine Koch Dramaturgie: Matthias Günther

Ein zufällig gefundenes Adressbuch wird zum Ausgangspunkt eines radikalen Experiments. Die Künstlerin Sophie Calle kopiert daraus die Kontakte eines ihr unbekannten Mannes und beginnt dessen Leben zu rekonstruieren. Sie spricht darüber mit Freunden, Bekannten, Verwandten und flüchtigen Begegnungen. So ensteht für sie das Bild eines Menschen, den sie nie direkt trifft und der doch immer greifbarer erscheint.

Was als neugierige Recherche beginnt, verwandelt sich in eine Grenzüberschreitung. Als Sophie Calle ihre Recherchen 1983 in der Zeitung „Libération“ veröffentlicht, löst sie einen Skandal aus. Der Betroffene spricht von einem Eingriff in seine Privatsphäre. Gerade diese Ambivalenz macht „Das Adressbuch“ zu einem bis heute verstörenden Kunstwerk. Ein Kriminalfall ohne eindeutige Schuld, der das Publikum selbst verstrickt. Was bleibt von einem Menschen, wenn andere über ihn sprechen? Und wo verläuft die Grenze zwischen künstlerischer Freiheit und Übergriff? Ruben Müller und sein Team widmen sich dieser Frage mit einem dokumentarischen und zugleich poetischen Zugriff.

Schauspiel von Molière

Regie: Jette Steckel

Koproduktion mit den Salzburger Festspielen

2 Std. 15 Min., keine Pause

Wie viel Wahrheit vertragen wir? Wie viel Offenheit verträgt die Liebe? Jette Steckel inszeniert Molières Komödie über Kommunikation, Moral und Selbstdarstellung als Triptychon aus Musik, Film und Theater.

Was passiert, wenn radikale Ehrlichkeit auf eine Welt voller Eitelkeiten prallt? Alceste hasst Heuchelei und liebt ausgerechnet die umschwärmte und schillernde Célimène. Sein Freund Philinte mahnt zur Mäßigung, ihre Rivalin Arsinoé spinnt Intrigen, und der Dichter Oronte verklagt ihn vor Gericht. In bissigen Sprachduellen prallen Gefühle und Gesellschaft, Klatsch und Kränkungen, Begierden und Bösartigkeiten aufeinander.

Die junge Sängerin CLEO zählt zu den spannenden Newcomerinnen der deutschen Jazzszene. Ihre Stimme, die sie mit entwaffnend natürlicher Virtuosität beherrscht, hinterlässt ein Gefühl wie Samt und Chili. Ihr Debütalbum „Let Them Talk“ wurde in die Bestenliste des Preises der Deutschen Schallplattenkritik aufgenommen.

Gemeinsam mit ihrer hochkarätigen Band interpretiert CLEO unter anderem Songs berühmter Broadway-Komponisten wie Stephen Sondheim und George Gershwin.

Jeden Herbst ist das Bundesjugendballett John Neumeier im Ernst Deutsch Theater zu erleben und stellt dem Hamburger Publikum unter dem Titel „Im Aufschwung“ die neuen Talente der jungen Compagnie vor. In der mittlerweile 18. Ausgabe der etablierten Reihe präsentieren die Tänzerinnen und Tänzer mit weiteren Künstlerinnen und Künstlern (Musik und Gesang) an vier Abenden, was sie in den ersten Monaten ihrer Zusammenarbeit kreiert haben.

Unter der künstlerischen und pädagogischen Leitung von Kevin Haigen zeigt das Ensemble ein abwechslungsreiches, abendfüllendes Programm, das ausgewählte Werke aus dem Repertoire sowie Choreografien von John Neumeier mit Kreationen internationaler Gastchoreografen und -choreografinnen vereint.

Altersempfehlung: Ab 12 Jahren

Komische Oper von Gaetano Donizetti

In einer Bearbeitung von Marius Adam

Musikalische Leitung und Bearbeitung: Ettore Prandi

Regie: Alfonso Romero Mora

Bühne: Kathrin Kegler; Kostüme: Marie-Theres Cramer

Donizettis Meisterwerk „Don Pasquale“ stellt den Höhepunkt seines kompositorischen Schaffens dar. Mit flottem Tempo, viel Witz und Leichtigkeit entführt die Belcanto-Komödie in ein skurriles und komisches Kammerspiel.

Der reiche Juwelier Don Pasquale will auf seine alten Tage noch einmal heiraten. Eine Frau soll her – am liebsten jung, frisch und äußerst wohlhabend, aber anspruchslos und bescheiden. Seinem Neffen Ernesto möchte er die Heirat mit der mittellosen jungen Witwe Norina verbieten. Guter Rat ist nun teuer. Dr. Malatesta, sowohl Ernestos bester Freund als auch Don Pasquales Vertrauter, schmiedet einen Plan, um den jungen Liebenden zu ihrem Eheglück und dem ihnen zustehenden Erbe zu verhelfen.

Seine vermeintliche „Schwester“ Sofrina – in Wahrheit die verkleidete Norina – wird Don Pasquale als zickige Ehefrau untergejubelt und kann mit viel schauspielerischem

Talent und der tatkräftigen Unterstützung von Ernesto und Malatesta ihr Schicksal selbst in die Hand nehmen. Ein herrliches Chaos nimmt seinen Lauf.

Gefeierte Uraufführung im März 2025 am New Yorker Broadway

Schauspiel von Peter Danish

Deutsch von Gil Mehmert

Regie: Gil Mehmert

Bühne: Chris Barreca

Kostüme: René Neumann

Mit Victor Petersen, Helen Schneider und Lucca Züchner

Über die zufällige Begegnung der zwei weltgrößten Dirigenten des 20. Jahrhunderts in einem Café in Wien: Herbert von Karajan und Leonard Bernstein – nach Aufzeichnungen eines Gesprächs zwischen Theaterautor Peter Danish und dem Wiener Kellner, der diese besondere Begegnung erlebt hat.

Später Abend 1988, die „Blaue Bar“ im legendären Hotel Sacher in Wien: Karajan ist für einen seiner letzten Auftritte nach Wien gekommen und trifft dort zufällig auf einen seiner größten Antipoden, Bernstein. Ein intensiver, mitunter kämpferischer, leidenschaftlicher und immer inspirierender Austausch beginnt. Die Granden der Musikgeschichte philosophieren über Musik, über die Kunst, über ihre Konkurrenz und ihre große Unterschiedlichkeit. Alles diskret beobachtet von einem Kellner, der die beiden Künstler den gesamten Abend bedient. Er kann nur ahnen, worüber die beiden Männer diskutieren.

Aber mehr als 30 Jahre später bediente eben jener Kellner in der „Blauen Bar“ den amerikanischen Theaterautor Peter Danish, der sich dort gerade in die gesammelten Briefe von Leonard Bernstein vertiefen wollte. Daraufhin erzählt der Kellner von jener zufälligen Begegnung der beiden Künstler, die ihn damals sehr bewegt und beindruckt hat. Danish war sofort elektrisiert. Noch am selben Abend entstand in der Bar der Entwurf für sein Kammerspiel „Last Call“, welches bereits in New York zur umjubelten Uraufführung kam: „...ein witzig-scharfer Schlagabtausch über Kunst, Eitelkeit und Moral...“ (Die Deutsche Bühne).

Philharmonisches Staatsorchester Hamburg

Dirigent: Omer Meir Wellber

Solisten: Lawrence Power (Viola), Aloisia De Nardis (Sopran), Janetka Hosco (Mezzosopran)

Das 3. Blaue Konzert verschränkt Barock und Moderne zu einem vielschichtigen Hörerlebnis: Giovanni Battista Pergolesis „Stabat Mater“ (1736) – klar, eindringlich, unmittelbar – begegnet dem Violakonzert (1985) von Alfred Schnittke, Satz für Satz ineinander verwoben. Ein Klangdialog aus Erinnerungen, Emotionen und überraschenden Wendungen.

Alfred Schnittke: Konzert für Viola und Orchester

Giovanni Battista Pergolesi: „Stabat Mater“

Pergolesis Musik richtet den Blick auf menschliches Leid und Mitgefühl. Schnittkes Violakonzert vereint zarte Reflexion mit orchestraler Kraft und macht die Viola zur Stimme zwischen Nähe und Widerstand. Was zunächst ein reiner Gegensatz zu sein scheint, gewinnt beim Hören an Tiefe und erzeugt produktive Spannung, einen offenen Prozess des Hörens und Entdeckens.

Unter der Leitung von Omer Meir Wellber übernehmen junge Stimmen aus der Accademia del Maggio Musicale Fiorentino die vokalen Partien.

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Schauspiel nach dem Roman von Fatma Aydemir

Regie: Hakan Savas Mican

„Dschinns“, der Bestsellerroman von Fatma Aydemir, erzählt aus sechs Perspektiven von Brüchen und Bindungen – und von dem, was eine Familie trotz allem zusammenhält. Jede Stimme legt neue Schichten frei, die sich erst im Zusammenspiel entfalten. Regisseur Hakan Savas Mican webt diese Erzählfäden auf der Bühne zu einem feinen Geflecht. Die Familie begegnet sich neu – zwischen Erinnerung, Verlust und Zuneigung.

Hüseyin ist tot. Dreißig Jahre hat er in Deutschland gelebt, gearbeitet, geschwiegen. Kurz vor seinem Tod kauft er eine Wohnung in Istanbul – als Versprechen auf ein anderes Leben. Zu seiner Beerdigung kommt die Familie Yilmaz nach Jahren erstmals wieder zusammen.

Schauspiel nach dem Roman von Annette Hess

Regie: Jorinde Dröse

Mit „Deutsches Haus“ erzählt Jorinde Dröse von der Auseinandersetzung mit dem Nationalsozialismus, die bis heute nicht abgeschlossen ist, von persönlicher Verstrickung – und der Frage, wofür wir uns entscheiden: hinsehen oder weitermachen, als wäre nichts geschehen.

Die junge Dolmetscherin Eva wird kurzfristig zu einem Prozess gerufen, um vom Polnischen ins Deutsche zu übersetzen – über das, was in Auschwitz geschehen ist. Auf der Anklagebank: Männer aus der Mitte der Gesellschaft. Zum ersten Mal hört Eva von dem Unbegreifbaren, das die junge Bundesrepublik so gründlich unter einer aufschwungsglänzenden Fassade von Normalität verborgen hält. Und plötzlich steht die Frage im Raum: Haben wir wirklich von all dem nichts gewusst?

Schauspiel von Stefan Kaegi

Konzept & Regie: Stefan Kaegi; Raum: Aljoscha Begrich; Musik: Arvild J. Baud

Dramaturgie: Ludwig Haugk, Aljoscha Begrich

Mit neun anonymen Stimmen und Live-Musiker: Thomas Leboeg

In „Société Anonyme“ gewährt die Dunkelheit Geschichten und Erzählenden Schutz vor Scham, Furcht und Bewertung. Von Darkweb bis Telefonseelsorge, hinter dem Schleier des Hijab oder der verdunkelten Scheibe einer Limousine, bei Whistleblowern und der Hackergruppe Anonymous … In der Dunkelkammer entwickelt sich das Bild einer anderen Stadt.

Licht an, Bühne frei! Im Theater treten Menschen ins Licht, damit das Publikum ihnen zuschauen und sich mit ihnen identifizieren kann. Aber was ist mit jenen, die das Rampenlicht scheuen? Wohin mit den Anliegen, die den Schutz der Anonymität brauchen, wie die Demokratie die Urne? Wie lässt sich die Intimität von Gesprächen nach dem Lichterlöschen ins Theater überführen? Mit geschlossenen Augen gelingt das Zuhören besser. Ob bei der Beichte, im Darkroom, im Aktiengeschäft, in Chatforen, am Telefon oder bei Stromausfall: Ohne Licht und Gesicht entsteht Raum für eine Seite der Gesellschaft, die den Glamour scheut.

Die Show „Art of Impossible“ von Dr. Alex Romanoff ist eine einzigartige Kombination aus einer Zaubervorstellung und einem Vortrag. Sie werden faszinierende, lustige und seltsame Geschichten über Zauberkünstler der Vergangenheit hören und auch verstehen, warum die Zauberkunst schon immer eine der wichtigsten Kunstformen war.

Alex wird auch aus seinem Leben erzählen und Illusionen zeigen, die er auf der ganzen Welt aufgeführt hat und die jeden im Publikum mit einbeziehen.

Bei dieser Show geht es nicht darum, Sie zu täuschen, sondern gemeinsam auf eine Reise zu gehen, um etwas Neues über Kunst, Magie und das Leben zu entdecken.

Dr. Alex Romanoff kam 2014 aus seiner Heimatstadt Moskau nach Deutschland. Er begann auf den Straßen von Frankfurt zu zaubern und war bald auf Firmen- und Privatveranstaltungen in ganz Deutschland zu sehen. 2019 schloss er seine Doktorarbeit über die Geschichte der Zauberkunst ab.

Thomas Freitag setzt mit seinem neuen Programm einen Schlusspunkt. Denn die einstigen Zukunftstra¨ume des Nachkriegskindes Thomas haben sich mittlerweile in Albtra¨ume verwandelt – und die Wut daru¨ber la¨sst ihn nicht kalt. Mit seinem enormen schauspielerischen Talent, seiner Erfahrung und seinem Alter nimmt er die Zuschauer an die Hand und fu¨hrt sie auf seinem„Ru¨ckzug u¨ber die Minen der Ebene“. Wenn er dabei kafkaesk den Affen gibt, dann nur, weil er dem Ernst des Lebens mit der Heiterkeit der Kunst begegnen will. Wer den großartigen Verwandlungsku¨nstler also noch einmal erleben will, sollte sich dieses Programm nicht entgehen lassen.

Er entlarvt die menschliche Hybris, sich grundsa¨tzlich dem Tier u¨berlegen zu fühlen. Der Mensch ist keine arme Sau, nur weil er mit digitalen Errungenschaften, KI, Suchtmitteln, Reichtum und Ehre nicht zurechtkommt. Doch er ist es, der jeder positiven Errungenschaft sofort den Missbrauch folgen la¨sst – keine Sau wu¨rde so etwas tun. So bekommt manch einer noch einmal den Kopf gewaschen. Nicht aber das Gehirn, denn dort, so scheint es, haben andere bereits ganze Arbeit geleistet.

Schauspiel nach dem Erfolgsroman von Caroline Wahl

Regie und Bühnenfassung: Katrin Mayr; Musik: Clemens Mägde; Ausstattung: Christine Grimm

Das meistverkaufte Buch der letzten Jahre kommt nun in Altona auf die Bühne! Die berührende Coming-of-Age-Geschichte erzählt vom Aufwachsen zweier Schwestern in schwierigen Verhältnissen. Caroline Wahls preisgekröntes Romandebüt erzählt mit zärtlicher Genauigkeit von Verantwortung in jungen Jahren, von einer Liebe und der Suche nach einem Platz im Leben.

Sommer in einer deutschen Kleinstadt: Die Schwestern Tilda und Ida leben zwischen Freibad, Schule und Uni – doch die Leichtigkeit fehlt. Während die Mutter im Alkohol versinkt und ihre Kinder vernachlässigt, trägt die Ältere, Tilda, Verantwortung für beide. Als sich Tilda die Chance bietet, für Studium und Karriere nach Berlin zu gehen, steht sie vor der schweren Entscheidung: für ihre Schwester bleiben oder gehen? Und dann taucht auch noch auf einmal Viktor auf, und das schlägt ungeahnte Wellen.

Erleben Sie Zauberkunst aus aller nächster Nähe mit Wittus Witt, Deutschlands renommiertem Zauberkünstler, in einem einzigartigen Ambiente.

Jeden Freitag verwandelt sich das Museum Bellachini dafür in den Zauber-Salon Hamburg. Dann lässt Wittus Witt die ausgestellten Exponate lebendig werden und verzaubert sein Publikum charmant, intelligent und witzig, so wie er es schon Hunderte von Male im Fernsehen und auf internationalen Bühnen gezeigt hat. Aber nun geschieht es unmittelbar vor den Augen der Zuschauer, hautnah, ohne jede Ablenkung.

Der Besuch des Zaubermuseums Bellachini ist im Preis inbegriffen und am Tag der Vorstellung ab 19.15 Uhr möglich.

Schauspiel von Johannes Kaetzler nach dem Roman von Bram Stoker

Regie: David Herder

Im Jahr 1896 reist der junge Rechtsanwalt Jonathan Harker nach Transsylvanien, um dem mysteriösen Grafen Dracula beim Kauf eines Londoner Domizils zu helfen. In dessen Schloss geschehen seltsame Dinge… Ein Foto von Jonathans Verlobter Mina führt beim Grafen zur Besessenheit. Als dann noch seine drei blutrünstigen Geliebten auftauchen, bleibt Jonathan nur die Flucht. In London steht Mina ihrer besten Freundin Lucy bei, die heiraten will. Nachdem im Anwesen nebenan ein düsterer Graf einzieht, leidet Lucy zunehmend an eigenartigen Krankheitserscheinungen. Und während Mina auf ihren Verlobten wartet, ist sie in einem verführerischen Bann gefangen und schwebt selbst in Gefahr.

Unvergessliche Stunden in der Welt der Gewürze und des Gins

Sie begeben sich mit einem Schauspielr, einem echten „Hamburger Pfeffersack“, auf eine Erkundungstour durch die schöne Hamburger Speicherstadt. Anschließend erhalten Sie im Gewürzmuseum wertvolle Informationen zu Gewürzen, die Sie in Form von leckeren Gewürzhäppchen und einem Zimtkaffee genießen. Mit dieser Grundlage verkosten Sie drei Hamburger Gins mit Erklärungen dazu. Als Höhepunkt des Abends stellen Sie einen eigenen Gin her, den Sie zuhause probieren können.

Beginn: 17 Uhr, Treffpunkt: Spicy’s Gewürzmuseum, Am Sandtorkai 24, 20457 Hamburg

Ende: ca. 20.15 Uhr

Der Klassiker des deutschen Kabaretts

Der Justizstandort Deutschland ist das denkbar fruchtbarste Biotop für Realsatire. Dieses Programm erhielt die höchste Auszeichnung für deutsches Kabarett und ist mit einer Spielzeit von über 12 Jahren und mehr als 1000 Aufführungen das meistgespielte Kabarett-Programm des deutschsprachigen Raumes. Die FAZ urteilt: „Koczwara beweist in seinem rhetorisch brillanten Programm, womit wir es bei Gesetzen eigentlich zu tun haben: nämlich mit der komischsten aller Textgattungen.“

Das Programm setzt in der Pointendichte neue Maßstäbe, ist grandios schwarzhumorig, intelligent und dabei höchst unterhaltsam. Kein anderes Volk der Welt hat wie wir Deutschen eine derartige Fülle an Gesetzen und Paragrafen hervorgebracht. Wir regeln einfach alles: die Eheschließung bei Bewusstlosigkeit (§1314 BGB) und das vorschriftsmäßige Anbringen von Warndreiecken bei Trauer-Prozessionen (§27 StVO). Und das packt der Gesetzgeber dann in eine Sprache, die selbst Juristen kaum noch verstehen. Dagegen gibt es nur eine Notwehr: Lachen! Bei Werner Koczwara lachen wir letztlich über uns selbst. Ausgiebig und mit Niveau.

Schauspiel frei nach Anton Tschechow aus dem Russischen von Elina Finkel in einer Bearbeitung von Yana Ross

Regie: Yana Ross

Bühne: Bettina Meyer/ Kostüme: Ulrike Gutbrod / Musik: Knut Jensen / Dramaturgie: Matthias Günther / Mitarbeit Dramaturgie: Samuel Petit

Die ausgewiesene Tschechow-Kennerin Yana Ross arbeitet zum ersten Mal am SchauSpielHaus und überträgt Tschechows Meisterwerk „Die Möwe“ ins Heute. Fast alle Figuren, die Tschechow hier versammelt, sind irgendwo im Leben angekommen, wo sie eigentlich nicht hin wollten. Nun bilden sie einen Reigen unglücklich liebender, grandios oder kleinlaut scheiternder Menschen.

Als junge erfolglose Künstlerinnen und Künstler glauben sie noch daran, Konventionen sprengen zu können und verlieren dann den Glauben an ihre Arbeit. Sie wollen eigentlich ein bedeutendes Leben führen in den Metropolen der Welt, arrangieren sich dafür tapfer in der Provinz. Sie wollen die Gesellschaft verändern und werden von sich selbst enttäuscht. Auch suchen sie ihre große Liebe und landen in einer leidenschaftslosen Ehe...

Schauspiel von Marina Carr

Regie: Elias Perrig

Das Stück erzählt hochemotional vom Leidensweg Klytämnestras nach der Opferung ihrer Tochter Iphigenie durch ihren Ehemann, den mykenischen König Agamemnon.

Die Griechen wollen gegen Troja in den Krieg ziehen. Agamemnon opfert seine Tochter Iphigenie auf Befehl des Orakels von Delphi – vermutlich eine politische Intrige, getarnt als göttliche Botschaft. Er handelt so, um seine Autorität als Herrscher zu bewahren. Klytämnestra kommt zu spät, um ihre Tochter zu retten. Nach gewonnenem Krieg kehrt er zehn Jahre später zu Klytämnestra und den Kindern in den Palast zurück. Mit sich bringt er die Prophetin Kassandra, Kriegsbeute, die fortan sein Bett teilt. Zwischen Begehren und Schmerz, Macht und Kalkül finden sich alle Figuren gefangen in einer Männerwelt, in der Frauenschicksale nur Verhandlungsssache sind.

Justizsatire von Werner Koczwara

Wie bereits in seinem gefeierten Programm „Am achten Tag schuf Gott den Rechtsanwalt“ wird Werner Koczwara den Justizstandort Deutschland auf die Schippe nehmen. Freuen Sie sich auf einen Abend mit großem Humor, starken Pointen und kabarettistischem Tiefgang.

Deutsches Recht ist oft auch große Komik. Lachen wir also drüber. In seinem neuen pointendichten, abgründigen Programm taucht Koczwara hinab in Rechtsphilosophie und wichtige gesellschaftliche Fragen: ab welchem Geburtstag gibt es keine ernst gemeinten Glückwunschschreiben mehr von der Rentenkasse? Wie kam es zu jenem Urteil des Bundesgerichtshofs, dass Frauen auf dem Beifahrersitz prinzipiell besser schweigen sollten? Und sind nackte Menschen in der Sauna ein Reisemangel?

Im Laufe eines jeden Lebens stellt sich die Frage nach Recht und Unrecht. Was ist gut, was ist böse? Die Entscheidung ist schwerer, als man denkt. Gut jedenfalls ist, daß wir eine Justiz haben, die da weiterhilft. Mit einleuchtenden Urteilen wie jenes vom Sozialgericht Berlin: "Ein in die Außentür des Hauses eingeklemmtes Knie ist unfallversichert, weil es sich bereits auf dem Weg zur Arbeit befand.“

Ballett von Alexei Ratmansky nach Lewis Carroll

(Altersempfehlung: ab 8 Jahren)

Choreografie: Alexei Ratmansky

Musik arrangiert und orchestriert von Philip Feeney

Bühnenbild: Sebastian Hannak; Kostüme: David Szauder

Dramaturgie: Vivien Arnold

Ein Höhepunkt der neuen Ballett-Saison: die Weltpremiere von „Wunderland“ des ukrainisch-amerikanischen Choreografen Alexei Ratmansky. Der Hauschoreograf des New York City Ballet ließ sich von Lewis Carrolls zeitlosen Klassikern „Alice im Wunderland“ und „Alice hinter den Spiegeln“ inspirieren. Ratmanskys meisterhafte Erzählkunst und innovative Ballettsprache machten ihn zu einem weltweit gefeierten und gefragten Künstler. Die New York Times beschreibt ihn als den „wohl wichtigsten Ballettchoreografen der heutigen Zeit“.

Die Fantasy-Bücher von Lewis Carroll verzaubern seit über 100 Jahren immer neue Generationen. Die Abenteuer der kleinen, eigensinnigen Alice fesseln und faszinieren bis heute mit ihren teils putzigen, teils furchterregenden Charakteren aus dem Wunderland – u. a. der hastige weiße Hase, die wundersame Grinsekatze, die Wasserpfeife rauchende Raupe, die Zwillingsbrüder Tweedledum und Tweedledee, das verrückte Duo Märzhase und Hutmacher sowie die diktatorische Herzkönigin, die stets „Kopf ab!“ schreit – sind im allgemeinen kulturellen Gedächtnis längst verankert.

Sind diese fantastischen Geschichten nur ein (Alb)Traum, ein Paralleluniversum oder eine Reise ins Unterbewusstsein? Carrolls literarische Vorlagen bieten viele Interpretationsmöglichkeiten.

Neben seinen zahlreichen Uraufführungen für führende Ballettcompagnien ist Alexei Ratmansky auch bekannt für Rekonstruktionen der großen Werke des 19. Jahrhunderts. Durch und durch dem klassischen Ballett verpflichtet, beherrscht er wie kaum ein anderer Choreograf die Kunst, klassische Balletttechnik mit einer modernen Sensibilität zu verweben. Vor allem aber ist er ein genialer Geschichtenerzähler. Die bezaubernden – und teilweise irritierenden – Geschichten von Alice liegen bei ihm in besten Händen, und das Hamburger Publikum darf sich auf ein fantasievolles Ballett freuen.

Premiere: 20.06.2026

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Krimikomödie nach dem Bestseller von Karsten Dusse

Bühnenfassung: Bernd Schmidt

Regie: Axel Schneider

Kostüme: Jana Schweers

„Achtsam morden“ ist die Geschichte eines bewussten, „entschleunigten“ Mordes, eine Kombination aus Achtsamkeits-Ratgeber und Krimi, aus der Feder des Rechtsanwaltes und Autors Karsten Dusse. „Spannung, ungebetene Ratschläge und Galgenhumor... Das kriegt halt nur ein Anwalt hin.“ (Jan Böhmermann)

Björn Diemel, ein erfolgreicher Anwalt, hat sehr wenig Zeit für seine Familie. Daher zwingt ihn seine Frau, ein Achtsamkeits-Seminar zu besuchen, um seine Ehe zu retten, seine Vaterrolle zu verbessern und seine Work-Life-Balance wiederherzustellen. Der Kurs zeigt Erfolge und Björn wird das Gelernte sogar in seinen Job integrieren: Als sein schuldiger Mandant, ein brutaler Großkrimineller, beginnt, ihm ernstliche Probleme zu bereiten, bringt er ihn einfach um — und zwar nach allen Regeln der Achtsamkeit...

Karsten Dusse ist Rechtsanwalt und seit Jahren als Autor für Fernsehformate tätig. Seine Arbeit wurde mit dem Deutschen Fernsehpreis und mehrfach mit dem Deutschen Comedypreis ausgezeichnet sowie für den Grimme-Preis nominiert. Sein Debütroman „Achtsam morden“ und auch die Fortsetzung „Das Kind in mir will achtsam morden" schafften es an die Spitze der Bestsellerlisten.

Schauspiel von Gunnar Dreßler nach dem gleichnamigen Film von Hans Weingartner

Regie und Bühne: Max Claessen

Mit Markus Feustel, Marie Fey, Daniel Elias Klein, Markus Majowski

Hans Weingartners satirische Krimikomödie entstand bereits 2005 und hat noch immer eine hochaktuelle Thematik: die immer größer werdende Schere zwischen Arm und Reich.

Aus Wut über soziale Ungerechtigkeiten brechen drei junge linke Aktivisten nachts in Villen ein. Ohne etwas mitzunehmen, verrücken sie Möbelstücke und hinterlassen Nachrichten über den bevorstehenden Klassenkampf und bringen so Deutschlands Elite ins Wanken. Als ein verfrüht heimkehrender Geschäftsmann sie bei einer Aktion überrascht, wird er kurzerhand gekidnappt und in eine abgelegene Alpenhütte abtransportiert. Dort entpuppt sich das Opfer als desillusionierter ehemaliger 68er...

Hans Weingartners Film u.a. mit Burkhard Klaußner, Julia Jensch und David Brühl wurde bei den Filmfestspielen in Cannes für die Goldene Palme nominiert.

Oper von Richard Wagner

In deutscher Sprache

Altersempfehlung ab 16 Jahren / Klasse 11

Inszenierung: Claus Guth

Musikalische Leitung: Omer Meir Wellber

Bühnenbild und Kostüme: Christian Schmidt

Hier sind höhere Mächte am Werk! Dieser Hamburger Ring von Regisseur Claus Guth und Bühnen- und Kostümbildner Christian Schmidt ist eine Laboranordnung – ihr Strippenzieher heißt Wotan. Die politische Fabel um Macht und was sie kostet, wird in der „Walküre“, die in dieser Spielzeit als autonomes Einzelstück gezeigt wird, bereits auf die entscheidende Essenz gebracht: Nicht das Göttliche steht hier im Zentrum, sondern der Mensch.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“).

Den Göttern droht der Untergang. Wotan will einen freien Helden schaffen, der ihm den Ring und damit die Herrschaft über die Welt zurückgeben soll. Er startet ein Experiment und zeugt mit einer Menschenfrau das Zwillingspaar Siegmund und Sieglinde. Doch sein Experiment scheitert. Er muss Siegmund opfern und am Ende auch noch seine Lieblingstochter Brünnhilde…

Walküren, auch Schlacht- oder Schildjungfern, sind weibliche Geisterwesen der nordischen Mythologie aus dem Gefolge des Göttervaters Wotan.

Wagner hat in seinem „Ring“ die Welt der germanischen Götter als Vorlage für eine kritische Deutung der menschlichen Gesellschaft gewählt. Der vierteilige Opernzyklus besteht aus Das Rheingold („Vorabend“), Die Walküre („Erster Tag“), Siegfried („Zweiter Tag“), Götterdämmerung („Dritter Tag“). Richard Wagners größtes und ambitioniertestes Werk entstand in einem Arbeitsprozess von über 30 Jahren. Wagner schrieb dazu den Text, komponierte die Musik und gab detaillierte szenische Anweisungen vor.

Premiere: 19. Oktober 2008

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Auch in diesem Programm durchforstet Frank Lüdecke unsere chaotische Lebenslandschaft gewohnt aktuell und überraschend. Der Träger diverser Kleinkunstpreise (Deutscher Kleinkunstpreis, Deutscher Kabarettpreis, Bayerischer Kabarettpreis, Kabarettpreise von NRW und Niedersachsen u. v. m.) sowie Leiter des Berliner Kabarett-Theaters DIE STACHELSCHWEINE scheut sich nicht, zwei kurzweilige Stunden lang Politik, Philosophie und Witz scharfsinnig miteinander zu verknüpfen. Musik gibt es auch, wie immer. Am Ende seiner Analyse hat er eine gute und eine schlechte Nachricht für Sie. Die schlechte: Er weiß es selbst nicht so genau. Die gute: Er bleibt trotz aller Widrigkeiten optimistisch. Und rät: „Träumt weiter!“.

Frank Lüdecke hat so lange über diese Welt nachgedacht, sie können seine Meinung einfach getrost übernehmen. Das ist praktisch. Gerade in dieser verwirrenden, unübersichtlichen Zeit, in der viele verunsichert sind: Darf man heute noch mit Menschen reden, die eine andere Meinung vertreten? Und warum ist die richtige Meinung bei den anderen so selten anzutreffen? Die Politik macht es uns auch nicht einfach. Wenn die Regierung fast 30 verschiedene Sondervermögen hat – sind wir dann überhaupt noch verschuldet? Warum setzen wir wieder aufs Militär, wollen aber gleichzeitig die Bundesjugendspiele abschaffen? Und dann noch KI: Wer gewinnt den Wettlauf zwischen künstlicher Intelligenz und natürlicher Dummheit? Noch steht es nicht fest.

Comedy-Theater von Anne Marie Scheffler

Nach dem kanadischen Comedy-Erfolg „Suddenly Mommy“

Deutsch von Carola Söllner

Regie: John Weisgerber

„Früher habe ich Bad Boys gedatet, heute ziehe ich sie groß.“

In Kanada ist „Suddenly Mommy“ seit Jahren ein Comedy-Smash-Hit! Schauspielerin und Sängerin Marie Lumpp bringt ihn nun endlich auch nach Deutschland – und schlüpft dabei in die Rolle der „Mama ohne Plan“ – was ihr leicht fällt, da auch sie im echten Leben den Spagat zwischen Bühne und Baby meistern muss. Eine humorvolle Show über erschütternde Erkenntnisse und darüber, dass alles immer anders kommt, als man es plant.

Jede Mutter erinnert sich an den Moment zurück, in dem sich Ihr Vorname in „Mama“ änderte. „Marie“ findet sich plötzlich als zweifache Mutter in Jogginghose auf dem Spielplatz wieder, und nichts ist mehr wie früher… Marie Lumpp spielt, singt und schimpft in atemberaubender Offenheit über die Achterbahn der Mutterschaft und springt dabei rasant durch 13 verschiedene Rollen. Ein turbulentes One-Woman-Comedy-Theaterstück über gute Zeiten, gut gemeinte Ratschläge – und den Versuch, stets alles richtig zu machen.

Krimikomödie von Danny Robins

Deutsch von Sarina Reyer; Regie und Ausstattung: Marcus Ganser

Einrichtung: Martin Woelffer

Mit Karim Chérif, Lena Dörrie, Alina Levshin, Max von Pufendorf u. a.

„2:22 – A Ghost Story“, die gefeierte Theater-Sensation aus London, nun auch in Hamburg: Ein raffinierter und nervenaufreibender Mix aus Gänsehaut, Witz und der ewigen Frage: Was ist real – und was glauben wir nur zu sehen? Glaube gegen Wissenschaft. Gruselig. Spannend. Unvergesslich. Finden Sie heraus, was um 2:22 Uhr geschieht!

Jenny und Sam haben ein altes Haus gekauft und frisch renoviert. Doch dann, mitten in der Nacht, hört Jenny über das Babyphone Schritte. Und die Stimme eines weinenden Mannes. Immer wieder. Punkt 2:22 Uhr. Sam glaubt nicht an Geister. Doch Jenny spürt: In diesem Haus stimmt etwas nicht. Um sich abzulenken, lädt sie Freunde zum Abendessen ein. Der Wein fließt, die Gespräche werden lebhaft: über Zufall, über Glauben und das Übernatürliche. Während die Nacht fortschreitet, rückt das Unheimliche näher. Gemeinsam beschließen sie, wach zu bleiben – bis 2:22 Uhr. Dann werden sie es wissen.

Schauspiel nach dem Roman von Sir Arthur Conan Doyle

Der Brite Sir Arthur Ignatius Conan Doyle (1859-1930) war Arzt und Schriftsteller. Die legendären Abenteuer des Sherlock Holmes und dessen Freund Dr. Watson zählen zu seinen bekanntesten Werken, so auch sein dritter Roman „The Hound of the Baskervilles“, einer der am häufigsten verfilmten Romane der Weltliteratur.

Auf der Adelsfamilie Baskerville lastet ein dämonischer Fluch. Seit Sir Hugo im Jahre 1742 ein Mädchen erstach, treibt sich ein monströser, heulender Hund in den Mooren herum, die das Familienanwesen umgeben. Und zwar immer dann, wenn einem Baskerville der Tod droht. Das Furcht erregendes Geheul nach Einbruch der Dunkelheit ist markerschütternd. Als schließlich Sir Charles Baskerville tot aufgefunden wird, fürchtet der letzte Überlebende des Clans und Erbe des Familienbesitzes, Sir Henry, um sein Leben. Doch gibt es ihn wirklich, den Hund von Baskerville? Der brillanteste Detektiv aller Zeiten und sein treuer Gehilfe Dr. Watson wollen das Geheimnis lüften…

Schauspiel von Mable Preach

Regie: Mable Preach

Mit Jedidah-Isabel Annor, Sinan Güleç, Gloria Odosi, Toini Ruhnke

Die berühmte Hamburger Regisseurin Mable Preach bringt hier einen Abend voller Popkultur und Comic-Referenzen auf die Bühne und stellt neben aller Verspieltheit Fragen nach Solidarität. Was lässt sie entstehen und welche Verantwortung tragen Bildungsinstitutionen dabei?

Wer Lilian wirklich ist, das weiß niemand so richtig. Weder ihre alten Schulbekanntschaften Hannah und Mia noch ihr bester Freund Jonas. Jahrelang hat sie als Schwarze junge Frau so viel von sich verstecken müssen und dabei ein Stück ihrer selbst verloren. Als es in ihrer ersten Uni-Woche zu einem rassistischen Vorfall kommt, der viral geht, formiert sich Widerstand unter den Studierenden. Ungewollt aber doch mittendrin: Lilian. Und mal wieder zeigt sich, weder Schulhof noch Universität sind neutrale Zonen, auf ihnen wird Welt gespielt – nach allen Regeln. Doch diesmal ist Lilian nicht allein. Sie findet Verbündete und sich selbst.

Timo Wopp weiß halt auch nicht mehr, wie er mit der aktuellen Situation umgehen soll. Aber genau das bringt er lustiger denn je auf die Bühne. Seine Stand-Ups sind voll von messerscharfer Selbstironie und bedingungsloser Härte, vor allem den eigenen Unzulänglichkeiten gegenüber.

Wohl kaum einem anderen gelingt es, die eigene Orientierungslosigkeit so gnadenlos unterhaltsam auszuschlachten. Mit spielerischer Leichtigkeit verschwimmen die Grenzen zwischen Anspruch und Würdelosigkeit. So wird „schwere Kost federleicht“ (Neue Presse). JA SORRY! ist ein großes Fest für alle, die auch schonmal ganz nach oben wollten.

Die Presse schreibt: „Der Wahlberliner aus Oldenburg beherrscht leutselige Vater-Mutter-Kinder-Standup-Comedy ebenso wie bösestes Rollenprosa-Kabarett als misogyner Neoliberaler.

(Neue Presse) „Der Agent Provocateur des deutschen Kabaretts.“ (Süddeutsche Zeitung)

Schauspiel nach dem Roman „Hier kocht der Chef!“ von Dave Freeman in einer Bearbeitung von Anke Kell; Plattdeutsch: Christiane Ehlers & Cornelia Ehlers

Inszenierung: Pascal Breuer

Bühne: Momme Röhrbein; Kostüme: Angelika Rieck

Eine rasante Komödie mit allerlei Täuschungs- und Überraschungsmanövern, in der jede Figur zunehmend den Überblick verliert.

Ein junges Paar hat sich einen Traum erfüllt – ein Bio-Hotel auf dem Lande, wo gestresste, übersättigte Großstädter entschlacken können. Der Haken an der Sache: Bezahlt wurde das Ganze mit dem Geld der Lebensversicherung des verstorbenen Ehemannes der Hotelchefin. Kurz verwitwet heiratet sie erneut – den Sachbearbeiter jener Lebensversicherung... Als dann der totgeglaubte erste Ehemann auftaucht, kommt es zu ungeahnten Turbulenzen im schönen neuen Wellness-Leben. Da hilft es wenig, dass das hiesige Polizeiorchester für ein neues Programm im Tanzsaal probt und die Schwiegermutter in alles ihre Nase steckt.

Mit Jennifer und Michael Ehnert

Regie: Martin Maria Blau

Eine atemberaubende und komische Tour de Force durch Männer- und Frauenbilder unserer Zeit mit neuesten Erkenntnissen aus der Paarforschung. Sie werden Zeuge einer romantischen, heißblütigen Liebesbeziehung vor der Kamera und dem zunehmend giftigeren Scheitern hinter der Kamera mit einer Fülle an Gemeinheiten und Beleidigungen. So endet auch die traumhafte Romanze von Michael und Jennifer Ehnert vor dem Scheidungsrichter. „Ganz großes Kino! Ein Ehekrieg, der auch nach zwei Stunden nicht nervt. Fünf von fünf Sternen!“ (Hamburger Morgenpost)

lm Film und im Fernsehen enden Liebesgeschichten immer im Moment des höchsten Glücks: Umarmung, tiefer Blick in die Augen, langer Kuss, toller Sex und dann – Abblende! Ärgerlicherweise erfahren wir aber nie, wie die von uns beneideten Traumpaare mit dem anschließenden Beziehungsalltag klarkommen. Die bittere Wahrheit ist: Sie kommen damit nicht klar! Genau so wenig wie alle anderen, Traumpaar hin oder her.

Der große Komödienerfolg von Michael Ehnert - jetzt in neuer Auflage

Mit Jennifer Ehnert und Michael Ehnert

Die gefeierte Romantic-Action-Comedy ist eine atemberaubende und auch komische Tour de Force durch Männer- und Frauenbilder unserer Zeit mit neuesten Erkenntnissen aus der Paarforschung. Einfach großartig! „Noch nie haben wir einem Pärchen so gerne beim Streiten zugesehen (...) Ein Ehekrieg, der auch nach zwei Stunden nicht nervt. Fünf von fünf Sternen!“ (Hamburger Morgenpost)

Das Publikum wird Zeuge einer romantischen Liebesbeziehung vor der Kamera: Voller heißblütiger Liebesszenen und explosiver Actionsequenzen! Und dem zunehmend giftigeren Scheitern hinter der Kamera: Mit verbalen Patronenhülsen am Wegesrand, Dialogen wie Tretminen und einem schier unerschöpflichen Füllhorn an Gemeinheiten und Beleidigungen.

Ein paar Jahre ist es her, dass die beiden Schauspieler sich bei den Dreharbeiten zu einer Fernsehserie mit dem schönen Titel “Küss langsam" kennen- und lieben gelernt haben. Doch die Serie über einen coolen Bullen und eine smarte Journalistin, die gemeinsam den größten Polit- und Wirtschaftsskandal aller Zeiten auffliegen lassen, ist leider nie gesendet worden. Und auch das glamouröse Schauspielerehepaar hinter den beiden Figuren hat nie den Weg in einen funktionierenden Beziehungsalltag gefunden...

Die Zuckerschweine sind vermutlich Hamburgs lustigste Improvisationstheatergruppe - und „ein Stück Hamburger Kultur“, wie sie das Hamburg Journal einmal nannte. Genießen Sie einen Abend voller Überraschungen – mit Lachgarantie!

Sie sind schnell, schrill und unberechenbar: Die waghalsigen Impro-Spieler gehen auf die Bühne, ohne zu wissen, was passiert. Sie haben keinen Text, keine Requisite, keinen Regisseur. Nach den Vorgaben des Publikums entstehen Szenen aus dem Stegreif, die es nur einmal gibt.

Improvisationstheater ist Theater pur. Theater ohne Kompromisse, Theater für den Moment. Live und ungeniert. Und immer nicht ganz ernst gemeint.

Die Spezialität der Zuckerschweine ist ihre unvergleichliche Impro-Show mit einer Extraportion Musik. Seit Dezember 2013 tritt die Impro-Combo regelmäßig jeden ersten Donnerstag im Monat im Hamburger Sprechwerk auf.

Zweimaliger Hamburger Impro-Meister, ein regelmäßig ausverkauftes Hamburger Sprechwerk, Auftritte in zahllosen deutschen Städten von Berlin bis Darmstadt, von Kiel bis Halle und beim NDR – die Zuckerschweine blicken auf eine bewegte Geschichte mit über 20 Jahren Bühnenerfahrung. Angefangen hatte alles im damaligen Mont Marthe in Eppendorf sowie in Geesthacht und Lüneburg. Es folgten fast zehn Jahre im legendären Foolsgarden in der Schanze, bis die Zuckerschweine ihre Impro-Zelte im Hamburger Sprechwerk aufschlugen. Zum Glück!

Mit Live-Musik vom Original-Tivoli-Orchester

Vom Geheimtipp zum über 20-jährigen Dauerbrenner: ein „Crashkurs in St.-Pauli-Kultur“ (Süddeutsche Zeitung). Theaterchef Corny Littmann und sein Team haben Hamburgs schillerndstem Stadtteil ein Denkmal gesetzt, das schon über 3 Millionen Zuschauer begeisterte: 100 Prozent gefühlsecht, mit einer riesigen Portion Herz, Schnauze und Humor!

Jeden Abend schlüpfen die neun Darstellerinnen und Darsteller in über 50 Rollen und entführen in eine temporeiche Show mit Geschichten rund um den Kiez-Imbiss „Heiße Ecke“: Derbe Schnacks und zu Herzen gehende Szenen, wunderbare Stimmen und großartige, live vom Original-Tivoli-Orchester gespielte Songs, eine mitreißende Inszenierung, die den ganz normalen Wahnsinn rund um die Reeperbahn in drei Stunden zeigt. Das alles ist „Heiße Ecke“.

Hier am Tresen von Hannelore und ihrer Crew trifft sich ganz St. Pauli: die leichten Mädels und die schweren Jungs, die Touristen vorm Musicalbesuch und die Müllmänner nach der Schicht, die Junggesellen aus der Vorstadt, die es mal so richtig krachen lassen wollen, und die Kiez-Urgesteine, die eigentlich längst die Schnauze voll haben, aber trotzdem nicht loskommen von der schrägsten Meile der Republik.

Mittlerweile mehrfach preisgekrönt, präsentiert der Kopf der a-cappella Band basta sein zweites abendfüllendes Programm. Hier spannt er mit beeindruckender Eleganz und komödiantischem Feinsinn erneut den großen Bogen zwischen Kabarett und Kunst, Komik und Klavier.

Ob Katzen und Kater Williams Wahlgesängen lauschen, ist nicht erwiesen, aber Menschen kommen nachweislich freudestrahlend aus den Solo-Abenden des Klavierkabarettisten. Auf unvergleichliche Art und Weise verbindet William Wahl das Komische mit dem Poetischen, die gedankliche Tiefe mit heiterer Leichtigkeit. Meisterlich!

Dabei schaut er mit liebevoll-spöttischem Blick auf die Feierfreudigkeit seiner Heimatstadt Köln, besingt auf herzergreifende Art und Weise Fahrerinnen weißer SUVs und kämpft in seiner solo-a-cappella-Nummer „Innenarchitekt*innen“ mit den Tücken des Genderns. Ohne dabei das wichtigste aller Themen zu vergessen - die Liebe, der er gleichermaßen rührende wie zartbitterböse Lieder widmet.

Eine Produktion von Meine Damen und Herren mit Gob Squad in Zusammenarbeit mit Kampnagel und dem Thalia Gaußstraße

Von und mit Katharina Bromka, Lis Marie Diehl, Christoph Grothaus, Merle Handzsuj, Melanie Lux, Noa Michalski, Sean Patten, Tom Reinecke, Sarah Thom, Bastian Trost

„Bisher habt ihr von uns gedacht, dass wir immer lustig, nett und dankbar sind. Aber wir sind wütend. Und es ist wichtig, dass ihr davon wisst…“

Die Hamburger Gruppe Meine Damen und Herren macht zusammen mit dem international gefeierten deutsch-britischen Performance-Theater-Kollektiv Gob Squad das starke Gefühl „Wut“ zum Motor. „Beruhig dich! Count to ten!“ Warum dürfen wir nicht wütend sein, obwohl wir allen Grund dazu haben? Wann ist Wut eine Kraft, die uns antreibt, und wann sollten wir besser erst einmal bis zehn zählen?

Vier Mal Schotty – freuen Sie sich auf vier neue Folgen nach der Kultserie „Der Tatortreiniger“ von Mizzi Meyer auf der Bühne der Hamburger Kammerspiele!

Regie: Ulrich Bähnk, Björn Kruse, Nina Pichler, Cornelia Schirmer

Bühne und Kostüme: Johannes Fischer

Dramaturgie: Helke Rüder

„Über den Wolken“

Bei der Reinigung des Tatorts wird Schotty vom Ehemann des Opfers überrascht – der seine Frau mit einer Axt ermordet hat.

„Anbieterwechsel“

Schotty putzt in einem Maklerbüro für Religionen und kommt mit der Besitzerin ins Gespräch über Gott und die Welt – und das Leben danach. Wie stellt sich Schotty eigentlich das Paradies vor?

„Nicht über mein Sofa“

Bei einer wohlhabenden alten Dame wurde eingebrochen, doch der Dieb verunglückt auf der Flucht tödlich. Schotty wird zur Reinigung gerufen, aber ist sich plötzlich nicht mehr sicher, ob es sich hier wirklich um einen Unfall handelt …

„Sind sie sicher?“

Schotty trifft auf den sadistischen Geschäftsführer einer Consulting-Firma, der seine Mitarbeiter bis ins kleinste Detail überwacht, massiv unter Druck setzt und manipuliert. Bis Schotty den Spieß umdreht …

Hamburg.Baroque, Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg

Cembalo und Leitung: Hansjörg Albrecht

Georg Friedrich Händels Oratorium „Israel in Egypt“ (1738) gehört zu seinen ungewöhnlichsten Werken, weil der Chor hier eine besonders dominante Rolle übernimmt und die Handlung fast durchgehend trägt. In großen Chorszenen und eindrucksvollen Klangbildern entfaltet Händel die biblische Exodus-Geschichte. Das Werk verbindet biblische Rettungserzählung, politische Resonanzen und eine hochverdichtete musikalische Rhetorik von Leid, Bedrängnis und Erlösung. Heute gehört Händels Werk zu den meistgespielten Oratorien.

Georg Friedrich Händel: Israel in Egypt / Oratorium in drei Teilen für Soli, Chor und Orchester HWV 54

Es hätte der Beginn einer wundervollen Völkerfreundschaft sein können: Der begabte Hebräer Josef aus dem ländlich geprägten Kanaan gelangt in Ägypten vom Versklavten zu großem Einfluss am Hof des Pharao. Mit seinem vorausschauendem Handeln trägt er entscheidend dazu bei, das Land vor einer schweren Hungersnot zu bewahren. Aus Dank erlaubt der Pharao Josef, seine gesamte Familie mitsamt ihrem Besitz nach Ägypten zu holen. So siedeln die Vorfahren der zwölf Stämme Israels in der Hoffnung auf Sicherheit und ein besseres Leben nach Ägypten über. Aber aus anfänglicher Gastfreundschaft und Toleranz gegenüber den Hebräern wird bald Misstrauen, Unterdrückung und schließlich Versklavung... Die biblischen Texte erzählen weit mehr als historische Katastrophen: Sie handeln von Machtmissbrauch und Freiheit, von menschlicher Verblendung und göttlichem Eingreifen – Themen, die bis heute nichts von ihrer Aktualität verloren haben.

(Keine Pause)

Dieses Konzert ist Teil des Händel-Zyklus der CPE.Bach.Akademie.Hamburg.

Einführung: 18:45 Uhr / Laeiszhalle, Großer Saal

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Ein Best Ager in der Blüte des Verfalls

Hans Gerzlich ist entsetzt, als er plötzlich feststellt, dass er im gleichen Jahr geboren ist wie... alte Leute. In den Werbepausen seiner Lieblingssendung werden keine verführerischen Aftershaves und rasante Sportwagen mehr angeboten, sondern Granufink, Voltaren und Wärmepflaster. Ist man so alt, wie man sich fühlt – oder wie man von der Werbung gemacht wird?

Aber auch über die Verdrängung des eigenen Ablebens denkt er nach, welche Sprache er am besten noch erlernt, um sich später mit seiner Pflegekraft verständigen zu können, und warum er in einem der reichsten Länder der Welt drei Monate auf einen Termin beim Orthopäden wartet.

Bei diesem Kabarettprogramm werden Sie sich kringelig lachen, wenn sie 50 sind, mal 50 waren - oder vorhaben, irgendwann 50 zu werden. Aber Achtung: Sie werden anschließend schon wieder zwei Stunden älter sein und etliche Lachfalten mehr haben.

Erleben Sie das renommierte Streichquartett Opus13. Allein im Jahr 2025 gewann das Ensemble den Ersten Preis und fünf Sonderpreise beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in der Wigmore Hall, London sowie den Ersten Preis und alle Sonderpreise beim Internationalen Streichquartettwettbewerb in Bordeaux!

Joseph Haydn: Streichquartett G-Dur op. 77/1

Belá Bartók: Streichquartett Nr. 3

Franz Schubert: Streichquartett d-moll D. 810, „Der Tod und das Mädchen“

Vorkonzert: 19.15 Uhr, Kleiner Saal

IJK Hamburg (Initiative Jugend-Kammermusik)

IJK Hamburg ist eine gemeinnützige Organisation, die hochbegabten Musikschülern im Alter von 12 bis 21 Jahren aus dem Großraum Hamburg Kammermusikunterricht bietet und deren Auftrittsmöglichkeiten fördert.

Künstlerische Leitung und Choreografie: Marco da Silva Ferreira

Musik: Rui Lima & Sérgio Martins

Licht: Teresa Antunes & Rui Monteiro

Kostüme/ Bühne: Marco da Silva Ferreira Production direction Mafalda Bastos

Der portugiesische Choreograf Marco da Silva Ferreira gehört zu den wichtigsten Stimmen der internationalen Tanzszene. Seine gefeierten Arbeiten sind maßgeblich von den Ästhetiken der Club- und Popkultur geprägt und verbinden körperliche Virtuosität mit gesellschaftspolitischen Fragestellungen. In F*CKING FUTURE entwirft Ferreira eine intensive, körperlich aufgeladene Choreografie im 360-Grad-Setting, bei der das Publikum um die Bühne herum sitzt und unmittelbar Teil der Szenerie wird. Gemeinsam mit sieben Tänzerinnen und Tänzern entwirft Ferreira ein kraftvolles Bild unserer Zeit, das dystopische Visionen, Musikvideo-Ästhetik, Affekt und politische Gegenwartsanalyse miteinander verbindet.

Decoder Ensemble Hamburg, Arp-Schnitger-Ensemble

Konzept / Elektronik: Alexander Schubert

Leitung: Gerhard Löffler

„Alpha & Omega“ fragt nach dem Menschen zwischen Schöpfungsglaube und künstlicher Intelligenz. Chor, Instrumentalensemble und Elektronik verbinden geistliche Klangtraditionen mit zeitgenössischer Musik und digitalen Klangräumen.

Das Decoder Ensemble Hamburg ist ein 2011 gegründetes Ensemble für zeitgenössische Musik mit Sitz in Hamburg. Es versteht sich als „Band für Neue Musik“ und verbindet klassische Instrumente mit Live-Elektronik, Multimedia und Einflüssen aus Clubkultur, Electronica und Rock.

Ein Schwerpunkt liegt auf der engen Zusammenarbeit mit jungen Komponistinnen und der Entwicklung neuer Werke, oft speziell für das Ensemble. Inhaltlich beschäftigen sich die Projekte häufig mit aktuellen Themen wie Digitalisierung, künstlicher Intelligenz und dem Verhältnis von Mensch und Technik. Das Ensemble tritt international auf – sowohl in Konzerthäusern als auch in experimentellen Kontexten – und steht für innovative, energiegeladene Konzertformate an der Schnittstelle von Musik, Technologie und Performance.