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Nach 28 Jahren voller Musik, Comedy, Bühnenchaos, Lampenfieber, Gänsehaut, Lachtränen und einer ordentlichen Portion Wahnsinn sagen die drei Brüder von Bidla Buh „Tschüss“ – und das laut, lustig und mit ganz viel Herz. Das preisgekrönte Trio im Frack geht auf Abschiedstour und feiert noch einmal all das, was das Publikum an ihnen liebt: höchste musikalische Virtuosität, irrwitzige Instrumentenwechsel und eine einzigartige Bühnenpräsenz, die Herzen und Lachmuskeln gleichermaßen trifft.

Diese Tour ist ein Dankeschön an alle, die Bidla Buh begleitet, gefeiert und unterstützt haben – ein Abschied voller Freude, Erinnerungen und natürlich bester Laune.

Ausgezeichnet mit zahlreichen Preisen wie dem Rheingau Musikpreis fasziniert das Hamburger Trio mit einer einzigartigen Mischung aus musikalischer Virtuosität, großartiger Stilvielfalt und bestem hanseatischem Humor. „Das Spitzenkönnertrio Bidla Buh ist mit allen musikalischen Wassern gewaschen.“ (Hamburger Abendblatt)

Schauspiel nach dem Roman von Georg Büchner

Regie: Kathrin Mayr

Dramaturgie: Stefan Kroner

Ausstattung: Hannah Petersen

Musik: Clemens Mädge

Mit Aaron Brömmelhaup, Nina Carolin, K, Anatol Käbisch, Ines Nieri, Stefan Schießleder

Im ungebrochen aktuellen Revolutionsstück „Dantons Tod“ stellt Georg Büchner schon 1834 die bis heute gültige Frage, welche Mittel im politischen Kampf legitim sind. Er zeichnet ein eindrucksvolles Bild vom Ringen um Humanität: Wie weit darf man für seine Ideale gehen?

Mitten in der französischen Revolution: Der Revolutionsführer Danton fordert einen liberalen Staat und ein Ende der Schreckensherrschaft seines ehemaligen Kampfgefährten und jetzigen Kontrahenten Robespierre. Dieser betrachtet Dantons Forderungen als Verrat an der Revolution und lässt ihn und seine Anhänger verhaften und schließlich exekutieren.

Oper von Carl Maria von Weber

In deutscher Sprache

Inszenierung: Andreas Kriegenburg

Bühne: Harald B. Thor

Kostüme: Andrea Schraad

Licht: Andreas Grüter

Webers romantisches Drama und Volksstück in einem, angesiedelt zwischen Traum und Alptraum, fasziniert bis heute. Schon die Uraufführung war ein beispielloser Erfolg: „Kritiker, Künstler, Dilettanten und Musikfreunde waren wie berauscht …“, so ein Bericht zur Uraufführung 1821 im Berliner Schauspielhaus. Der Freischütz traf den Nerv der Zeit. So auch der neue Hamburger „Freischütz“ als „abgründiger Psychokrimi (...). Der 200 Jahre alte Klassiker wird unter der brillanten Leitung von Yoel Gamzou (...) zu einem unheimlichen guten Opernabend“ (NDR).

Agathe ist Max versprochen, doch ein alter Brauch könnte ihr Glück noch einmal ins Wanken bringen: Max darf mit seinem Probeschuss das Ziel nicht verfehlen. Das weiß auch Caspar, der mit dem teuflischen Samiel im Bunde steht. Er überredet den unsicheren Max, Freikugeln zu gießen, mit denen er garantiert treffen werde. Doch Max weiß nicht, dass die letzte der Kugeln für seine Braut bestimmt ist...

Weber hatte den Stoff in einem alten Gespensterbuch entdeckt. Die Geschichte vom Jägerburschen Max, der sich dem Teufel verschreibt, rührt an Urängste der Menschen. Der Wald, Inbegriff der „deutschen Seele“, wird zum Kampfplatz zwischen Gut und Böse. Webers Musik gestaltet mit packender Emotionalität die Not und Verzweiflung der Menschen und auch deren Hoffnung auf ein glückliches Ende.

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Ein Singspiel nach dem Roman von Charles Dickens

Koproduktion mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen

Regie: Antú Romero Nunes

Der Roman erzählt vom Streben nach Gerechtigkeit und Zuversicht in einer Zeit, die vom Rhythmus der Maschinen und auch von Pflicht und Gehorsam bestimmt ist. Antú Romero Nunes verwandelt die Geschichte in ein musikalisches Erlebnis mit Gesang und Spiel.

Die fiktive, nordenglische Fabrikstadt Coketown ist Schauplatz von „Hard Times“ (1854). Unter der strengen Führung ihres Vaters, eines Schullehrers, lernen Louisa und Tom, Gefühle und Kreativität zu verdrängen. Sissy, das verlassene Kind eines Zirkusakrobaten, bringt Mitgefühl und Fantasie in ihr Leben. Zur gleichen Zeit erheben sich die Fabrikarbeiterinnen und -arbeiter der Stadt gegen Ausbeutung und Unrecht.

Oper von Giacomo Puccini

Text von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica

In italienischer Sprache

Inszenierung: Vincent Boussard

Bühnenbild: Vincent Lemaire

Kostüme: Christian Lacroix

Puccinis berühmte Tragödie, eine Liebesgeschichte zwischen einem amerikanischen Leutnant und einer Geisha, in einer Inszenierung von Vincent Boussard mit Glamourkostümen des französischen Stardesigners Christian Lacroix: „explodierende Farben, prächtiger Orchesterklang (…) ganz großes Kimono-Kino“ urteilte Spiegel online.

Nagasaki um 1900. Der amerikanische Leutnant Pinkerton heiratet nach japanischer Sitte die junge Cio-Cio-San, genannt „Butterfly“. Die junge Frau sieht in dieser Verbindung die Möglichkeit, dem für sie vorgezeichneten Leben zu entgehen. Für den Leutnant ist sie nur ein flüchtiges Glück. Er kehrt nach Amerika zurück. Als Pinkerton drei Jahre später mit seiner amerikanischen Frau die Stadt besucht, provoziert Butterfly mit der ganzen Kompromisslosigkeit ihrer Liebe ein letztes Treffen.

Premiere am 11.11.2012

Einführungen: jeweils 40 Minuten vor Veranstaltungsbeginn

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Drama von William Shakespeare

aus dem Englischen von Heiner Müller, Mitarbeit Matthias Langhoff

Regie: Frank Castorf

Shakespeare`s „Hamlet“ ist eine zeitlose Figur, die das Dilemma des modernen Menschen spiegelt: seine verzweifelte Sinnsuche in einer aus den Fugen geratenen Welt. Frank Castorf verfolgt „Hamlet“ bis ins zerfallende Europa der jüngeren Vergangenheit, in die Gegenwart und in die Zukunft hinein.

Hamlets Vater, der rechtmäßige König, ist tot. Auf dem Thron sitzt nun dessen Bruder Claudius, an seiner Seite Hamlets Mutter Gertrud. Dieser führt nun die Staatsgeschäfte, verschärft die politische Rhetorik und rüstet auf. Traumatisiert vom Tod des Vaters und der überstürzten Heirat der Mutter erscheint Hamlet der Geist des toten Vaters, beschuldigt den eigenen Bruder des Giftmords und fordert Hamlet zur Rache auf. Hamlet täuscht daraufhin Wahnsinn vor, um ungestört die Wahrheit über seine Familie herauszufinden. Hamlets Mutter glaubt, dass ihn die Trauer über den Verlust des Vaters und ihre geplante Vermählung mit dem Onkel in den Wahnsinn getrieben hat. Nur König Claudius schöpft Verdacht und schickt Hamlet nach England, um ihn dort ermorden zu lassen. Sein Plan misslingt. Hamlet gelingt es, nach Dänemark zurück zu kehren und den Mord an seinem Vater zu rächen.

Mit „Hamlet“ stößt Shakespeare in eine neue Dimension vor, jenseits aller bis dahin bekannten Genres. Kein Stück hat so viele widersprüchliche Deutungen provoziert wie dieses. Der französische Analytiker Jacques Lacan sieht die Ursache dafür in einer besonderen Art „Unwissenheit“, in die der Autor die Figuren und das Publikum versetzt. Für den Psychoanalytiker ist klar: Das ist die Macht des Unbewussten. Mit „Wer da?“ beginnt der Text, der „Geist“ des toten Vaters tritt auf, der auch Hamlet heißt. Ein Rachedrama bahnt sich an... Und am Schluss ein Massaker, das nur der überlebt, der die Geschichte aufschreibt.

Bitte beachten: die Aufführung dauert 6 Std inkl. einer Pause

Oper von Richard Strauss

In deutscher Sprache

Inszenierung und Bühnenbild: Dmitri Tcherniakov

Dramaturgie: Tatiana Vereshchagina

Kostüme: Elena Zaytseva

Video: Tieni Burkhalter

Licht: Gleb Filshtinsky

Als König Agamemnon aus dem Trojanischen Krieg heimkehrt, wird er von seiner Frau Klytämnestra und ihrem Geliebten Aegisth ermordet. Elektra, die Tochter Agamemnons, und ihr vom Königshof verbannter Bruder Orest wollen die Tat rächen, doch auch Elektra bezahlt dafür mit ihrem Leben. Premierenjubel (2021) beim modern und „spannend inszenierte(n) Familiendrama“ (ndr.de).

Tag für Tag gedenkt Elektra des ermordeten Vaters, plant blutige Siegesfeste und wartet auf den Augenblick, da ihr Bruder zurückkehren wird. Unter einem Dach mit den Mördern ihres Vaters treffen Blut- und Rachedurst auf die Zukunftsträume der jüngeren Schwester, die sich nach Ehe und Kindern, einem Leben in Eintracht und Glückseligkeit sehnt.

Altersempfehlung: Ab 16 Jahren/Klasse 11

30 Jahre Hidden Shakespeare

Freuen Sie sich auf einen unvergesslichen Abend mit den Pionieren des Improvisationstheaters im norddeutschen Raum! Seit 30 Jahren entscheidet das Publikum durch Zuruf, was auf der Bühne passiert. Ohne Drehbuch, ohne Bühnenbild, ohne Regie. Jede Szene, jeder Dialog, jeder Song – alles entsteht live im jeweiligen Moment. Immer wieder neu – immer wieder anders. Einzigartig und 100% spontan.

Das Gepäck ist verstaut, die Rückenlehnen befinden sich in senkrechter Sitzposition und alle Türen sind verschlossen –Boarding is completed. Ready to take off? Die atemberaubende Reise durch Raum und Zeit kann beginnen. Ob historisches Actionspektakel, herzzerreißendes Drama oder zwerchfellerschütternde Komödie. Ob ein Krimi im Hamburger Milieu, eine Liebesgeschichte auf einem Piratenschiff oder ein Familiendrama in den schottischen Highlands. Hier wird gelacht und geweint – gehasst und geliebt – gesungen, gedichtet und getanzt. Das ist die Magie des Improvisationstheaters.

Ein Benefiz-Abend für Ärzte ohne Grenzen e.V. und den Kinderschutzbund Hamburg e.V.

Alma Hoppes Lustspielhaus und Kerim Pamuk präsentieren auch in diesem Jahr wieder einen wunderbaren Mix aus Kabarett, Comedy und Musik, bei dem alle Auftretenden auf ihre Gage verzichten. Kommen Sie! Lachen Sie! Und tun Sie dabei nicht nur sich etwas Gutes!

Zur Unterstützung dieses guten Zweckes sind diesmal dabei: Götz Frittrang, Jennifer & Michael Ehnert, Felix Treder, Mariam Fathy & Kymia Kermani, Sybille Hein und die Gastgeber Kerim Pamuk und Jan-Peter Petersen.

Schauspiel von Rhea Leman

Regie: Tom Kühnel

Bühne: Jo Schramm

Kostüme: Ulrike Gutbrod

Dramaturgie: Saskia Jablonska

Musik: Hannes Gwisdek

Über Hannah Arendt, eine der scharfsinnigsten Denkerinnen des 20. Jahrhunderts, und ihre biografischen Wendepunkte: der aufkommende Faschismus, ihre Flucht aus Deutschland, die Suche nach Antworten bei ihrer Analyse totalitärer Herrschaftssysteme und – Adolf Eichmann. Mit ihrem bereits in Dänemark umjubelten Drama untersucht Rhea Leman in einem scharfsinnigen Psychogramm den Riss, der die Gesellschaft bis heute durchzieht.

Eine Begegnung mit Hannah Arendt 1975 in einem Hotelzimmer in Kopenhagen, wenige Stunden bevor der politischen Theoretikerin der Sonning-Preis übergeben wird. Bei der Vorbereitung auf ihre Rede wird sie in einen tiefen Sog surrealen Erinnerns über ihre Liebe, Menschen und Erlebtes gezogen.

Hannah Arendt war eine jüdische deutsch-US-amerikanische einflussreiche politische Theoretikerin, Professorin und Publizistin. Nach der NS-Zeit analysierte sie Wirkungsweisen totalitärer Herrschaft. Zu ihren bekanntesten Schriften zählen die „Elemente und Ursprünge totaler Herrschaft“ sowie „Eichmann in Jerusalem“, ihre Beobachtungen zum Prozess gegen den NS-Verbrecher Adolf Eichmann.

Der Sonning-Preis ist die wichtigste dänische Auszeichnung für kulturelle Leistungen. Er wurde vom Autor und Herausgeber C. J. Sonning (1879–1937) gestiftet. Alle zwei Jahre wird er jeweils am 19. April, dem Geburtstag des Namensgebers, von der Universität Kopenhagen für ein bedeutendes Werk, das die europäische Kultur bereichert, verliehen.

Schauspiel nach dem Roman von Sir Arthur Conan Doyle

Sir Arthur Ignatius Conan Doyle (1859-1930) war britischer Arzt und Schriftsteller. Die legendären Abenteuer des Sherlock Holmes und dessen Freund Dr. Watson zählen zu seinen bekanntesten Werken, so auch sein dritter Roman „The Hound of the Baskervilles“, einer der am häufigsten verfilmten Romane der Weltliteratur.

Auf der Adelsfamilie Baskerville lastet ein dämonischer Fluch. Seit Sir Hugo im Jahre 1742 ein Mädchen erstach, treibt sich ein monströser, heulender Hund in den Mooren herum, die das Familienanwesen umgeben. Und zwar immer dann, wenn einem Baskerville der Tod droht. Das Furcht erregendes Geheul nach Einbruch der Dunkelheit ist markerschütternd. Als schließlich Sir Charles Baskerville tot aufgefunden wird, fürchtet der letzte Überlebende des Clans und Erbe des Familienbesitzes, Sir Henry, um sein Leben. Doch gibt es ihn wirklich, den Hund von Baskerville? Der brillanteste Detektiv aller Zeiten und sein treuer Gehilfe Dr. Watson wollen das Geheimnis lüften…

Die Zuckerschweine sind vermutlich Hamburgs lustigste Improvisationstheatergruppe - und „ein Stück Hamburger Kultur“, wie sie das Hamburg Journal einmal nannte. Genießen Sie einen Abend voller Überraschungen – mit Lachgarantie!

Sie sind schnell, schrill und unberechenbar: Die waghalsigen Impro-Spieler gehen auf die Bühne, ohne zu wissen, was passiert. Sie haben keinen Text, keine Requisite, keinen Regisseur. Nach den Vorgaben des Publikums entstehen Szenen aus dem Stegreif, die es nur einmal gibt.

Improvisationstheater ist Theater pur. Theater ohne Kompromisse, Theater für den Moment. Live und ungeniert. Und immer nicht ganz ernst gemeint.

Die Spezialität der Zuckerschweine ist ihre unvergleichliche Impro-Show mit einer Extraportion Musik. Seit Dezember 2013 tritt die Impro-Combo regelmäßig jeden ersten Donnerstag im Monat im Hamburger Sprechwerk auf.

Zweimaliger Hamburger Impro-Meister, ein regelmäßig ausverkauftes Hamburger Sprechwerk, Auftritte in zahllosen deutschen Städten von Berlin bis Darmstadt, von Kiel bis Halle und beim NDR – die Zuckerschweine blicken auf eine bewegte Geschichte mit über 20 Jahren Bühnenerfahrung. Angefangen hatte alles im damaligen Mont Marthe in Eppendorf sowie in Geesthacht und Lüneburg. Es folgten fast zehn Jahre im legendären Foolsgarden in der Schanze, bis die Zuckerschweine ihre Impro-Zelte im Hamburger Sprechwerk aufschlugen. Zum Glück!

Der vielfach ausgezeichnete charmante Humorist aus Franken präsentiert seinem Publikum absurde Comedy vom Feinsten, die den ganz normalen Wahnsinn des Alltags aufs Korn nimmt und auf wunderbar explosive Art zum Ausdruck kommt. „Selten hat schlechte Laune so viel Spaß gemacht“ (3sat). Mit seiner intelligenten Überschreitung aller Tabus ist Matthias Egersdörfer ein Muss für jeden Comedy-Fan!

An diesem Abend feiert der Egers die Langsamkeit, und deswegen werden auch seine Geschichten nicht in erhöhtem Tempo vorgetragen. Aber Sie brauchen sich keine Sorgen zu machen, dass Sie dabei vielleicht müde werden könnten, denn es kommt vor, dass der Egers auf einmal Wut bekommt. Er regt sich ja gern auf wegen Allem und Nichts. Und da wachen Sie dann schon wieder auf!

Es ist einige Jahre her, dass der Egers einmal in einer Küche gearbeitet hat. Die Küchenchefin hat in kurzer Zeit dreihundert Mal zu ihm gesagt, dass er sich beeilen soll. Der Egers hat es versucht. Aber es ging nicht schneller. Der Egers ist langsam. Er schneidet Zwiebeln langsam, denkt langsam und spricht meistens nicht besonders schnell. In dieser Langsamkeit hat er auch das neue Programm geschrieben. Das hat sehr lange gedauert. Buchstabe um Buchstabe, Wort um Wort. Satz um Satz. Mit einer trägen Wucht stemmt sich der Kabarettist darin gegen die Schnelligkeit der Welt.

Maximilian Hering (Drums), Fernando Brox (Querflöte), Edu Cabello (Altsaxophon, Bassklarinette), Victor Carrascosa (Trompete, Flügelhorn), David Muñoz (Kontrabass)

Was passiert, wenn ein Schlagzeuger eine Band leitet, und wie klingt sie, wenn vier herausragende Musiker aus Barcelona mit dabei sind?

„Eine vielseitige, quirlige Allianz zwischen Köln und Katalonien.“ (Laura Benneck, JazzThetik)

Ein Auslandssemester in Barcelona, der Erasmus-Hauptstadt Europas, und plötzlich werden aus ein paar Monaten mehrere Jahre. So erging es auch dem Schlagzeuger Maximilian Hering während seines Studiums an der Jazzhochschule. Inmitten einer lebendigen Szene aus Konzerten und nächtlichen Jam Sessions begegnete er einer Spielfreude und Virtuosität, die ihn nachhaltig prägte.

Aus der Idee, mit seinen Lieblingsmusikern eine Band zu gründen, wurde Realität: ein spanisch-deutsches Ensemble, das seine musikalischen Geschichten nun im zweiten Album erzählt. Die ungewöhnliche Besetzung - drei Bläser, Kontrabass und Schlagzeug, ganz ohne Harmonieinstrumente - verleiht dem Sound eine besondere Offenheit und Energie. Die Stücke erzählen von der damaligen Zeit in Barcelona sowie von Aufbruch, Abschied, Liebe, aber auch vom Geräusch vorbeischleichender Züge bei Nacht. Mal kraftvoll, mal intim, immer mitreißend.

Die Maximilian Hering Group, 2018 in Barcelona gegründet, als der nun in Köln lebende Schlagzeuger und Namensgeber Musiker der jungen katalanischen Jazzszene zu einem gemeinsamen Konzert zusammenbrachte. Die besondere Besetzung mit zwei Bläsern, Kontrabass und Schlagzeug erwies sich schnell als äußerst fruchtbar: Sie schafft viel Raum für Improvisation und ermöglicht es den Musikern, ihre individuellen musikalischen Stimmen frei zu entfalten.

Seit ihrem Debütalbum „Nostalgia“ (2022) mit sieben Eigenkompositionen von Maximilian Hering ist erstmals mit der Querflöte eine fünfte Stimme zu hören – ein Format, in dem die Band fortan auf Tourneen durch Spanien, Deutschland und die Niederlande zunehmend als Quintett auftrat.

2024 nahm die Group ihr zweites Album „The Gathering“ auf, das im Januar dieses Jahres bei Klangraum Records erschien. Das Album vertieft den Bandsound durch Kompositionen mehrerer Bandmitglieder, eine erweiterte Instrumentierung mit Bassklarinette und Flügelhorn sowie die Pianistin Lucia Fumero als Gästin auf zwei Stücken.

Im Mai präsentiert die spanisch-deutsche Band ihr neues Album gemeinsam mit ausgewählten Stücken aus dem bisherigen Repertoire auf einer Tour durch Deutschland. „A welcome gathering.“ (George W. Harris, Jazz Weekly)

Einlass 18:30 Uhr - Konzertbeginn 19:30 Uhr

Ballette von Pina Bausch, Hans van Manen, Demis Volpi und Justin Peck

(Altersempfehlung: ab 13 Jahren / Klasse 8)

Wir leben in einer Zeit des rasant schönen Nebeneinanders der Stile – und so ist auch dieser mehrteilige Ballettabend gemeint. „The Times Are Racing“ vereint vier Choreografien und spannt einen Bogen über die letzten 50 Jahre Tanzgeschichte.

ADAGIO - Ballett von Pina Bausch

Aus „Adagio“ – Fünf Lieder von Gustav Mahler

Choreografie: Pina Bausch

Eine Rekonstruktion der Pina Bausch Foundation mit dem Hamburg Ballett 2024

Musik: Gustav Mahler – Adagio aus der 10. Sinfonie

Bühne, Licht, Kostüme: Karl Kneidl

URAUFFÜHRUNG: Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Opernhaus Wuppertal, 8. Dezember 1974

VARIATIONS FOR TWO COUPLES - Ballett von Hans van Manen

Musik: Benjamin Britten: Streichquartett in F-Dur Teil 2 (Andante)

Einojuhani Rautavaara: Pelimannit, Opus 1, Teil 2 (Kopsin Jonas)

Stefan Kovacs Tickmayer: Lasset uns den nicht zerteilen, nach Johann Sebastian Bach

Astor Piazzolla: Melodía en la menor (Canto de Octubre), Bearbeitung für Violinsolo und Streichorchester, Orchester von Bob Zimmerman

Choreografie: Hans van Manen

Bühne und Kostüm: Keso Dekker

Licht: Bert Dalhuysen

URAUFFÜHRUNG: Dutch National Ballet, Dutch National Opera, Amsterdam, 15. Februar 2012

THE THING WITH FEATHERS - Ballett von Demis Volpi

Musik: Richard Strauss – Metamorphosen für 23 Solostreicher

Choreografie und Bühnenbild: Demis Volpi

Kostüme: Thomas Lempertz

Licht: Volker Weinhart

URAUFFÜHRUNG: Ballett am Rhein, Opernhaus, Düsseldorf, 29. Mai 2023

THE TIMES ARE RACING - Ballett von Justin Peck

Musik: Dan Deacon – USA I-IV aus dem Album „America“

Choreografie: Justin Peck

Kostüme: Humberto Leon

Lichtdesign: Brandon Stirling Baker

URAUFFÜHRUNG: New York City Ballet, David H. Koch Theater, New York, 26. Januar 2017

PREMIERE IN HAMBURG:

Hamburg Ballett, 28. September 2024

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Schauspiel von Zach Braff

Regie: Paul Glaser

Ein schneebedecktes Strandhaus. Ein verlorener Mann. Drei völlig Fremde. Was könnte schon schiefgehen? All New People ist eine düstere und zugleich ehrliche Komödie über Beziehung, Einsamkeit und die seltsamen Wege, wie wir ins Leben zurückkehren, wenn wir es am wenigsten erwarten.

Als Charlie sich in ein einsames Haus auf Long Island zurückzieht, mit der Absicht, sein Leben zu beenden, erwartet er nicht, unterbrochen zu werden – geschweige denn von einem Feuerwehrmann, einem Immobilienmakler und einem exzentrischen Life Coach, alle mit ihrem eigenen Gepäck. Im Verlauf einer wilden, unerwarteten Nacht werden die vier Fremden gezwungen, sich ihren chaotischen, urkomischen und schmerzvollen Lebensgeschichten zu stellen...

Schauspiel in der Regie von Anita Vulesica (Nestroy-Theaterpreis 2025)

Texte von Georges Perec und Johann Wolfgang von Goethe

aus dem Französischen von Eugen Helmlé

Bühne: Henrike Engel

Kostüme: Janina Brinkmann

Musik: Ingo Günther

Körperarbeit & Choreographie: Mirjam Klebel

Dramaturgie: Christian Tschirner

Die preisgekrönte Regisseurin Anita Vulesica gab mit „Die Maschine“ ihr Debüt am Deutschen SchauSpielHaus. In der Inszenierung des Hörstücks von Georges Perec erzählt sie von einer folgenreichen Begegnung zwischen einer KI und Goethes „Wandrers Nachtlied“. Die künstliche Intelligenz der Maschine sucht dabei nach dem Wesenskern von menschlicher Poesie und kommt an ihre Grenzen.

In Perecs Stück kommunizieren keine Menschen sondern Schaltkreise. Die abstrakte Analyse der Maschine zaubert aus dem Achtzeiler von Goethe in streng formaler Ordnung immer neuen Sinn und Unsinn, immer neue semantische Schönheiten und Absurditäten hervor - und offenbart so die Differenz zwischen künstlicher und menschlicher Intelligenz.

Der französische Autor Georges Perec zählt zu den bedeutendsten und innovativsten des 20. Jahrhunderts. Jeder seiner Romane folgt einem anderen formalen Konzept – fast alle genießen Kultstatus. 1968 schrieb er im Auftrag des SR/WDR ein Hörspiel, in dem eine Maschine die Aufgabe hat, ein Gedicht zu analysieren. Perec wandte Techniken der Informationstheorie und Programmiersprache auf das wohl berühmteste deutsche Naturgedicht an: „Wandrers Nachtlied“ von Johann Wolfgang von Goethe.

Der große Komödienerfolg von Michael und Jennifer Ehnert

Ein Comedy-Schauspiel über Paartherapie, Psychotricks und Propagandakriege.

Keine Frage: Die Ehnerts brauchen eine Therapie! Jennifer und Michael Ehnert haben sich vor langer Zeit das Ja-Wort gegeben - und seitdem streiten sie sich. Meistens öffentlich und sehr zur Freude des Publikums. Dank ihrer Erfolgs-Programme „Küss langsam“ und „Zweikampfhasen“ haben sie sich auf deutschen Bühnen mittlerweile als die Beziehungskampfexperten etabliert, die vor keinem Thema zurückschrecken. „Wir müssen reden“ ist eine rasante Zwei-Personen-Komödie, die funktioniert wie eine Peep-Show (nur ohne Ausziehen!), wie eine OP am offenen Herzen (nur ohne Narkose!), wie eine göttliche Erleuchtung (nur ohne Gnade!). Sie bietet nicht nur tiefenpsychologischen Einblick in Frauengehirne und Männerhandtaschen, sondern auch den Zugang zu geheimen Paarwelten, die nie ein Außenstehender je zuvor betreten hat.

Die Ehnerts können aus dem Stegreif Vorträge halten über die biologischen Unterschiede der Geschlechter, über den Kampf um Frauenrechte, über die Funktion und über die Dysfunktion von Sex, über den Gender-Pay-Gap, über die #metoo- Bewegung, über die Entstehungsgeschichte der Ehe, über geschlechtsspezifische Kommunikationsdefizite und ganz besonders gern und detailliert über die Fehler des anderen – was zu ihrer großen Überraschung dann stets zu neuem Streit führt.

Ein buntes Programm mit maritimer Orgelmusik zum 837. Hafengeburtstag mit Tjark Pinne und Magne Håvard Draagen an der Orgel.

Komödie von Cesc Gay

Deutsche Fassung: Hans Richter

Regie: Marion Kracht

Bühne und Kostüm: Anja Fuhrtmann

Autor Cesc Gay gilt in Spanien als einer der pointiertesten und unterhaltsamsten Chronisten des städtischen Bürgertums. Mit schonungslosem Humor, aber nicht ohne Empathie, nimmt er eine geschwisterliche Zwangsgemeinschaft unter die Lupe, die sich über den richtigen Umgang mit ihrem alten Vater in die Haare bekommt.

Die drei sehr ungleichen Geschwister haben ein Problem: Wer von ihnen kümmert sich ab sofort darum, dass der betagte Papa aufhört, sich entblößt der Nachbarin zu zeigen? Sollten sie den Vater ins Pflegeheim abschieben? Gezwungenermaßen planen die drei, sich zu treffen, um eine Lösung für ihn zu finden. Doch mehrere Versuche scheitern, denn sie alle haben wenig Zeit und dazu ihre ganz eigenen Probleme.

Schauspiel nach dem Roman von Ágota Kristóf

Regie: Karin Henkel

Bühne: Katrin Brack / Licht: Holger Stellwag / Dramaturgie: Christian Tschirner

In ihrem preisgekrönten Roman „Das große Heft“ erzählt die ungarisch schweizerische Autorin Ágota Kristóf von dem Schicksal zweier im Krieg heranwachsender Zwillingsbrüder, die unter widrigsten Umständen auf erstaunlich mutige Weise ums Überleben kämpfen. Karin Henkel kehrt mit dieser Inszenierung ans SchauSpielHaus zurück.

Zwei Brüder, Zwillinge, werden aus der bombardierten Stadt zu ihrer Großmutter aufs Land gebracht. Zuneigung und Zärtlichkeit können die Kinder von ihr, die im Dorf „die Hexe“ genannt, wird, nicht erwarten. Nahezu auf sich allein gestellt, müssen sie sich wappnen, um in einer Welt der Gewalt, des Hungers und des Elends zu überleben. Dafür müssen sie lernen, wie man bettelt, lügt, stiehlt und tötet und unempfindlich wird gegen psychischen und physischen Schmerz; Ihre Erlebnisse und Erfahrungen dokumentieren die Zwillinge in einem großen Heft. Ágota Kristóf erfindet dafür eine einzigartige Sprache, die sie als Autorin weltberühmt macht: Analytisch, beobachtend, kalt erzählen die Kinder von ihrem Alltag im Krieg.

Fantastische Oper von Jacques Offenbach

In einer Bearbeitung von Marius Adam

Musikalische Leitung und Bearbeitung: Ettore Prandi

Regie: Marius Adam

Bühnenbild: Kathrin Kegler

Kostüme: Marie-Theres Cramer

Ein Werk zwischen Illusion und Wirklichkeit – ebenso schillernd wie geheimnisvoll. Und am Ende steht die Frage: Ist der wahre Künstler dazu verdammt, immer wieder an der Wirklichkeit zu zerbrechen?

Im flackernden Licht einer Kerze versinkt der Dichter Ho?mann in Erinnerungen – an drei Frauen, drei verlorene Lieben, drei Stationen einer zerstörerischen Suche nach der idealen Muse: Da ist Olympia, schön und gehorsam – doch sie entpuppt sich als lebensechter Automat. Antonia, begabt mit einer wundervollen Stimme – aber ihr Gesang bedeutet zugleich ihr tödliches Schicksal. Und Giulietta, eine verführerische Kurtisane, die ihm im Auftrag des finsteren Dapertutto nicht nur sein Spiegelbild raubt, sondern ihn sogar zu einem Mord verleitet.

Jacques Offenbachs Oper „Hoffmanns Erzählungen“, uraufgeführt 1881, basiert auf dem gleichnamigen Schauspiel von Jules Barbier und Michel Carré. Inspiriert von Werken E.T.A. Hoffmanns, Chamissos und Mussets erschufen sie ein einzigartiges Künstlerdrama: keine klassische Literaturoper, sondern ein poetisches Fantasiestück über Kunst, Liebe, Wahnsinn – und das Scheitern an der eigenen Sehnsucht.

Musikalisch entfaltet Offenbach ein ganzes Universum, das sich von Humor und Ironie über düstere Klangfarben bis hin zum vollen romantischen Opernglanz erstreckt.

Improvisationstheater mit der Norderstedter Impro-Gruppe ImproPUR

ImproPUR lädt ein zu einem unterhaltsamen Abend: Improvisationstheater ist ohne vorgegebenen Text, Bühnenbild, Requisiten und Regie. Alles ist möglich. Die Fantasie des Publikums ist das Drehbuch. ImproPUR nimmt Ihre Ideen auf und spinnt daraus Geschichten, die so verrückt und wunderbar sind wie das Leben selbst. Das Publikum erlebt, wie aus dem Nichts etwas Großartiges entsteht. Lachen garantiert! ImproPUR bringt die Bühne zum Beben.

Man darf gespannt sein, ob es ein Abend voller Impro-Games wird, vielleicht mit einem Impro-Krimi oder einem Einblick in ein Impro-Hotel... Lassen Sie sich überraschen, denn ImproPUR denkt sich immer wieder ein neues Konzept aus.

Save the date! Kathi Wolf feiert 10 Jahre Kabarett!

Ein Jahrzehnt voller Rollen, Pointen und Psychopartys – und jetzt kommt das Beste vom Besten (und Schlechtesten)! 10 Jahre Kathi Wolf – das ist kein Jubiläum, das ist eine „Kathistrophe“ mit Ansage!

Was als reines Rollenkabarett begann, wurde über die Jahre zu einem unverwechselbaren Mix aus politischem Kabarett, bissiger Stand-up-Comedy und überraschend viel Musik. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Charme, Scharfsinn und Wahnsinn hat sich Kathi Wolf einen festen Platz auf den Kleinkunstbühnen Deutschlands erspielt und ist Stammgästin im TV– und das wird jetzt gefeiert!

In ihrer BEST OF SHOW lässt Kathi noch einmal sämtliche Kultfiguren und Lieblingsrollen aus ihren bisherigen vier Programmen aufleben: – „Kathistrophe – made in Germany“, „Kathistrophe – around the world“, „Psychoparty – psychisch korrekt. politisch defekt.“ und „Klapsenbeste“.

Natürlich lassen es sich auch Kathis skurrilste Bühnenfiguren nicht nehmen, höchstpersönlich zum Jubiläum zu erscheinen – jede mit ihrer ganz eigenen Gratulation im Gepäck. Zwischen Glückwünschen, Rückblicken und Wortgefechten entsteht ein Abend voller Überraschungen, Widersprüche und kabarettistischer Eskalation.

Gewürzmuseum und Chocoladenmuseum Chocoversum

Nach einem würzigen Vortrag bei Zimtkaffee mit Laugenbrezel im Spicy`s Gewürzmuseum und dem Besuch der aktuellen Sonderausstellung folgen Sie dem Hamburger Kaufmann Jacob Lange (Schauspieler Tobias Brüning) ca.1 Stunde durch die Speicherstadt. Von den früheren Gewürzspeichern geht es entlang der malerischen Fleete bis zum Schokoladenmuseum Chocoversum.

Hier gehen Sie dem Geheimnis feinster Schokolade auf den Grund und verfolgen den Weg der Kakaobohne von ihrem Ursprung bis zur Herstellung von zartschmelzender Schokolade. Sie probieren an jeder Verarbeitungsstufe, wie sich Konsistenz und Geschmack der Schokolade verändern und kreieren aus verschiedenen Zutaten Ihre persönliche Lieblings-Schokolade. Mit diesem ganz individuellen Andenken nehmen Sie ein Stück CHOCOVERSUM mit nach Haus.

Treffpunkt: Gewürzmuseum, Am Sandtorkai 34, 20457 Hamburg (Dauer ca. 3 Std.)

Schauspiel nach dem Roman von Caroline Wahl

Regie: Ayla Yeginer

Dramaturgie: Telse Hand

Nach Caroline Wahls gefeiertem Debüt „22 Bahnen“ folgt mit „Windstärke 17“ eine aufwühlende, intensive und dabei ungemein tröstliche Geschichte über vermeintliche Schuld und das Verzeihen - sich selbst und den anderen.

Ida flüchtet aus der Kleinstadt – so weit weg wie möglich. Nach dem Tod ihrer Mutter landet sie schließlich auf Rügen, mit nichts als einem Hartschalenkoffer und einer Wut von Windstärke 17 im Bauch. Und ohne Plan B. Dort trifft sie auf Marianne und den örtlichen Kneipenbesitzer Knut, die die Gestrandete bei sich aufnehmen und nicht zu viele Fragen stellen. Stattdessen gibt es Aufbackbrötchen und einen Job in der Kneipe. Und dann ist da auch noch Leif, der ähnlich versehrt ist wie sie. Auf einmal scheint alles ein bisschen leichter...

Lennox Berkeley, aus einer englischen Adelsfamilie stammend, war ein echter Frankophiler, geprägt durch sein Studium bei Nadia Boulanger in Paris. Sein Sextett op. 47 klingt jedoch durchaus traditionell britisch und erinnert an den barocken Tanz „Gigue“.

Der Titel von Smetanas Streichquartett – „Aus meinem Leben“ – sagt eigentlich alles: Von den Freuden der Jugend bis zur drohenden Taubheit im Alter komponierte er ein privates Bekenntnis für eine gleichermaßen intime Kammerbesetzung.

Und noch jemand legt sein Leben unseren Ohren offen dar: Joseph Miroslav Weber, eines der vielen Talente unter den Romantikern, der es – völlig unverdient – nicht zu größerer Berühmtheit gebracht hat.

Lennox Berkeley: Sextett für Klarinette, Horn und Streichquartett op. 47

Bedrich Smetana: Streichquartett Nr. 1 e-Moll „Aus meinem Leben“

Joseph Miroslav Weber: Septett E-Dur „Aus meinem Leben“

Musical von Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth

Regie: Corny Littmann

Nach dem Erfolg von „Die Königs vom Kiez – Mit Herz und Promille“ schicken Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth, Deutschlands erfolgreichste Musicalautoren, den daueralkoholisierten Käpt’n und seine Familienbande samt liebestoller Nachbarin Berta jetzt in ein neues schräges Abenteuer.

Goldene Zeiten bei Familie König: Seit Oma bei der Glücksspirale die lebenslange Sofortrente gewonnen hat, ist im heimischen Souterrain der Wohlstand ausgebrochen. Wie seine vier Kinder ist auch Vater König, von allen nur Käpt’n genannt, voll im Kaufrausch und investiert erstmal in die heimische Wirtschaft. Also, wortwörtlich. Volle Kasse, voller Kühlschrank und blau bis aufs Blut – kann das lange gutgehen bei unserer Lieblingssippe auf St. Pauli? Auf keinen Fall! Schnell zieht wieder das pralle Chaos ein und der Käpt’n und seine Sprösslinge wünschen sich sehnlichst die Sorgen von gestern zurück. Denn wo’s bisher nur ums schnöde Geld ging, geht’s jetzt ums nackte Überleben …

„Die Königs schenken nach!“ ist die nahtlose Fortsetzung der wahrscheinlich warmherzigsten Liebeserklärung an St. Pauli: mit liebgewonnen Kieztypen, gnadenlosem Humor und 15 brandneuen Songs. Funktioniert auch ohne Vorwissen aus „Die Königs vom Kiez“. Aber auch das Stück sollte man sich natürlich trotzdem nicht entgehen lassen...

Schauspiel frei nach Anton Tschechow aus dem Russischen von Elina Finkel in einer Bearbeitung von Yana Ross

Regie: Yana Ross

Bühne: Bettina Meyer/ Kostüme: Ulrike Gutbrod / Musik: Knut Jensen / Dramaturgie: Matthias Günther / Mitarbeit Dramaturgie: Samuel Petit

Die ausgewiesene Tschechow-Kennerin Yana Ross arbeitet zum ersten Mal am SchauSpielHaus und überträgt Tschechows Meisterwerk „Die Möwe“ ins Heute. Fast alle Figuren, die Tschechow hier versammelt, sind irgendwo im Leben angekommen, wo sie eigentlich nicht hin wollten. Nun bilden sie einen Reigen unglücklich liebender, grandios oder kleinlaut scheiternder Menschen.

Als junge erfolglose Künstlerinnen und Künstler glauben sie noch daran, Konventionen sprengen zu können und verlieren dann den Glauben an ihre Arbeit. Sie wollen eigentlich ein bedeutendes Leben führen in den Metropolen der Welt, arrangieren sich dafür tapfer in der Provinz. Sie wollen die Gesellschaft verändern und werden von sich selbst enttäuscht. Auch suchen sie ihre große Liebe und landen in einer leidenschaftslosen Ehe...

Schauspiel von Arne Nielsen

Eine J.A.C.K. Produktion (Jonas Landerschier/ Arne Nielsen/ Catrin Striebeck)

Musik: Jonas Landerschier

Kamera: Meika Dresenkamp

Mit Karoline Eichhorn und Catrin Striebeck und der Stimme von Sepp Bierbichler

Angelegt an das Stück des dänischen Kultautors Arne Nielsen, führen die aus Film, Fernsehen und Theater bekannten Schauspielerinnen Karoline Eichhorn und Catrin Striebeck Gespräche voller Liebe und Feindseligkeit wie es nur Geschwister können. Aber wie bekommen es zwei erwachsene, recht weltoffene, liberale, aus der bürgerlichen Mitte stammende Geschwister hin, ein so pietätloses Verhalten an den Tag zu legen? Es ist eigentlich ganz einfach. Sie erben ein Haus! „Ein sehr komischer, durchaus auch trauriger, alles in allem ziemlich phänomenaler Abend“ (Hamburger Abendblatt).

Nach der Beerdigung ihres Vaters treffen sich die Schwestern Edda und Freya in ihrem Elternhaus am Bodensee. Grund ist der Nachlass ihres Vaters, denn alles außer der Villa hat er einer AFD-nahen Stiftung vermacht. Nicht lange und die beiden Schwestern streiten über Politik und Religion - und, da sie ihren Kummer mit einigen Gläsern Vodka wegspülen, auch über Kindheit, Liebe, Familie und Verlust.

Wie entsteht ein neues „Wir“, wenn das alte verloren gegangen ist? Wie viel Freiheit braucht ein Kollektiv – und wann wird Ordnung zum Zwang? Mit RE:PUBLIC zeichnen die Tänzerinnen und Tänzer des Hamburger Kammerballett, alle vor dem Krieg in der Ukraine geflohen, eine Komposition des Wandels: das Wechseln und Wachsen in einer gesellschaftlichen Utopie. Ausgehend von Platons Überlegungen zu Gerechtigkeit und Ordnung erforschen sie, was Zusammenhalt heute bedeuten kann: Unter der choreografischen Leitung von Edvin Revazov entsteht eine „RE:PUBLIC“ aus Körpern, Bewegungen und Beziehungen. Im Wechselspiel von Synchronität und Auflösung, Struktur und Bruch, Macht und Empathie formt sich ein sinnlicher Kommentar auf unsere Gegenwart: Kann Gemeinschaft gerecht sein? Oder bleibt sie ein Entwurf, ein Möglichkeitsraum, ein Wunsch?

RE:PUBLIC entsteht in Zusammenarbeit mit der JazzHall Hamburg und der australischen Jazz-Gitarristin Danica Hobden (Absolventin des Dr. Langner Jazzmaster der HfMT Hamburg). Nach dem ersten gemeinsamen Projekt „Jazz trifft Ballett“, das in 2025 in der JazzHall eine vielumjubelte Premiere feierte, folgt mit RE:PUBLIC nun die zweite Kooperation – eine einmalige Verbindung von Tanz und Musik, Körper und Klang, performativer Realitätsverhandlung und Utopie.

Freie Platzwahl vor Ort

Mit Live-Musik vom Original-Tivoli-Orchester

Vom Geheimtipp zum über 20-jährigen Dauerbrenner: ein „Crashkurs in St.-Pauli-Kultur“ (Süddeutsche Zeitung). Theaterchef Corny Littmann und sein Team haben Hamburgs schillerndstem Stadtteil ein Denkmal gesetzt, das schon über 3 Millionen Zuschauer begeisterte: 100 Prozent gefühlsecht, mit einer riesigen Portion Herz, Schnauze und Humor!

Jeden Abend schlüpfen die neun Darstellerinnen und Darsteller in über 50 Rollen und entführen in eine temporeiche Show mit Geschichten rund um den Kiez-Imbiss „Heiße Ecke“: Derbe Schnacks und zu Herzen gehende Szenen, wunderbare Stimmen und großartige, live vom Original-Tivoli-Orchester gespielte Songs, eine mitreißende Inszenierung, die den ganz normalen Wahnsinn rund um die Reeperbahn in drei Stunden zeigt. Das alles ist „Heiße Ecke“.

Hier am Tresen von Hannelore und ihrer Crew trifft sich ganz St. Pauli: die leichten Mädels und die schweren Jungs, die Touristen vorm Musicalbesuch und die Müllmänner nach der Schicht, die Junggesellen aus der Vorstadt, die es mal so richtig krachen lassen wollen, und die Kiez-Urgesteine, die eigentlich längst die Schnauze voll haben, aber trotzdem nicht loskommen von der schrägsten Meile der Republik.

Ein Abend mit Marcel Kösling ist mehr als nur Unterhaltung – es ist ein Erlebnis, das im Gedächtnis bleibt. Ob Comedy-Fan, Zauber-Liebhaber oder Kabarett-Kenner: Bei „Moment Mal!“ kommt jeder auf seine Kosten. Lassen Sie sich verzaubern!

Bereit für einen Abend voller Lachen, Staunen und tiefgründiger Momente? Marcel Kösling, die Allzweckwaffe der deutschen Kleinkunstszene, belebt die Bühne mit einer grandiosen Mischung aus Comedy, Zauberei und Kabarett, die garantiert kein Auge trocken lässt.

Mit seinem unverwechselbaren Humor, charmanten Geschichten und magischen Überraschungen bringt Kösling das Publikum zum Nachdenken, zum Lachen und immer wieder zum Staunen. Zwischen scharfsinnigen Pointen und verblüffenden Illusionen gelingt es ihm, den Alltag mit einem Augenzwinkern zu hinterfragen und die großen und kleinen Momente des Lebens in den Fokus zu rücken.

Ein Potpourri aus Tanz, Gesang, Schauspiel und Musical

Diese kurzweiligen Abende, die Ihnen einen einzigartigen Einblick in die kreative Arbeit der Stage School Hamburg bieten, haben sich längst als Geheimtipp in der Hamburger Kulturszene etabliert. Lassen Sie sich begeistern und erleben Sie hautnah die Stars von morgen!

Theater ist eine Welt voller Fantasie, Illusion und Magie - ein Ort, an dem Träume wahr werden. Die Schülerinnen und Schüler der Stage School Hamburg leben für den Moment, wenn der Vorhang sich hebt und das Publikum gebannt den Atem anhält, um sich von ihrer Kunst verzaubern zu lassen. Für diese besondere Show präsentieren Talente aus allen drei Ausbildungsjahren Szenen aus berühmten Bühnenstücken, mitreißende Eigenchoreografien und musikalische Highlights. Zusätzlich zum Standardprogramm erleben Sie auch die Future Talents der Stage School, junge Talente im Alter von 9 und 17 Jahren!

Hinweis für Epileptiker und Epilepsiegefährdete: In dieser Vorstellung kommen Blitzlicht-Effekte (Stroboskope) zum Einsatz.

Schauspiel nach dem Gedicht von Inger Christensen

Aus dem Dänischen von Hanns Grössel

Regie: Thom Luz

Dramaturgie: Judith Gerstenberg

Das magische Welt-Gedicht „alphabet“ der dänischen Dichterin Inger Christensen gilt als eine der innovativsten und bedeutendsten Dichtungen des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Der Schweizer Theaterkünstler Thom Luz verwandelt das Gedicht in ein musikalisches Bühnenkunstwerk, ein von Musik durchdrungenes Klangbild – verspielt und traurig, flüchtig, voll von leisem Humor und magisch schönen Theaterbildern. Luz kehrt damit nach seinem Kafka-Abend „Die acht Oktavhefte“ zurück ans SchauSpielHaus.

Um sich in einer Schaffenskrise wieder ins Lot zu bringen, legt die studierte Naturwissenschaftlerin Christensen eine alphabetisch sortierte Aufzählung an von alltäglichen Wahrnehmungen und Dingen des Lebens: Aprikosenbäume, Brombeeren, Chromstahl, Dunst, Dioxin, Elche, Essig, Fehler, Grenzen, Halbschatten usw. Die Zeilenanzahl des so entstandenen „Planeten-Portraits“ aus Wörtern, Gedanken und Ideen unterwirft Christensen dem mathematischen Gesetz der Fibonacci-Sequenz, die in der Natur auch in Schneckenhäusern, DNA-Spiralen und dem Andromeda-Nebel vorkommt: 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55 - eine Zahlenfolge, die sich immer als die Summe der letzen beiden Zahlen fortschreibt. Christensen feiert so die Schönheit der Natur, ihre zerstörerische Kraft und Vergänglichkeit und fragt sich, wie der Mensch in dieses Ordnungssystem hineinpasst.

Schauspiel (auf Platt- und Hochdeutsch) nach dem Roman von Siegfried Lenz

Bühnenfassung: Clemens Mädge; Bühne & Kostüme: Anike Sedello

Plattdeutsch: Peter Nissen

Inszenierung: Kathrin Mayr

Der Roman „Deutschstunde“ ist mit Abstand das bekannteste und erfolgreichste Werk von Siegfried Lenz, in dem die Themen Verantwortung und Freiheit eindrücklich verhandelt werden. Anlässlich des 100. Geburtstages von Lenz zeigt das Ohnsorg Theater diesen zeitlosen Klassiker nun als plattdeutsche Erstaufführung.

In einem norddeutschen Dorf während des Zweiten Weltkriegs muss der linientreue Polizist Jens Ole Jepsen das Befolgen des Malverbots des expressionistischen Künstlers und einst guten Freundes Max Ludwig Nansen überwachen. Sein Sohn Siggi, der mit dem Maler von klein auf vertraut ist, wird zum Zeugen eines nahezu unlösbaren Konflikts zwischen Pflichtbewusstsein und künstlerischer Freiheit – und gerät selbst in einen Strudel aus Gehorsam und Rebellion. Siegfried Lenz, 1926 in Lyck geboren und in den Masuren aufgewachsen, verbrachte die längste Zeit seines Lebens in Schleswig-Holstein und Hamburg. Er gilt als einer der prägendsten Schriftsteller des letzten Jahrhunderts.

Siegfried Lenz, 1926 in Lyck geboren und in den Masuren aufgewachsen, verbrachte die längste Zeit seines Lebens in Schleswig-Holstein und Hamburg. Er gilt als einer der prägendsten Schriftsteller des letzten Jahrhunderts.

Neues vom Moralweltmeister

Was ist das Leben? Zufall? Witz, oder eben doch nur ein Geschäft? Um diese Frage geht es in Rebers aktuellem Programm.

Für Rebers ist die Bühne das Schlachtfeld im Kampf gegen den Überwachungskapitalismus, die digitale Diktatur und eine scheinbar unaufhaltsam um sich greifende Verblödung des Online-Pöbels. Rebers arbeitet analog und lässt sich am ehesten mit einer losgerissenen Kanone vergleichen. Immer geladen und niemand weiß, wen es trifft. Dabei achtet er stets darauf, dass uns die Heiterkeit nicht vollständig abhanden kommt. Denn Rebers ist ein Mann mit Mutterwitz, viel Musik, überbordender Kreativität und strotzender Liebe für das Menschliche.

Moderation: David Friedrich

Mit Glanz und Glamour präsentiert „Kampf der Künste“ hier die Besten der Besten, Performance Deluxe, eingepackt in grandiose Gags und Power-Pointen, verschnürt mit luxuriöser Lyrik und doch dem nötigen Punk in der Stimme. Die Poetinnen und Poeten präsentieren gleich ein wenig mehr aus ihrem Oeuvre, denn sie haben 10 Minuten Zeit, um das Herz der Zuschauer zu gewinnen. Damit das Ganze noch abgerundet wird, gibt es zusätzlich immer einen musikalischen Gast, der das Publikum mit feinen Tönen und Humor versorgt, und dazu die famose Moderation von David Friedrich.

Wenn die Wahnsinnigen Angst und Schrecken verbreiten, wenn die Apokalypse dreimal täglich kommt, dann braucht es einen wie ihn, der einfach Mut macht. Endlich Glücklich – das ist Schroeders Mantra. Natürlich ist die Welt aus den Fugen – aber seine eben nicht. Florian Schroeder möchte zeigen, wie einfach es ist, glücklich zu sein – und zwar nicht in zwei Wochen, zwei Monaten oder zwei Jahren, sondern in zwei Stunden!

Bei Schroeder läuft’s: Alles ist in Butter, alles ist save, alles gibt es doppelt und dreifach in trockenen Tüchern. Den Bausparvertrag, die Lebensversicherung, die Freundin. Wer so viel Glück hat, der will es auch teilen – aber nicht mit allen und nicht mit jedem – also schon mal nicht in den sozialen Medien. Sondern mit Freundinnen und Freunden, denn da sagt man sich alles. Mit ihnen kann gelacht und geweint werden, gefeiert und getrauert. Sie nehmen in den Arm und sagen die Wahrheit – auch, wenn’s weh tut. Florian Schroeder möchte dein Freund sein. Nur zusammen sind wir stark, nur gemeinsam können wir das Böse da draußen besiegen.

Der improvisierte Hamburg-Krimi mit dem Theater Steife Brise

Künstlerische Leitung: Thorsten Brand, Katharina Butting

Ein Schrei am Hafen, ein Schuss in der Nacht - wer wurde diesmal umgebracht?

Tod in Altona, Verrat in Eppendorf oder Erpressung in Barmbek: „Morden im Norden“ ist nichts für schwache Nerven! Drei Verdächtige, ein Opfer, ein Ermittler – mehr braucht das Theater Steife Brise nicht, um mit den Zuschauern einen interaktiven Krimiabend zu verbringen. Denn anders als beim sonntäglichen Fernsehthriller kann das Publikum beim improvisierten Hamburg-Krimi direkt ins Geschehen eingreifen und den Verlauf des Abends mitgestalten. Hier bestimmen die Zuschauer Opfer und Todesart und die Schauspieler schlüpfen blitzschnell in ihre Rollen als Kommissar, Komplize oder Serientäter. Ein Mordsspaß!

Die Show „Art of Impossible“ von Dr. Alex Romanoff ist eine einzigartige Kombination aus einer Zaubervorstellung und einem Vortrag. Sie werden faszinierende, lustige und seltsame Geschichten über Zauberkünstler der Vergangenheit hören und auch verstehen, warum die Zauberkunst schon immer eine der wichtigsten Kunstformen war.

Alex wird auch aus seinem Leben erzählen und Illusionen zeigen, die er auf der ganzen Welt aufgeführt hat und die jeden im Publikum mit einbeziehen.

Bei dieser Show geht es nicht darum, Sie zu täuschen, sondern gemeinsam auf eine Reise zu gehen, um etwas Neues über Kunst, Magie und das Leben zu entdecken.

Dr. Alex Romanoff kam 2014 aus seiner Heimatstadt Moskau nach Deutschland. Er begann auf den Straßen von Frankfurt zu zaubern und war bald auf Firmen- und Privatveranstaltungen in ganz Deutschland zu sehen. 2019 schloss er seine Doktorarbeit über die Geschichte der Zauberkunst ab.

Schauspiel von Werner Schwab

Regie: Victor Bodo

Bühne: Ildi Tihanyi

Kostüme: Fruzsina Nagy

Abgründig, bitterböse und gnadenlos komisch seziert Werner Schwab die Welt der kleinen Leute. Der ungarische Regisseur Victor Bodo, der dieses irrwitzige Sprachkunstwerk Werner Schwabs - wie auch „Ich, das Ungeziefer“ und „Pension zur Wandernden Nase“ - als rasante Grotesken im Malersaal inszenierte, wandert nun mit diesem „knalligen Volksstück und berührendem Seelendrama“ mit drei „ganz wunderbaren Schauspielerinnen“ (Die Welt ) auf die große Bühne: Ute Hannig als Erna, Bettina Stucky als Grete und Lina Beckmann als Mariedl.“

In ihrer kleinbürgerlichen Wohnküche kippen Erna, Grete und Mariedl in lustvollen Sprachattacken hemmungs- und schamlos ihren Welt-Frust über einander aus. Den eigenen Dreck allerdings kehren sie lieber unter ihren Budenteppich - bis endlich Mariedl, die jüngste der drei Damen, ihre Kolleginnen mit der Wahrheit des Daseins konfrontiert. Doch so viel Realität hält keine aus...

Erleben Sie Zauberkunst aus aller nächster Nähe mit Wittus Witt, Deutschlands renommiertem Zauberkünstler, in einem einzigartigen Ambiente.

Jeden Freitag verwandelt sich das Museum Bellachini dafür in den Zauber-Salon Hamburg. Dann lässt Wittus Witt die ausgestellten Exponate lebendig werden und verzaubert sein Publikum charmant, intelligent und witzig, so wie er es schon Hunderte von Male im Fernsehen und auf internationalen Bühnen gezeigt hat. Aber nun geschieht es unmittelbar vor den Augen der Zuschauer, hautnah, ohne jede Ablenkung.

Der Besuch des Zaubermuseums Bellachini ist im Preis inbegriffen und am Tag der Vorstellung ab 19.15 Uhr möglich.

Drei Meisterwerke – zwei Jahrhunderte – eine Narration

von Robert Schumann, Béla Bartók und Alexander Zemlinsky, in deutscher und ungarischer Sprache

Inszenierung: Tobias Kratzer

Bühne und Kostüme: Rainer Sellmaier; Video: Manuel Braun; Licht: Michael Bauer

Dramaturgie: Henriette von Schnakenburg

„Frauenliebe und –sterben“ vereint drei bedeutende stilistisch kontrastierende Werke der Musikgeschichte zu einem außergewöhnlichen Abend zwischen Lied, Oper und Tragödie. Regisseur Tobias Kratzer spannt damit einen Bogen über zwei Jahrhunderte und verbindet die Meisterwerke zu einem großen musikalischen Familienepos. Aus vermeintlich individuellen Schicksalen entstehen Panoramen von Sitte, Moral und gesellschaftlichen Rollen, die Vergangenheit und Gegenwart reflektieren.

Als Solistinnen werden unter anderem Kate Lindsey, Annette Dasch, Marlis Petersen sowie Elsa Dreisig zu erleben sein. Die musikalische Leitung übernimmt die international gefeierte Dirigentin Karina Canellakis.

FRAUENLIEBE UND LEBEN

Robert Schumann: Acht Lieder für Singstimme und Klavier op. 42 (1840)

Libretto: Adelbert von Chamisso

Kate Lindsey (Sängerin), Èric le Sage (Pianist)

HERZOG BLAUBARTS BURG

Oper in einem Akt (1918) von Béla Bartók

Libretto: Béla Balázs

Johan Reuter (Blaubart), Annika Schlicht (Judith)

EINE FLORENTINISCHE TRAGÖDIE

Oper in einem Akt (1917) von Alexander Zemlinsky

Libretto: Alexander Zemlinsky nach Oscar Wildes gleichnamiger Dichtung in der Übersetzung von Max Meyerfeld

Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, Johan Reuter (Simone), Ambur Braid (Bianca), Thomas Blondelle (Guido)

Robert Schumanns Liederzyklus Frauenliebe und -leben (1840) erzählt das Schicksal einer Frau von erster Liebe über Heirat und Geburt bis zum Tod – ein Leben, in dem ihre Gefühle zunehmend um die Bedürfnisse ihres Mannes kreisen, der sich mehr und mehr von ihr entfernt.

Ein Jahrhundert später betritt Herzog Blaubart die Bühne, der seine neue Frau Judith mit nach Hause bringt. Zwischen Anziehung, Geheimnissen und der Entdeckung der Abgründe seines Lebens entwickelt sich eine intensive psychologische Auseinandersetzung.

Und wieder ein Zeitsprung: Die Florentinische Tragödie zeigt ein modernes, bürgerlich-liberales Ehekonstrukt und die Eskalation einer ménage à trois. Zentrale Themen hier sind: Macht, Begehren, Loyalität und die zeitlose Frage, ob sich menschliche Sehnsüchte in allen Epochen gleichen.

CLICK in – debatte: Einführung 45 Minuten vor der Vorstellung

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Schauspiel von Suzie Miller

Regie: Milena Mönch

„Prima facie“, der juristische Begriff für „Anscheinsbeweis“ (dem ersten Anschein nach), ist auch der Titel von Suzie Millers starkem Monolog über „sexualisierte Gewalt von Männern an Frauen“ vor Gericht.

Tessa, eine aufstrebende junge Staranwältin, verteidigt erfolgreich Männer, die wegen sexueller Übergriffe vor Gericht stehen. Es geht ihr rein um die juristische Wahrheit: Sie muss nicht beweisen, ob das Opfer zugestimmt hat, sondern dass der betreffende Mann nicht wusste, dass es kein Einvernehmen gab. Als sie nach einem Besuch im Pub selbst zum Oper ihres Kollegen wird, geht sie zur Polizei und wird zur Zeugin der Anklage. Alles hat sich für sie gedreht, und Tessa muss erkennen, dass die weibliche Erfahrung sexualisierter Gewalt nicht in das von Männern geprägte juristische System passt.

Suzie Millers Stück wurde in Australien uraufgeführt, im Frühjahr 2022 kam es am National Theatre in London auf die Bühne und soll 2023 am Broadway aufgeführt werden.

Schauspiel nach der Märchenkomödie von Jewgeni Schwarz

Regie: Mona Kraushaar

Bühne: Katrin Kersten

Kostüme: Nini von Selzam

Dramaturgie: Stefan Kroner

Das Märchenstück des russischen Autors Jewgeni Schwarz entstand 1943 unter dem Eindruck der Leningrader Blockade. Es zeigt das Zusammenspiel von Tyrannei und Untertanengeist, ein satirischer Angriff auf Hitlers Nationalsozialismus.

Seit Jahrhunderten wird die Stadt von einem Drachen beherrscht. Jedes Jahr besänftigen ihn die Einwohnerinnen und Einwohner mit einer geopferten Jungfrau. Doch der tapfere Ritter Lanzelot will die Stadt von der Tyrannei des Drachen befreien. Aber kaum angekommen, stößt dieser auf ein unerwartetes Problem: wie soll man ein Volk befreien, das gar nicht wirklich befreit werden will? Es entsteht ein grotesker Kampf, der humorvoll die Mechanismen von Korruption und Propaganda aufdeckt.

Schauspiel nach dem Roman von Joachim Meyerhoff

Regie: Lea Ralfs

Bühne und Kostüme: Ulrike Engelbrecht

Dramaturgie: Gregor Schuster

Mit Marion Martienzen und Georg Münzel

Nach den großen Erfolgen von „Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war”, „Ach diese Lücke, diese entsetzliche Lücke" und „Alle Toten fliegen hoch – Amerika” folgt hier die vierte Buchadaption eines Romans vom Besteller-Autor und Schauspieler Joachim Meyerhoff: Ein Stück über eine Mutter-Sohn-Beziehung, über Aufstieg, Absturz und die Suche nach dem Glück – voller Witz, Tiefgang und großen Emotionen.

Für viele ist die eigene Mutter ein Ort für Geborgenheit, Verständnis und Kindheit – so auch für Joachim Meyerhoff, der nach seinem Schlaganfall und dem missglückten Neustart in Berlin erneut vor den Scherben seines Lebens steht. Als sich dann noch ein Vorfall auf dem Geburtstag seines Sohnes ereignet, ist für ihn klar: Er muss zur Mama aufs Land. Um seiner Krise zu entkommen und sich wieder der künstlerischen Arbeit als Autor zu widmen, zieht Meyerhoff kurzerhand zu seiner über 80-jährigen Mutter, um seinen neuen Roman zu verfassen. Die Begleitung der vitalen älteren Dame hebt die Beziehung zwischen Mutter und Sohn auf eine neue Ebene und führt in herzerwärmenden Anekdoten Meyerhoff und die Leser:innen heraus aus Zorn und Krisen.

Joachim Meyerhoff, gefeierter Schauspieler und Autor, ist für seine autobiografischen Werke bekannt. Mit dem sechsten Band der autobiografischen Romanreihe zeigt er mit „Man kann auch in die Höhe fallen“ erneut, wie nah Tragik und Komik beieinander liegen können.

Von Robert Bloch - verfilmt von Alfred Hitchcock - gelesen von Jens Wawrczeck

Musik: Guido Jäger (Kontrabass), Mareike Eidemüller (Vibraphon & Perkussion)

Dramaturgie: Sonja Valentin

Mörderisch, musikalisch, multimedial: eine schaurig-spannende Lesereihe! „Hitch und Ich“ ist eine literarisch-musikalische Hommage an einen der größten Filmemacher des 20. Jahrhunderts: Sir Alfred Hitchcock. Mit dieser Reihe lässt Schauspieler und Sänger Jens Wawrczeck die Romane und Erzählungen wieder lebendig werden, die Hitchcocks Meisterwerken als Vorlage zu seinen Filmen dienten - begleitet von stummen Einblendungen meisterhafter Hitchcock-Filme und Live-Musik. Wawrczecks Lesungen sind „sensationell… Unglaublich intensiv.“ (NDR Kultur).

Norman Bates ist 40 Jahre alt und wohnt allein mit seiner Mutter, die ihn immer noch „Junge“ nennt und die genaue Vorstellungen von seinem Leben hat. Ihrer Meinung nach hätte er gar nicht den Mumm, ein eigenes zu fu¨hren. Die Bates‘ betreiben ein Motel, in das sich kaum mehr Gäste verirren. Doch eines Nachts steht Mary Crane vor der Tu¨r. Sie ist auf dem Weg zu ihrem Verlobten Sam – mit 40.000 Dollar, die sie eigentlich fu¨r ihre Firma zur Bank bringen sollte. Norman serviert ihr Abendessen, Mutter liegt bereits im Bett. Als Mary im Anschluss eine Dusche nimmt, passiert die Katastrophe: Mutter hat wieder einen ihrer Anfälle …

Mit der Lesereihe „Hitch und Ich“ erfüllt sich Jens Wawrczeck einen Traum. Seine große Leidenschaft gilt Alfred Hitchcock und der Literatur „hinter dem Film“. Er muss sie enttarnen: die Romane und Erzählungen hinter Hitchcocks Filmerfolgen. „Wawrczeck weiß, wie man über Sprache Spannung erzeugen kann (…) dank (seiner) Sprachkunst fiebert jeder im Saal mit und hofft auf die Auflösung … Gänsehautgefühl …“ (Hamburger Abendblatt)

Schauspiel nach der Novelle von Michail Bulgakow

Regie: Claudia Bauer / Bühne: Andreas Auerbach / Kostüme: Vanessa Rust / Komposition, Musik: Peer Baierlein / Dramaturgie: Ralf Fiedler

In der Spielzeit 2023/ 2024 sorgte die renommierte Regisseurin Claudia Bauer mit ihrerer ersten Inszenierung am Deutschen SchauSpielHaus für Furore: „Die Schattenpräsidentinnen Oder: Hinter jedem großen Idioten gibt es sieben Frauen, die versuchen ihn am Leben zu halten“ von Selina Fillinger. Nun folgt ein Stück zum Thema Optimierung des Menschen.

Ein Moskauer Chirurg versucht, den Menschen zu verbessern – Verjüngung und Optimierung sind das Ziel. Er pflanzt einem Straßenköter die Hirnanhangdrüse und Hoden eines heruntergekommenen Kleinkriminellen ein. Der gewitzte Hund wird tatsächlich zu einer Art Mensch, zeigt sich jedoch extrem anfällig für Manipulation: Er saugt Propaganda und radikale Parolen jeder radikalen politischen Strömung auf und reißt sich alles von Interesse unter den Nagel: Leckerbissen, Privilegien, Frauen, Ämter...

Michail Bulgakows Novelle entfaltet seit ihrer Entstehung 1925 eine ungeheurere Sprengkraft, gedruckt wurde sie erst 1968. Bereits der junge Sowjetstaat propagierte den „Neuen Menschen“, das erste großflächige Experiment zur Optimierung des menschlichen Körpers und Geistes, ein Unternehmen, das vielfach kritiklos fortgesetzt wird und sich zu einer weltweiten Industrie entwickelt hat.

Claudia Bauer ist bekannt für ihre starken Zugriffe auf Stücke, poetisch und politisch, anarchisch und dadaistisch, berauschend und schnell. Sie studierte Regie an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch und leitete von 1999 bis 2004 das Theaterhaus Jena. Claudia Bauer inszeniert an zahlreichen großen Bühnen im deutschsprachigen Raum, u. a. in Stuttgart, Frankfurt, München, Berlin, Leipzig, Wien, Graz und Basel. Ihre Inszenierung „humanistää!“ nach Ernst Jandl am Volkstheater Wien wurde 2022 zum Berliner Theatertreffen eingeladen, zur „Inszenierung des Jahres“ gewählt und mit dem NESTROY-Preis in den Kategorien „Beste Regie“ und „Beste deutschsprachige Aufführung“ bedacht.

Eine musikalische Reise vom Schlager bis zur Oper

Regie: Inken Rahardt

Musikalische Leitung: Makiko Eguchi

Bühnenbild: Claudia Weinhart

Kostüm: Almut Blanke

Mit Tamara Felk und Marlene Mesa (Sopran), Annika Westlund (Mezzosopran), Bogil Kim (Tenor), Fredrik Essunger und Jeffrey Herminghaus (Bariton)

Der Bahnhof. Ein Sehnsuchtsort für Abschiede und Ankünfte. Ein Abend über das Kommen, Gehen und die besonderen Momente dazwischen.

Inken Rahardt zeigt in diesem Stück Geschichten von Menschen, die sich zwischen den Gleisen begegnen, streiten, versöhnen, trennen und wieder zueinander finden. Sie verbindet die kleinen und großen Dramen auf dem Bahnsteig, im Café oder vor dem Kiosk mit den schönsten Melodien - vom schmissigen Schlager bis zur herzzerreißenden Opernarie.