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Schauspiel nach dem Roman von Georg Büchner

Regie: Kathrin Mayr

Dramaturgie: Stefan Kroner

Ausstattung: Hannah Petersen

Musik: Clemens Mädge

Mit Aaron Brömmelhaup, Nina Carolin, K, Anatol Käbisch, Ines Nieri, Stefan Schießleder

Im ungebrochen aktuellen Revolutionsstück „Dantons Tod“ stellt Georg Büchner schon 1834 die bis heute gültige Frage, welche Mittel im politischen Kampf legitim sind. Er zeichnet ein eindrucksvolles Bild vom Ringen um Humanität: Wie weit darf man für seine Ideale gehen?

Mitten in der französischen Revolution: Der Revolutionsführer Danton fordert einen liberalen Staat und ein Ende der Schreckensherrschaft seines ehemaligen Kampfgefährten und jetzigen Kontrahenten Robespierre. Dieser betrachtet Dantons Forderungen als Verrat an der Revolution und lässt ihn und seine Anhänger verhaften und schließlich exekutieren.

Oper von Carl Maria von Weber

In deutscher Sprache

Inszenierung: Andreas Kriegenburg

Bühne: Harald B. Thor

Kostüme: Andrea Schraad

Licht: Andreas Grüter

Webers romantisches Drama und Volksstück in einem, angesiedelt zwischen Traum und Alptraum, fasziniert bis heute. Schon die Uraufführung war ein beispielloser Erfolg: „Kritiker, Künstler, Dilettanten und Musikfreunde waren wie berauscht …“, so ein Bericht zur Uraufführung 1821 im Berliner Schauspielhaus. Der Freischütz traf den Nerv der Zeit. So auch der neue Hamburger „Freischütz“ als „abgründiger Psychokrimi (...). Der 200 Jahre alte Klassiker wird unter der brillanten Leitung von Yoel Gamzou (...) zu einem unheimlichen guten Opernabend“ (NDR).

Agathe ist Max versprochen, doch ein alter Brauch könnte ihr Glück noch einmal ins Wanken bringen: Max darf mit seinem Probeschuss das Ziel nicht verfehlen. Das weiß auch Caspar, der mit dem teuflischen Samiel im Bunde steht. Er überredet den unsicheren Max, Freikugeln zu gießen, mit denen er garantiert treffen werde. Doch Max weiß nicht, dass die letzte der Kugeln für seine Braut bestimmt ist...

Weber hatte den Stoff in einem alten Gespensterbuch entdeckt. Die Geschichte vom Jägerburschen Max, der sich dem Teufel verschreibt, rührt an Urängste der Menschen. Der Wald, Inbegriff der „deutschen Seele“, wird zum Kampfplatz zwischen Gut und Böse. Webers Musik gestaltet mit packender Emotionalität die Not und Verzweiflung der Menschen und auch deren Hoffnung auf ein glückliches Ende.

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Bei Wahl-Abo-Buchungen werden zwei Anrechte benötigt und automatisch verbucht.

Schauspiel von Rhea Leman

Regie: Tom Kühnel

Bühne: Jo Schramm

Kostüme: Ulrike Gutbrod

Dramaturgie: Saskia Jablonska

Musik: Hannes Gwisdek

Über Hannah Arendt, eine der scharfsinnigsten Denkerinnen des 20. Jahrhunderts, und ihre biografischen Wendepunkte: der aufkommende Faschismus, ihre Flucht aus Deutschland, die Suche nach Antworten bei ihrer Analyse totalitärer Herrschaftssysteme und – Adolf Eichmann. Mit ihrem bereits in Dänemark umjubelten Drama untersucht Rhea Leman in einem scharfsinnigen Psychogramm den Riss, der die Gesellschaft bis heute durchzieht.

Eine Begegnung mit Hannah Arendt 1975 in einem Hotelzimmer in Kopenhagen, wenige Stunden bevor der politischen Theoretikerin der Sonning-Preis übergeben wird. Bei der Vorbereitung auf ihre Rede wird sie in einen tiefen Sog surrealen Erinnerns über ihre Liebe, Menschen und Erlebtes gezogen.

Hannah Arendt war eine jüdische deutsch-US-amerikanische einflussreiche politische Theoretikerin, Professorin und Publizistin. Nach der NS-Zeit analysierte sie Wirkungsweisen totalitärer Herrschaft. Zu ihren bekanntesten Schriften zählen die „Elemente und Ursprünge totaler Herrschaft“ sowie „Eichmann in Jerusalem“, ihre Beobachtungen zum Prozess gegen den NS-Verbrecher Adolf Eichmann.

Der Sonning-Preis ist die wichtigste dänische Auszeichnung für kulturelle Leistungen. Er wurde vom Autor und Herausgeber C. J. Sonning (1879–1937) gestiftet. Alle zwei Jahre wird er jeweils am 19. April, dem Geburtstag des Namensgebers, von der Universität Kopenhagen für ein bedeutendes Werk, das die europäische Kultur bereichert, verliehen.

Ballette von Pina Bausch, Hans van Manen, Demis Volpi und Justin Peck

(Altersempfehlung: ab 13 Jahren / Klasse 8)

Wir leben in einer Zeit des rasant schönen Nebeneinanders der Stile – und so ist auch dieser mehrteilige Ballettabend gemeint. „The Times Are Racing“ vereint vier Choreografien und spannt einen Bogen über die letzten 50 Jahre Tanzgeschichte.

ADAGIO - Ballett von Pina Bausch

Aus „Adagio“ – Fünf Lieder von Gustav Mahler

Choreografie: Pina Bausch

Eine Rekonstruktion der Pina Bausch Foundation mit dem Hamburg Ballett 2024

Musik: Gustav Mahler – Adagio aus der 10. Sinfonie

Bühne, Licht, Kostüme: Karl Kneidl

URAUFFÜHRUNG: Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Opernhaus Wuppertal, 8. Dezember 1974

VARIATIONS FOR TWO COUPLES - Ballett von Hans van Manen

Musik: Benjamin Britten: Streichquartett in F-Dur Teil 2 (Andante)

Einojuhani Rautavaara: Pelimannit, Opus 1, Teil 2 (Kopsin Jonas)

Stefan Kovacs Tickmayer: Lasset uns den nicht zerteilen, nach Johann Sebastian Bach

Astor Piazzolla: Melodía en la menor (Canto de Octubre), Bearbeitung für Violinsolo und Streichorchester, Orchester von Bob Zimmerman

Choreografie: Hans van Manen

Bühne und Kostüm: Keso Dekker

Licht: Bert Dalhuysen

URAUFFÜHRUNG: Dutch National Ballet, Dutch National Opera, Amsterdam, 15. Februar 2012

THE THING WITH FEATHERS - Ballett von Demis Volpi

Musik: Richard Strauss – Metamorphosen für 23 Solostreicher

Choreografie und Bühnenbild: Demis Volpi

Kostüme: Thomas Lempertz

Licht: Volker Weinhart

URAUFFÜHRUNG: Ballett am Rhein, Opernhaus, Düsseldorf, 29. Mai 2023

THE TIMES ARE RACING - Ballett von Justin Peck

Musik: Dan Deacon – USA I-IV aus dem Album „America“

Choreografie: Justin Peck

Kostüme: Humberto Leon

Lichtdesign: Brandon Stirling Baker

URAUFFÜHRUNG: New York City Ballet, David H. Koch Theater, New York, 26. Januar 2017

PREMIERE IN HAMBURG:

Hamburg Ballett, 28. September 2024

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Symphoniker Hamburg

Leitung und Violine: Renaud Capuçon

Solist: Truls Mørk (Violoncello)

Gabriel Fauré: „Masques et bergamasques“ op. 112

Robert Schumann: Cellokonzert a-Moll op. 129

Charlotte Sohy: „Thème varié“ für Violine und Orchester op. 15

Richard Strauss: Vier symphonische Zwischenspiele aus „Intermezzo“

Während Strauss sich in den symphonischen Zwischenspielen seiner bürgerlichen Komödie „Intermezzo“ selbstbewusst-ironisch der Ehe nähert, verdient Sohy eine Wiederentdeckung, da die siebenfache Mutter und Gattin des Dirigenten und Komponisten Marcel Labey zu ihrer Zeit von Fauré und anderen Kollegen hochgeschätzt, dann aber vergessen wurde. Ein Konzert, das musikalisch von Mann und Frau erzählt!

Konzerteinführung:

60 Minuten vor dem Konzert im E-Saal der Laeiszhalle (Zugang über den Künstlereingang). Eintritt frei für Konzertbesucher; Dauer ca. 30 Minuten.

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Konzert-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Schauspiel in der Regie von Anita Vulesica (Nestroy-Theaterpreis 2025)

Texte von Georges Perec und Johann Wolfgang von Goethe

aus dem Französischen von Eugen Helmlé

Bühne: Henrike Engel

Kostüme: Janina Brinkmann

Musik: Ingo Günther

Körperarbeit & Choreographie: Mirjam Klebel

Dramaturgie: Christian Tschirner

Die preisgekrönte Regisseurin Anita Vulesica gab mit „Die Maschine“ ihr Debüt am Deutschen SchauSpielHaus. In der Inszenierung des Hörstücks von Georges Perec erzählt sie von einer folgenreichen Begegnung zwischen einer KI und Goethes „Wandrers Nachtlied“. Die künstliche Intelligenz der Maschine sucht dabei nach dem Wesenskern von menschlicher Poesie und kommt an ihre Grenzen.

In Perecs Stück kommunizieren keine Menschen sondern Schaltkreise. Die abstrakte Analyse der Maschine zaubert aus dem Achtzeiler von Goethe in streng formaler Ordnung immer neuen Sinn und Unsinn, immer neue semantische Schönheiten und Absurditäten hervor - und offenbart so die Differenz zwischen künstlicher und menschlicher Intelligenz.

Der französische Autor Georges Perec zählt zu den bedeutendsten und innovativsten des 20. Jahrhunderts. Jeder seiner Romane folgt einem anderen formalen Konzept – fast alle genießen Kultstatus. 1968 schrieb er im Auftrag des SR/WDR ein Hörspiel, in dem eine Maschine die Aufgabe hat, ein Gedicht zu analysieren. Perec wandte Techniken der Informationstheorie und Programmiersprache auf das wohl berühmteste deutsche Naturgedicht an: „Wandrers Nachtlied“ von Johann Wolfgang von Goethe.

Oper von Richard Strauss

In deutscher Sprache

Inszenierung und Bühnenbild: Dmitri Tcherniakov

Dramaturgie: Tatiana Vereshchagina

Kostüme: Elena Zaytseva

Video: Tieni Burkhalter

Licht: Gleb Filshtinsky

Als König Agamemnon aus dem Trojanischen Krieg heimkehrt, wird er von seiner Frau Klytämnestra und ihrem Geliebten Aegisth ermordet. Elektra, die Tochter Agamemnons, und ihr vom Königshof verbannter Bruder Orest wollen die Tat rächen, doch auch Elektra bezahlt dafür mit ihrem Leben. Premierenjubel (2021) beim modern und „spannend inszenierte(n) Familiendrama“ (ndr.de).

Tag für Tag gedenkt Elektra des ermordeten Vaters, plant blutige Siegesfeste und wartet auf den Augenblick, da ihr Bruder zurückkehren wird. Unter einem Dach mit den Mördern ihres Vaters treffen Blut- und Rachedurst auf die Zukunftsträume der jüngeren Schwester, die sich nach Ehe und Kindern, einem Leben in Eintracht und Glückseligkeit sehnt.

Altersempfehlung: Ab 16 Jahren/Klasse 11

Schauspiel nach dem Roman von Ágota Kristóf

Regie: Karin Henkel

Bühne: Katrin Brack / Licht: Holger Stellwag / Dramaturgie: Christian Tschirner

In ihrem preisgekrönten Roman „Das große Heft“ erzählt die ungarisch schweizerische Autorin Ágota Kristóf von dem Schicksal zweier im Krieg heranwachsender Zwillingsbrüder, die unter widrigsten Umständen auf erstaunlich mutige Weise ums Überleben kämpfen. Karin Henkel kehrt mit dieser Inszenierung ans SchauSpielHaus zurück.

Zwei Brüder, Zwillinge, werden aus der bombardierten Stadt zu ihrer Großmutter aufs Land gebracht. Zuneigung und Zärtlichkeit können die Kinder von ihr, die im Dorf „die Hexe“ genannt, wird, nicht erwarten. Nahezu auf sich allein gestellt, müssen sie sich wappnen, um in einer Welt der Gewalt, des Hungers und des Elends zu überleben. Dafür müssen sie lernen, wie man bettelt, lügt, stiehlt und tötet und unempfindlich wird gegen psychischen und physischen Schmerz; Ihre Erlebnisse und Erfahrungen dokumentieren die Zwillinge in einem großen Heft. Ágota Kristóf erfindet dafür eine einzigartige Sprache, die sie als Autorin weltberühmt macht: Analytisch, beobachtend, kalt erzählen die Kinder von ihrem Alltag im Krieg.

Save the date! Kathi Wolf feiert 10 Jahre Kabarett!

Ein Jahrzehnt voller Rollen, Pointen und Psychopartys – und jetzt kommt das Beste vom Besten (und Schlechtesten)! 10 Jahre Kathi Wolf – das ist kein Jubiläum, das ist eine „Kathistrophe“ mit Ansage!

Was als reines Rollenkabarett begann, wurde über die Jahre zu einem unverwechselbaren Mix aus politischem Kabarett, bissiger Stand-up-Comedy und überraschend viel Musik. Mit ihrer einzigartigen Mischung aus Charme, Scharfsinn und Wahnsinn hat sich Kathi Wolf einen festen Platz auf den Kleinkunstbühnen Deutschlands erspielt und ist Stammgästin im TV– und das wird jetzt gefeiert!

In ihrer BEST OF SHOW lässt Kathi noch einmal sämtliche Kultfiguren und Lieblingsrollen aus ihren bisherigen vier Programmen aufleben: – „Kathistrophe – made in Germany“, „Kathistrophe – around the world“, „Psychoparty – psychisch korrekt. politisch defekt.“ und „Klapsenbeste“.

Natürlich lassen es sich auch Kathis skurrilste Bühnenfiguren nicht nehmen, höchstpersönlich zum Jubiläum zu erscheinen – jede mit ihrer ganz eigenen Gratulation im Gepäck. Zwischen Glückwünschen, Rückblicken und Wortgefechten entsteht ein Abend voller Überraschungen, Widersprüche und kabarettistischer Eskalation.

Gewürzmuseum und Chocoladenmuseum Chocoversum

Nach einem würzigen Vortrag bei Zimtkaffee mit Laugenbrezel im Spicy`s Gewürzmuseum und dem Besuch der aktuellen Sonderausstellung folgen Sie dem Hamburger Kaufmann Jacob Lange (Schauspieler Tobias Brüning) ca.1 Stunde durch die Speicherstadt. Von den früheren Gewürzspeichern geht es entlang der malerischen Fleete bis zum Schokoladenmuseum Chocoversum.

Hier gehen Sie dem Geheimnis feinster Schokolade auf den Grund und verfolgen den Weg der Kakaobohne von ihrem Ursprung bis zur Herstellung von zartschmelzender Schokolade. Sie probieren an jeder Verarbeitungsstufe, wie sich Konsistenz und Geschmack der Schokolade verändern und kreieren aus verschiedenen Zutaten Ihre persönliche Lieblings-Schokolade. Mit diesem ganz individuellen Andenken nehmen Sie ein Stück CHOCOVERSUM mit nach Haus.

Treffpunkt: Gewürzmuseum, Am Sandtorkai 34, 20457 Hamburg (Dauer ca. 3 Std.)

Lennox Berkeley, aus einer englischen Adelsfamilie stammend, war ein echter Frankophiler, geprägt durch sein Studium bei Nadia Boulanger in Paris. Sein Sextett op. 47 klingt jedoch durchaus traditionell britisch und erinnert an den barocken Tanz „Gigue“.

Der Titel von Smetanas Streichquartett – „Aus meinem Leben“ – sagt eigentlich alles: Von den Freuden der Jugend bis zur drohenden Taubheit im Alter komponierte er ein privates Bekenntnis für eine gleichermaßen intime Kammerbesetzung.

Und noch jemand legt sein Leben unseren Ohren offen dar: Joseph Miroslav Weber, eines der vielen Talente unter den Romantikern, der es – völlig unverdient – nicht zu größerer Berühmtheit gebracht hat.

Lennox Berkeley: Sextett für Klarinette, Horn und Streichquartett op. 47

Bedrich Smetana: Streichquartett Nr. 1 e-Moll „Aus meinem Leben“

Joseph Miroslav Weber: Septett E-Dur „Aus meinem Leben“

Schauspiel (auf Platt- und Hochdeutsch) nach dem Roman von Siegfried Lenz

Bühnenfassung: Clemens Mädge; Bühne & Kostüme: Anike Sedello

Plattdeutsch: Peter Nissen

Inszenierung: Kathrin Mayr

Der Roman „Deutschstunde“ ist mit Abstand das bekannteste und erfolgreichste Werk von Siegfried Lenz, in dem die Themen Verantwortung und Freiheit eindrücklich verhandelt werden. Anlässlich des 100. Geburtstages von Lenz zeigt das Ohnsorg Theater diesen zeitlosen Klassiker nun als plattdeutsche Erstaufführung.

In einem norddeutschen Dorf während des Zweiten Weltkriegs muss der linientreue Polizist Jens Ole Jepsen das Befolgen des Malverbots des expressionistischen Künstlers und einst guten Freundes Max Ludwig Nansen überwachen. Sein Sohn Siggi, der mit dem Maler von klein auf vertraut ist, wird zum Zeugen eines nahezu unlösbaren Konflikts zwischen Pflichtbewusstsein und künstlerischer Freiheit – und gerät selbst in einen Strudel aus Gehorsam und Rebellion. Siegfried Lenz, 1926 in Lyck geboren und in den Masuren aufgewachsen, verbrachte die längste Zeit seines Lebens in Schleswig-Holstein und Hamburg. Er gilt als einer der prägendsten Schriftsteller des letzten Jahrhunderts.

Siegfried Lenz, 1926 in Lyck geboren und in den Masuren aufgewachsen, verbrachte die längste Zeit seines Lebens in Schleswig-Holstein und Hamburg. Er gilt als einer der prägendsten Schriftsteller des letzten Jahrhunderts.

Schauspiel frei nach Anton Tschechow aus dem Russischen von Elina Finkel in einer Bearbeitung von Yana Ross

Regie: Yana Ross

Bühne: Bettina Meyer/ Kostüme: Ulrike Gutbrod / Musik: Knut Jensen / Dramaturgie: Matthias Günther / Mitarbeit Dramaturgie: Samuel Petit

Die ausgewiesene Tschechow-Kennerin Yana Ross arbeitet zum ersten Mal am SchauSpielHaus und überträgt Tschechows Meisterwerk „Die Möwe“ ins Heute. Fast alle Figuren, die Tschechow hier versammelt, sind irgendwo im Leben angekommen, wo sie eigentlich nicht hin wollten. Nun bilden sie einen Reigen unglücklich liebender, grandios oder kleinlaut scheiternder Menschen.

Als junge erfolglose Künstlerinnen und Künstler glauben sie noch daran, Konventionen sprengen zu können und verlieren dann den Glauben an ihre Arbeit. Sie wollen eigentlich ein bedeutendes Leben führen in den Metropolen der Welt, arrangieren sich dafür tapfer in der Provinz. Sie wollen die Gesellschaft verändern und werden von sich selbst enttäuscht. Auch suchen sie ihre große Liebe und landen in einer leidenschaftslosen Ehe...

Mit Live-Musik vom Original-Tivoli-Orchester

Vom Geheimtipp zum über 20-jährigen Dauerbrenner: ein „Crashkurs in St.-Pauli-Kultur“ (Süddeutsche Zeitung). Theaterchef Corny Littmann und sein Team haben Hamburgs schillerndstem Stadtteil ein Denkmal gesetzt, das schon über 3 Millionen Zuschauer begeisterte: 100 Prozent gefühlsecht, mit einer riesigen Portion Herz, Schnauze und Humor!

Jeden Abend schlüpfen die neun Darstellerinnen und Darsteller in über 50 Rollen und entführen in eine temporeiche Show mit Geschichten rund um den Kiez-Imbiss „Heiße Ecke“: Derbe Schnacks und zu Herzen gehende Szenen, wunderbare Stimmen und großartige, live vom Original-Tivoli-Orchester gespielte Songs, eine mitreißende Inszenierung, die den ganz normalen Wahnsinn rund um die Reeperbahn in drei Stunden zeigt. Das alles ist „Heiße Ecke“.

Hier am Tresen von Hannelore und ihrer Crew trifft sich ganz St. Pauli: die leichten Mädels und die schweren Jungs, die Touristen vorm Musicalbesuch und die Müllmänner nach der Schicht, die Junggesellen aus der Vorstadt, die es mal so richtig krachen lassen wollen, und die Kiez-Urgesteine, die eigentlich längst die Schnauze voll haben, aber trotzdem nicht loskommen von der schrägsten Meile der Republik.

Ein Abend mit Marcel Kösling ist mehr als nur Unterhaltung – es ist ein Erlebnis, das im Gedächtnis bleibt. Ob Comedy-Fan, Zauber-Liebhaber oder Kabarett-Kenner: Bei „Moment Mal!“ kommt jeder auf seine Kosten. Lassen Sie sich verzaubern!

Bereit für einen Abend voller Lachen, Staunen und tiefgründiger Momente? Marcel Kösling, die Allzweckwaffe der deutschen Kleinkunstszene, belebt die Bühne mit einer grandiosen Mischung aus Comedy, Zauberei und Kabarett, die garantiert kein Auge trocken lässt.

Mit seinem unverwechselbaren Humor, charmanten Geschichten und magischen Überraschungen bringt Kösling das Publikum zum Nachdenken, zum Lachen und immer wieder zum Staunen. Zwischen scharfsinnigen Pointen und verblüffenden Illusionen gelingt es ihm, den Alltag mit einem Augenzwinkern zu hinterfragen und die großen und kleinen Momente des Lebens in den Fokus zu rücken.

Schauspiel nach dem Gedicht von Inger Christensen

Aus dem Dänischen von Hanns Grössel

Regie: Thom Luz

Dramaturgie: Judith Gerstenberg

Das magische Welt-Gedicht „alphabet“ der dänischen Dichterin Inger Christensen gilt als eine der innovativsten und bedeutendsten Dichtungen des ausgehenden 20. Jahrhunderts. Der Schweizer Theaterkünstler Thom Luz verwandelt das Gedicht in ein musikalisches Bühnenkunstwerk, ein von Musik durchdrungenes Klangbild – verspielt und traurig, flüchtig, voll von leisem Humor und magisch schönen Theaterbildern. Luz kehrt damit nach seinem Kafka-Abend „Die acht Oktavhefte“ zurück ans SchauSpielHaus.

Um sich in einer Schaffenskrise wieder ins Lot zu bringen, legt die studierte Naturwissenschaftlerin Christensen eine alphabetisch sortierte Aufzählung an von alltäglichen Wahrnehmungen und Dingen des Lebens: Aprikosenbäume, Brombeeren, Chromstahl, Dunst, Dioxin, Elche, Essig, Fehler, Grenzen, Halbschatten usw. Die Zeilenanzahl des so entstandenen „Planeten-Portraits“ aus Wörtern, Gedanken und Ideen unterwirft Christensen dem mathematischen Gesetz der Fibonacci-Sequenz, die in der Natur auch in Schneckenhäusern, DNA-Spiralen und dem Andromeda-Nebel vorkommt: 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55 - eine Zahlenfolge, die sich immer als die Summe der letzen beiden Zahlen fortschreibt. Christensen feiert so die Schönheit der Natur, ihre zerstörerische Kraft und Vergänglichkeit und fragt sich, wie der Mensch in dieses Ordnungssystem hineinpasst.

Neues vom Moralweltmeister

Was ist das Leben? Zufall? Witz, oder eben doch nur ein Geschäft? Um diese Frage geht es in Rebers aktuellem Programm.

Für Rebers ist die Bühne das Schlachtfeld im Kampf gegen den Überwachungskapitalismus, die digitale Diktatur und eine scheinbar unaufhaltsam um sich greifende Verblödung des Online-Pöbels. Rebers arbeitet analog und lässt sich am ehesten mit einer losgerissenen Kanone vergleichen. Immer geladen und niemand weiß, wen es trifft. Dabei achtet er stets darauf, dass uns die Heiterkeit nicht vollständig abhanden kommt. Denn Rebers ist ein Mann mit Mutterwitz, viel Musik, überbordender Kreativität und strotzender Liebe für das Menschliche.

Wenn die Wahnsinnigen Angst und Schrecken verbreiten, wenn die Apokalypse dreimal täglich kommt, dann braucht es einen wie ihn, der einfach Mut macht. Endlich Glücklich – das ist Schroeders Mantra. Natürlich ist die Welt aus den Fugen – aber seine eben nicht. Florian Schroeder möchte zeigen, wie einfach es ist, glücklich zu sein – und zwar nicht in zwei Wochen, zwei Monaten oder zwei Jahren, sondern in zwei Stunden!

Bei Schroeder läuft’s: Alles ist in Butter, alles ist save, alles gibt es doppelt und dreifach in trockenen Tüchern. Den Bausparvertrag, die Lebensversicherung, die Freundin. Wer so viel Glück hat, der will es auch teilen – aber nicht mit allen und nicht mit jedem – also schon mal nicht in den sozialen Medien. Sondern mit Freundinnen und Freunden, denn da sagt man sich alles. Mit ihnen kann gelacht und geweint werden, gefeiert und getrauert. Sie nehmen in den Arm und sagen die Wahrheit – auch, wenn’s weh tut. Florian Schroeder möchte dein Freund sein. Nur zusammen sind wir stark, nur gemeinsam können wir das Böse da draußen besiegen.

Die Show „Art of Impossible“ von Dr. Alex Romanoff ist eine einzigartige Kombination aus einer Zaubervorstellung und einem Vortrag. Sie werden faszinierende, lustige und seltsame Geschichten über Zauberkünstler der Vergangenheit hören und auch verstehen, warum die Zauberkunst schon immer eine der wichtigsten Kunstformen war.

Alex wird auch aus seinem Leben erzählen und Illusionen zeigen, die er auf der ganzen Welt aufgeführt hat und die jeden im Publikum mit einbeziehen.

Bei dieser Show geht es nicht darum, Sie zu täuschen, sondern gemeinsam auf eine Reise zu gehen, um etwas Neues über Kunst, Magie und das Leben zu entdecken.

Dr. Alex Romanoff kam 2014 aus seiner Heimatstadt Moskau nach Deutschland. Er begann auf den Straßen von Frankfurt zu zaubern und war bald auf Firmen- und Privatveranstaltungen in ganz Deutschland zu sehen. 2019 schloss er seine Doktorarbeit über die Geschichte der Zauberkunst ab.

Schauspiel von Werner Schwab

Regie: Victor Bodo

Bühne: Ildi Tihanyi

Kostüme: Fruzsina Nagy

Abgründig, bitterböse und gnadenlos komisch seziert Werner Schwab die Welt der kleinen Leute. Der ungarische Regisseur Victor Bodo, der dieses irrwitzige Sprachkunstwerk Werner Schwabs - wie auch „Ich, das Ungeziefer“ und „Pension zur Wandernden Nase“ - als rasante Grotesken im Malersaal inszenierte, wandert nun mit diesem „knalligen Volksstück und berührendem Seelendrama“ mit drei „ganz wunderbaren Schauspielerinnen“ (Die Welt ) auf die große Bühne: Ute Hannig als Erna, Bettina Stucky als Grete und Lina Beckmann als Mariedl.“

In ihrer kleinbürgerlichen Wohnküche kippen Erna, Grete und Mariedl in lustvollen Sprachattacken hemmungs- und schamlos ihren Welt-Frust über einander aus. Den eigenen Dreck allerdings kehren sie lieber unter ihren Budenteppich - bis endlich Mariedl, die jüngste der drei Damen, ihre Kolleginnen mit der Wahrheit des Daseins konfrontiert. Doch so viel Realität hält keine aus...

Erleben Sie Zauberkunst aus aller nächster Nähe mit Wittus Witt, Deutschlands renommiertem Zauberkünstler, in einem einzigartigen Ambiente.

Jeden Freitag verwandelt sich das Museum Bellachini dafür in den Zauber-Salon Hamburg. Dann lässt Wittus Witt die ausgestellten Exponate lebendig werden und verzaubert sein Publikum charmant, intelligent und witzig, so wie er es schon Hunderte von Male im Fernsehen und auf internationalen Bühnen gezeigt hat. Aber nun geschieht es unmittelbar vor den Augen der Zuschauer, hautnah, ohne jede Ablenkung.

Der Besuch des Zaubermuseums Bellachini ist im Preis inbegriffen und am Tag der Vorstellung ab 19.15 Uhr möglich.

Drei Meisterwerke – zwei Jahrhunderte – eine Narration

von Robert Schumann, Béla Bartók und Alexander Zemlinsky, in deutscher und ungarischer Sprache

Inszenierung: Tobias Kratzer

Bühne und Kostüme: Rainer Sellmaier; Video: Manuel Braun; Licht: Michael Bauer

Dramaturgie: Henriette von Schnakenburg

„Frauenliebe und –sterben“ vereint drei bedeutende stilistisch kontrastierende Werke der Musikgeschichte zu einem außergewöhnlichen Abend zwischen Lied, Oper und Tragödie. Regisseur Tobias Kratzer spannt damit einen Bogen über zwei Jahrhunderte und verbindet die Meisterwerke zu einem großen musikalischen Familienepos. Aus vermeintlich individuellen Schicksalen entstehen Panoramen von Sitte, Moral und gesellschaftlichen Rollen, die Vergangenheit und Gegenwart reflektieren.

Als Solistinnen werden unter anderem Kate Lindsey, Annette Dasch, Marlis Petersen sowie Elsa Dreisig zu erleben sein. Die musikalische Leitung übernimmt die international gefeierte Dirigentin Karina Canellakis.

FRAUENLIEBE UND LEBEN

Robert Schumann: Acht Lieder für Singstimme und Klavier op. 42 (1840)

Libretto: Adelbert von Chamisso

Kate Lindsey (Sängerin), Èric le Sage (Pianist)

HERZOG BLAUBARTS BURG

Oper in einem Akt (1918) von Béla Bartók

Libretto: Béla Balázs

Johan Reuter (Blaubart), Annika Schlicht (Judith)

EINE FLORENTINISCHE TRAGÖDIE

Oper in einem Akt (1917) von Alexander Zemlinsky

Libretto: Alexander Zemlinsky nach Oscar Wildes gleichnamiger Dichtung in der Übersetzung von Max Meyerfeld

Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, Johan Reuter (Simone), Ambur Braid (Bianca), Thomas Blondelle (Guido)

Robert Schumanns Liederzyklus Frauenliebe und -leben (1840) erzählt das Schicksal einer Frau von erster Liebe über Heirat und Geburt bis zum Tod – ein Leben, in dem ihre Gefühle zunehmend um die Bedürfnisse ihres Mannes kreisen, der sich mehr und mehr von ihr entfernt.

Ein Jahrhundert später betritt Herzog Blaubart die Bühne, der seine neue Frau Judith mit nach Hause bringt. Zwischen Anziehung, Geheimnissen und der Entdeckung der Abgründe seines Lebens entwickelt sich eine intensive psychologische Auseinandersetzung.

Und wieder ein Zeitsprung: Die Florentinische Tragödie zeigt ein modernes, bürgerlich-liberales Ehekonstrukt und die Eskalation einer ménage à trois. Zentrale Themen hier sind: Macht, Begehren, Loyalität und die zeitlose Frage, ob sich menschliche Sehnsüchte in allen Epochen gleichen.

CLICK in – debatte: Einführung 45 Minuten vor der Vorstellung

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Opern-Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

Schauspiel nach der Märchenkomödie von Jewgeni Schwarz

Regie: Mona Kraushaar

Bühne: Katrin Kersten

Kostüme: Nini von Selzam

Dramaturgie: Stefan Kroner

Das Märchenstück des russischen Autors Jewgeni Schwarz entstand 1943 unter dem Eindruck der Leningrader Blockade. Es zeigt das Zusammenspiel von Tyrannei und Untertanengeist, ein satirischer Angriff auf Hitlers Nationalsozialismus.

Seit Jahrhunderten wird die Stadt von einem Drachen beherrscht. Jedes Jahr besänftigen ihn die Einwohnerinnen und Einwohner mit einer geopferten Jungfrau. Doch der tapfere Ritter Lanzelot will die Stadt von der Tyrannei des Drachen befreien. Aber kaum angekommen, stößt dieser auf ein unerwartetes Problem: wie soll man ein Volk befreien, das gar nicht wirklich befreit werden will? Es entsteht ein grotesker Kampf, der humorvoll die Mechanismen von Korruption und Propaganda aufdeckt.

Schauspiel nach dem Roman von Joachim Meyerhoff

Regie: Lea Ralfs

Bühne und Kostüme: Ulrike Engelbrecht

Dramaturgie: Gregor Schuster

Mit Marion Martienzen und Georg Münzel

Nach den großen Erfolgen von „Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war”, „Ach diese Lücke, diese entsetzliche Lücke" und „Alle Toten fliegen hoch – Amerika” folgt hier die vierte Buchadaption eines Romans vom Besteller-Autor und Schauspieler Joachim Meyerhoff: Ein Stück über eine Mutter-Sohn-Beziehung, über Aufstieg, Absturz und die Suche nach dem Glück – voller Witz, Tiefgang und großen Emotionen.

Für viele ist die eigene Mutter ein Ort für Geborgenheit, Verständnis und Kindheit – so auch für Joachim Meyerhoff, der nach seinem Schlaganfall und dem missglückten Neustart in Berlin erneut vor den Scherben seines Lebens steht. Als sich dann noch ein Vorfall auf dem Geburtstag seines Sohnes ereignet, ist für ihn klar: Er muss zur Mama aufs Land. Um seiner Krise zu entkommen und sich wieder der künstlerischen Arbeit als Autor zu widmen, zieht Meyerhoff kurzerhand zu seiner über 80-jährigen Mutter, um seinen neuen Roman zu verfassen. Die Begleitung der vitalen älteren Dame hebt die Beziehung zwischen Mutter und Sohn auf eine neue Ebene und führt in herzerwärmenden Anekdoten Meyerhoff und die Leser:innen heraus aus Zorn und Krisen.

Joachim Meyerhoff, gefeierter Schauspieler und Autor, ist für seine autobiografischen Werke bekannt. Mit dem sechsten Band der autobiografischen Romanreihe zeigt er mit „Man kann auch in die Höhe fallen“ erneut, wie nah Tragik und Komik beieinander liegen können.

Fantastische Oper von Jacques Offenbach

In einer Bearbeitung von Marius Adam

Musikalische Leitung und Bearbeitung: Ettore Prandi

Regie: Marius Adam

Bühnenbild: Kathrin Kegler

Kostüme: Marie-Theres Cramer

Ein Werk zwischen Illusion und Wirklichkeit – ebenso schillernd wie geheimnisvoll. Und am Ende steht die Frage: Ist der wahre Künstler dazu verdammt, immer wieder an der Wirklichkeit zu zerbrechen?

Im flackernden Licht einer Kerze versinkt der Dichter Ho?mann in Erinnerungen – an drei Frauen, drei verlorene Lieben, drei Stationen einer zerstörerischen Suche nach der idealen Muse: Da ist Olympia, schön und gehorsam – doch sie entpuppt sich als lebensechter Automat. Antonia, begabt mit einer wundervollen Stimme – aber ihr Gesang bedeutet zugleich ihr tödliches Schicksal. Und Giulietta, eine verführerische Kurtisane, die ihm im Auftrag des finsteren Dapertutto nicht nur sein Spiegelbild raubt, sondern ihn sogar zu einem Mord verleitet.

Jacques Offenbachs Oper „Hoffmanns Erzählungen“, uraufgeführt 1881, basiert auf dem gleichnamigen Schauspiel von Jules Barbier und Michel Carré. Inspiriert von Werken E.T.A. Hoffmanns, Chamissos und Mussets erschufen sie ein einzigartiges Künstlerdrama: keine klassische Literaturoper, sondern ein poetisches Fantasiestück über Kunst, Liebe, Wahnsinn – und das Scheitern an der eigenen Sehnsucht.

Musikalisch entfaltet Offenbach ein ganzes Universum, das sich von Humor und Ironie über düstere Klangfarben bis hin zum vollen romantischen Opernglanz erstreckt.

Schauspiel nach der Novelle von Michail Bulgakow

Regie: Claudia Bauer / Bühne: Andreas Auerbach / Kostüme: Vanessa Rust / Komposition, Musik: Peer Baierlein / Dramaturgie: Ralf Fiedler

In der Spielzeit 2023/ 2024 sorgte die renommierte Regisseurin Claudia Bauer mit ihrerer ersten Inszenierung am Deutschen SchauSpielHaus für Furore: „Die Schattenpräsidentinnen Oder: Hinter jedem großen Idioten gibt es sieben Frauen, die versuchen ihn am Leben zu halten“ von Selina Fillinger. Nun folgt ein Stück zum Thema Optimierung des Menschen.

Ein Moskauer Chirurg versucht, den Menschen zu verbessern – Verjüngung und Optimierung sind das Ziel. Er pflanzt einem Straßenköter die Hirnanhangdrüse und Hoden eines heruntergekommenen Kleinkriminellen ein. Der gewitzte Hund wird tatsächlich zu einer Art Mensch, zeigt sich jedoch extrem anfällig für Manipulation: Er saugt Propaganda und radikale Parolen jeder radikalen politischen Strömung auf und reißt sich alles von Interesse unter den Nagel: Leckerbissen, Privilegien, Frauen, Ämter...

Michail Bulgakows Novelle entfaltet seit ihrer Entstehung 1925 eine ungeheurere Sprengkraft, gedruckt wurde sie erst 1968. Bereits der junge Sowjetstaat propagierte den „Neuen Menschen“, das erste großflächige Experiment zur Optimierung des menschlichen Körpers und Geistes, ein Unternehmen, das vielfach kritiklos fortgesetzt wird und sich zu einer weltweiten Industrie entwickelt hat.

Claudia Bauer ist bekannt für ihre starken Zugriffe auf Stücke, poetisch und politisch, anarchisch und dadaistisch, berauschend und schnell. Sie studierte Regie an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch und leitete von 1999 bis 2004 das Theaterhaus Jena. Claudia Bauer inszeniert an zahlreichen großen Bühnen im deutschsprachigen Raum, u. a. in Stuttgart, Frankfurt, München, Berlin, Leipzig, Wien, Graz und Basel. Ihre Inszenierung „humanistää!“ nach Ernst Jandl am Volkstheater Wien wurde 2022 zum Berliner Theatertreffen eingeladen, zur „Inszenierung des Jahres“ gewählt und mit dem NESTROY-Preis in den Kategorien „Beste Regie“ und „Beste deutschsprachige Aufführung“ bedacht.

Eine musikalische Reise vom Schlager bis zur Oper

Regie: Inken Rahardt

Musikalische Leitung: Makiko Eguchi

Bühnenbild: Claudia Weinhart

Kostüm: Almut Blanke

Mit Tamara Felk und Marlene Mesa (Sopran), Annika Westlund (Mezzosopran), Bogil Kim (Tenor), Fredrik Essunger und Jeffrey Herminghaus (Bariton)

Der Bahnhof. Ein Sehnsuchtsort für Abschiede und Ankünfte. Ein Abend über das Kommen, Gehen und die besonderen Momente dazwischen.

Inken Rahardt zeigt in diesem Stück Geschichten von Menschen, die sich zwischen den Gleisen begegnen, streiten, versöhnen, trennen und wieder zueinander finden. Sie verbindet die kleinen und großen Dramen auf dem Bahnsteig, im Café oder vor dem Kiosk mit den schönsten Melodien - vom schmissigen Schlager bis zur herzzerreißenden Opernarie.

Schauspiel von Zach Braff

Regie: Paul Glaser

Ein schneebedecktes Strandhaus. Ein verlorener Mann. Drei völlig Fremde. Was könnte schon schiefgehen? All New People ist eine düstere und zugleich ehrliche Komödie über Beziehung, Einsamkeit und die seltsamen Wege, wie wir ins Leben zurückkehren, wenn wir es am wenigsten erwarten.

Als Charlie sich in ein einsames Haus auf Long Island zurückzieht, mit der Absicht, sein Leben zu beenden, erwartet er nicht, unterbrochen zu werden – geschweige denn von einem Feuerwehrmann, einem Immobilienmakler und einem exzentrischen Life Coach, alle mit ihrem eigenen Gepäck. Im Verlauf einer wilden, unerwarteten Nacht werden die vier Fremden gezwungen, sich ihren chaotischen, urkomischen und schmerzvollen Lebensgeschichten zu stellen...

Komödie von Cesc Gay

Deutsche Fassung: Hans Richter

Regie: Marion Kracht

Bühne und Kostüm: Anja Fuhrtmann

Autor Cesc Gay gilt in Spanien als einer der pointiertesten und unterhaltsamsten Chronisten des städtischen Bürgertums. Mit schonungslosem Humor, aber nicht ohne Empathie, nimmt er eine geschwisterliche Zwangsgemeinschaft unter die Lupe, die sich über den richtigen Umgang mit ihrem alten Vater in die Haare bekommt.

Die drei sehr ungleichen Geschwister haben ein Problem: Wer von ihnen kümmert sich ab sofort darum, dass der betagte Papa aufhört, sich entblößt der Nachbarin zu zeigen? Sollten sie den Vater ins Pflegeheim abschieben? Gezwungenermaßen planen die drei, sich zu treffen, um eine Lösung für ihn zu finden. Doch mehrere Versuche scheitern, denn sie alle haben wenig Zeit und dazu ihre ganz eigenen Probleme.

Musical von Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth

Regie: Corny Littmann

Nach dem Erfolg von „Die Königs vom Kiez – Mit Herz und Promille“ schicken Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth, Deutschlands erfolgreichste Musicalautoren, den daueralkoholisierten Käpt’n und seine Familienbande samt liebestoller Nachbarin Berta jetzt in ein neues schräges Abenteuer.

Goldene Zeiten bei Familie König: Seit Oma bei der Glücksspirale die lebenslange Sofortrente gewonnen hat, ist im heimischen Souterrain der Wohlstand ausgebrochen. Wie seine vier Kinder ist auch Vater König, von allen nur Käpt’n genannt, voll im Kaufrausch und investiert erstmal in die heimische Wirtschaft. Also, wortwörtlich. Volle Kasse, voller Kühlschrank und blau bis aufs Blut – kann das lange gutgehen bei unserer Lieblingssippe auf St. Pauli? Auf keinen Fall! Schnell zieht wieder das pralle Chaos ein und der Käpt’n und seine Sprösslinge wünschen sich sehnlichst die Sorgen von gestern zurück. Denn wo’s bisher nur ums schnöde Geld ging, geht’s jetzt ums nackte Überleben …

„Die Königs schenken nach!“ ist die nahtlose Fortsetzung der wahrscheinlich warmherzigsten Liebeserklärung an St. Pauli: mit liebgewonnen Kieztypen, gnadenlosem Humor und 15 brandneuen Songs. Funktioniert auch ohne Vorwissen aus „Die Königs vom Kiez“. Aber auch das Stück sollte man sich natürlich trotzdem nicht entgehen lassen...

Die total verrückte Musik-Impro-Show mit Jan-Christoph Scheibe

Relounge = „Play Boy“ heißt jetzt SCHEIBES HIT-KITCHEN.

Hier bestimmen Sie, was gespielt wird: Scheibe verwandelt -in der Art eines Magiers- Ihre Wünsche in klingende Wirklichkeit. Er erfindet spontan einen Song zu Ihrer momentanen Lebenssituation, schreibt Ihnen oder Ihrer Begleitung auf Wunsch ein Liebeslied auf den Leib, oder lässt sein Publikum Melodien würfeln, um daraus neue, nie gehörte Hits zu komponieren. Was immer Sie ihm auf die Bühne reichen: Scheibe vertont Ihnen alles, selbst geschriebene Gedichte, Ihr Schulabschlusszeugnis oder die Bedienungsanleitung Ihres Toasters.

„Scheibes HIT-KITCHEN“ ist Improvisationstheater auf musikalischer Ebene- und immer für eine Überraschung gut. Bringen Sie eine CD oder ein mp3 ihres Lieblingstitels mit, und Scheibe analysiert Ihnen das Werk, zerlegt den Song in seine Einzelteile und erklärt Ihnen dann, wie Sie so einen Hit eventuell auch in Heimarbeit selbsttätig herstellen können. Er wechselt auf Zuruf die Stilistik, verwandelt HipHop in Walzer, Tango in Hard Rock, und er mixt unvereinbar scheinende musikalische Gegensätze zu neuen Klangerlebnissen. Für Scheibe ist der Abend erst dann ein Erfolg, wenn der ganze Saal mitsingt, trommelt und grooved.

Komödie von Hadrien Raccah

Deutsch von Jona Spreter

Regie: Martin Woelffer

Mit viel Humor und Empathie für seine Figuren lässt Raccah vier Freunde, die durch einen Zufall zusammen ausgesperrt sind, in schnellen Schlagabtauschen um unangenehme Wahrheiten, unterschiedliche Lebensentwürfe und ihre Freundschaft ringen.

Lisa, Marc, Benjamin und Tom sind seit ihrer Jugend beste Freunde, nun sind sie Ende 30 und stehen mitten im Leben – zumindest auf dem Papier. Zur Geburt von Toms erstem Kind treffen sie sich endlich mal wieder zu viert. Ausgesperrt auf der Terasse des Hauses kommen sie in intensiven Austausch und es wird klar, dass das Midlife für alle vier mehr Krise und weniger Fun bedeutet als gedacht: Marc wurde gerade verlassen, Benjamin gefeuert, Lisa hat eine Affäre mit einem verheirateten Mann und alle drei finden Toms Neugeborenes ausgesprochen hässlich. Nachdem eine dieser Wahrheiten ausgesprochen ist, bröckeln die bürgerlichen Fassaden unaufhaltsam …

Der Titel des Stückes „Vor dem Fall“ verweist sowohl auf das berühmte Sprichwort „Hochmut kommt vor dem Fall“, das sich ohne weiteres auf die eine oder andere Figur im Stück übertragen ließe, als auch darauf, dass am Ende ein jeder von uns schnell fallen könnte. Aber die Zeit davor ist das Interessante!

Schauspiel nach dem Roman von Sir Arthur Conan Doyle

Sir Arthur Ignatius Conan Doyle (1859-1930) war britischer Arzt und Schriftsteller. Die legendären Abenteuer des Sherlock Holmes und dessen Freund Dr. Watson zählen zu seinen bekanntesten Werken, so auch sein dritter Roman „The Hound of the Baskervilles“, einer der am häufigsten verfilmten Romane der Weltliteratur.

Auf der Adelsfamilie Baskerville lastet ein dämonischer Fluch. Seit Sir Hugo im Jahre 1742 ein Mädchen erstach, treibt sich ein monströser, heulender Hund in den Mooren herum, die das Familienanwesen umgeben. Und zwar immer dann, wenn einem Baskerville der Tod droht. Das Furcht erregendes Geheul nach Einbruch der Dunkelheit ist markerschütternd. Als schließlich Sir Charles Baskerville tot aufgefunden wird, fürchtet der letzte Überlebende des Clans und Erbe des Familienbesitzes, Sir Henry, um sein Leben. Doch gibt es ihn wirklich, den Hund von Baskerville? Der brillanteste Detektiv aller Zeiten und sein treuer Gehilfe Dr. Watson wollen das Geheimnis lüften…

Joel Ross ist einer der markantesten und mutigsten Vibraphonisten seiner Generation. Seit seinem mit dem Edison Award ausgezeichneten Blue-Note-Debüt „KingMaker“ (2019) hat Ross breite Anerkennung für sein Spiel gefunden. Sein neuestes Album „Gospel Music“ schöpft aus den spirituellen und gemeinschaftlichen Traditionen der Black Church in Chicago und erforscht Ideen von Dienst, Erneuerung und gemeinsamer Zielsetzung durch vielschichtige Harmonien und Improvisation. Als gefragter Kollaborateur und häufiger Headliner bei großen Festivals weltweit formt Ross weiterhin einen Sound, der in der Tradition verwurzelt ist und gleichzeitig unverkennbar die Gegenwart anspricht.

Oper von Wolfgang Amadeus Mozart

Regie: Christian Poewe

Musikalische Leitung: Willem Wentzel

Bühne: Sina Eichhorst

Video: David Scheffler

Kostüm: Julian Philip Hirsch und Louisa von Ohlen

Mit Sängerinnen und Sängern der Opernklasse der Hochschule für Musik und Theater und den Symphonikern Hamburg

Im Sommer 2026 kehrt mit „Die Zauberflöte“ eines der faszinierendsten Werke der Operngeschichte ins Forum der Hochschule für Musik und Theater Hamburg zurück. Wolfgang Amadeus Mozart und Emanuel Schikaneder haben mit ihrer Zauberoper ein Werk geschaffen, das bis heute zwischen Märchen, Philosophie und tiefen Menschheitsfragen schwebt – und dabei nichts von seiner Anziehungskraft verloren hat.

Im Zentrum stehen Tamino und Pamina, zwei junge Menschen auf der Suche nach Orientierung in einer Welt voller Gegensätze. Licht und Dunkelheit, Gefühl und Vernunft, Ordnung und Chaos prallen aufeinander – verkörpert im Spannungsfeld zwischen der Königin der Nacht und Sarastro. Doch je weiter die Reise voranschreitet, desto mehr verschwimmen die Grenzen…

Die Inszenierung von Christian Poewe setzt bewusst auf Leichtigkeit und Spielfreude. Statt die Oper in Deutungsschwere zu verankern, begreift sie die Bühne als offenen Raum der Verwandlung: Identitäten werden ausprobiert, Rollen gewechselt, Perspektiven verschoben. Besonders prägend ist die Mehrsprachigkeit des internationalen Ensembles des Studiengangs Master Oper: Sie schafft neue Zugänge macht die Suche nach Identität unmittelbar erfahrbar. Für viele Mitwirkende ist die Produktion der Großen Sommeroper zugleich ein Aufbruch – eine letzte große Station vor dem Eintritt in die professionelle Opernwelt.

Götz Alsmann (Gesang, Piano und mehr), Altfrid M. Sicking (Vibraphon, Xylophon und mehr), Ingo Senst (Kontrabass), Dominik Hahn (Schlagzeug), Markus Paßlick (Percussion)

Der König des Jazzschlagers ist mit seiner Band wieder in der Laeiszhalle zu Gast! Götz Alsmann hat in seinem aktuellen Album und Programm die Nacht zum Mittelpunkt des Abends macht - oder den Abend zum Höhepunkt des Tages? Dazu greift er auf erlesene Preziosen der Schlagergeschichte zurück, auf melancholische wie humorvolle Glanzstücke von 1910 bis 1965 – und das tut er anders als alle anderen.

Selbstredend wäre auch sein aktueller Parforceritt durch das Liederbuch wahrhaft klassischer Schlagermusik und die berückenden Rhythmen der Jazzgeschichte ohne sein legendäres Ensemble nicht denkbar! Die Götz Alsmann Band, die mit ihrem Chef auf ihren Tourneen die Welt gleich mehrfach umrundet hat, steht auch jetzt wieder für musikalische Top-Qualität und unermüdlichen Einsatz.

Ein wilder musikalischer Trip durch die 80er und 90er

Von Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth

Regie: Carolin Spieß; Choreografie: Bart de Clercq

Die Hit-Musicalmacher Martin Lingnau und Heiko Wohlgemuth reisen in ihre eigene Jugendzeit, zurück in die 80er und 90er Jahre. Ein knalliges Spektakel mit Lasershow, Neonlicht und Bühnennebel und über 50 ikonischen Songs in neuem Sound.

Ein Schwelgen in „Krass, so war’s!“ für alle, die dabei waren – und eine extrem lustige Zeitreise für alle anderen: Pop-Perlen, NDW (Neue Deutsche Welle) und schräge Schlager, Breakdance und Bandsalat, Schulterpolster und Buffalos – zum großen Finale gibt das letzte Jahrhundert popkulturell noch mal richtig Vollgas. „Sing Halleluja“, es gibt „No Limits“ – oberaffengeil eben!

Auf dem BMX-Rad ohne Helm, mit Vollgas im Manta und sogar im Flieger mit der Kippe im Mund: was für Zeiten. Hier trifft Rick Astley auf Gitte, Madonna auf Matthias Reim und die Spice Girls auf die Backstreet Boys - und die erste Boyband, die ja eigentlich aus Norwegen kommt, ist natürlich auch dabei. Die Aerobic-Welle schwappt aus den USA herüber, Lady Di macht Prinz Charles zu ihrem „Herzblatt“ und Dieter Bohlen Thomas Anders zur Schnecke. Die BRAVO wird noch mit D-Mark bezahlt, das Kabelfernsehen serviert neue Lieblingsshows wie „Der Preis ist heiß“ und „Familienduell“ – und saftige Früchtchen bei „Tutti Frutti“. Wir sind besessen vom Zauberwürfel, daddeln Nintendo und schließlich „Snake“, bis endlich mal jemand das Handy erfindet. Es gibt sauren Regen und Kalten Krieg, gegen den singt man mit „Ein bisschen Frieden“ an, bis David Hasselhoff schließlich höchstpersönlich die deutsch-deutsche Mauer einreißt.

Schauspiel von Ewald Palmetshofer frei nach Shakespeares „King Henry IV“

Regie: Luise Voigt

Der autoritäre Quasi-König – vom Wahlvolk liebevoll „Heinz“ genannt – braucht einen Nachfolger. Leider erforscht sein Sohn Harri lieber mit Kneipenjunkie Falstaff den unteren Rand der Gesellschaft – bis der ehrgeizige Konkurrent Percy auftaucht.

Ewald Palmetshofer versetzt Shakespeares Historiendrama „Heinrich IV“ in unsere politische Gegenwart und seziert die verrohte Welt einer sterbenden Demokratie. Dieses Stück der Stunde entlarvt jene Machtpolitik, die sich mit Lügen und Gewalt unangreifbar macht. Allein der heilige Narr Falstaff hält die Menschlichkeit hoch und der Gesellschaft den Spiegel vor. Es inszeniert die gerade zum Berliner Theatertreffen eingeladene bildstarke Regisseurin Luise Voigt.

Kriminalstück von Ferdinand von Schirach

Regie: Axel Schneider

Bühne und Kostüme: Birgit Voß

Dramaturgie: Anja Del Caro

Das Magazin DER SPIEGEL nennt ihn einen „großartigen Erzähler“, der britische Independent vergleicht ihn mit Kafka und Kleist – die Rede ist von Bestsellerautor Ferdinand von Schirach. In diesem Theaterstück beschäftigt er sich mit dem Dilemma, dass in Fällen von sexueller Gewalt nahezu immer Aussage gegen Aussage steht. Nach „Gott“ im Altonaer Theater ist „Sie sagt. Er sagt.“ das zweite packende Gerichtsdrama von Ferdinand von Schirach, das Axel Schneider, diesmal in den Hamburger Kammerspielen, inszeniert hat.

Katharina Schlüter, eine erfolgreiche TV-Moderatorin, beschuldigt ihren ehemaligen Geliebten, den Unternehmer Dr. Christian Thiede, sie vergewaltigt zu haben. Zeugen gibt es für dieses Vergehen nicht, und so dreht sich im Strafprozess alles um die Frage der Glaubwürdigkeit. Sowohl für den Angeklagten als auch für die Klägerin steht viel auf dem Spiel: Die weitere private und berufliche Zukunft sowie die Reputation hängen maßgeblich davon ab, wessen Version das Gericht bestätigen wird.

Das Stück zeigt, wie kompliziert eine Urteilsfindung in solchen Fällen ist und wie eng sie mit gesellschaftlichen Werten und herrschenden Vorurteilen zusammenhängt. „Was soll man denken, wenn, nach Ausschöpfung aller Beweismittel, doch nur übrigbleibt: ‚Sie sagt. Er sagt.‘?”, so Ferdinand von Schirach.

Ballette von Aszure Barton und William Forsythe

Altersempfehlung: ab 14 Jahren / Klasse 9

Vor allem in Bezug auf Liebesbeziehungen bedeutet der Begriff „slow burn“ im Englischen das langsame Heranreifen von tiefen Gefühlen. Lassen Sie sich dazu von diesen beiden Choreografien inspirieren!

Aszure Barton: SLOW BURN (Auftragsarbeit)

Musik: Ambrose Akinmusire

Choreografie: Aszure Barton

Bühnenbild, Kostüme, Licht: N.N.

Die gebürtige Kanadierin, Aszure Barton, die sich sowohl in der neoklassischen Ballettsprache als auch in zeitgenössischen Stilen zuhause fühlt, hatte sich dem Hamburger Publikum bereits mit zwei Kreationen auf Kampnagel vorgestellt. Zusammen mit dem Jazzmusiker- und komponisten Ambrose Akinmusire, mit dem Barton eine intensive künstlerische Zusammenarbeit verbindet, wird sie eine Uraufführung kreieren, die sich nicht scheut, mit den schönen Seiten des Lebens zu flirten.

William Forsythe: BLAKE WORKS V (The Barre Project)

(Deutscher Theaterpreis DER FAUST 2025)

Musik: James Blake

Choreografie, Bühnenbild, Kostüme: William Forsythe

Licht: Tanja Rühl, nach dem Original von Brandon Stirling Baker

Diese in der Pandemie entstandene Choreografie ist ein Muss für alle Fans des klassischen Balletts! William Forsythe, amerikanischer Choreograf, zählt zu den wichtigsten Tanzschaffenden unserer Zeit.

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Das Pianissimo Festival präsentiert seit 2017 die herausragendsten jungen Pianistinnen und Pianisten unserer Zeit. 2026 schlägt das Festival erstmals ein Kapitel in Deutschland auf und Hamburg ist dabei ein besonderer Höhepunkt. Die Laeiszhalle wird an zwei Abenden zum Treffpunkt einer neuen Generation von Virtuosen – intensiv, nahbar, inspirierend: Konstantin Emelyanov im Juni, gefeierter Preisträger des Tschaikowsky-Wettbewerbs, und im Mai George Harliono, britisch-indonesisches Ausnahmetalent und Silbermedaillengewinner desselben Wettbewerbs 2023.

Johann Sebastian Bach - Busoni Chaconne

Franz Liszt - Un Sospiro

Franz Liszt - Liebesträume no. 3

Franz Liszt - Mephisto-Walzer no. 1

Fryderyk Franciszek Chopin - Nocturne op. 48 no. 1

Michail I. Glinka / Mili A. Balakirew - Die Lerche

Mili A. Balakirew - Islamey

George Harliono gab mit neun Jahren sein erstes Solorezital und tritt heute weltweit in Sälen wie Wigmore Hall, Berliner Philharmonie und Royal Albert Hall auf. 2023 gewann er die Silbermedaille beim Tschaikowsky-Wettbewerb. Er konzertiert mit führenden Orchestern und Dirigenten, gastiert bei internationalen Festivals und absolvierte 2024 eine große Asientournee. 2025 erscheint seine Aufnahme der Klavierkonzerte von Tschaikowsky und Rachmaninow mit der Tokyo Philharmonic.

Der improvisierte Hamburg-Krimi mit dem Theater Steife Brise

Künstlerische Leitung: Thorsten Brand, Katharina Butting

Ein Schrei am Hafen, ein Schuss in der Nacht - wer wurde diesmal umgebracht?

Tod in Altona, Verrat in Eppendorf oder Erpressung in Barmbek: „Morden im Norden“ ist nichts für schwache Nerven! Drei Verdächtige, ein Opfer, ein Ermittler – mehr braucht das Theater Steife Brise nicht, um mit den Zuschauern einen interaktiven Krimiabend zu verbringen. Denn anders als beim sonntäglichen Fernsehthriller kann das Publikum beim improvisierten Hamburg-Krimi direkt ins Geschehen eingreifen und den Verlauf des Abends mitgestalten. Hier bestimmen die Zuschauer Opfer und Todesart und die Schauspieler schlüpfen blitzschnell in ihre Rollen als Kommissar, Komplize oder Serientäter. Ein Mordsspaß!

Schauspiel auf Plattdüütsch von Tim Firth

Plattdeutsch: Frank Grupe

Inszenierung: Nora Schumacher

Bühne: Katrin Reimers

Kostüme: Matea Scharmann

Eine urkomische und herrlich abgründige schwarze Komödie über ein misslungenes Team-Bildungs-Wochenende, das eigentlich angesetzt war, um die Beziehungen der Abteilungsleitenden einer mittelständischen Firma zu stärken.

Bei einer obligatorischen Schnitzeljagd in der schleswig-holsteinischen Seenlandschaft gehen die Teilnehmer bei dem Versuch, die anderen Gruppen abzuhängen, buchstäblich baden: Ihr Boot schlägt Leck, und nur mit letzter Kraft erreichen sie völlig durchnässt das Ufer einer kleinen einsamen Insel. Während die Männer im dichten Herbstnebel auf Hilfe warten, schwinden Moral und zivilisierte Umgangsformen von Stunde zu Stunde: Den Tücken der Natur ausgeliefert, brechen sich Konflikte und Rivalitäten ihre Bahn, und schon bald sind die vier von etwas wie Teamgeist genauso weit entfernt wie vom rettenden Festland.

Ein Singspiel nach dem Roman von Charles Dickens

Koproduktion mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen

Regie: Antú Romero Nunes

Der Roman erzählt vom Streben nach Gerechtigkeit und Zuversicht in einer Zeit, die vom Rhythmus der Maschinen und auch von Pflicht und Gehorsam bestimmt ist. Antú Romero Nunes verwandelt die Geschichte in ein musikalisches Erlebnis mit Gesang und Spiel.

Die fiktive, nordenglische Fabrikstadt Coketown ist Schauplatz von „Hard Times“ (1854). Unter der strengen Führung ihres Vaters, eines Schullehrers, lernen Louisa und Tom, Gefühle und Kreativität zu verdrängen. Sissy, das verlassene Kind eines Zirkusakrobaten, bringt Mitgefühl und Fantasie in ihr Leben. Zur gleichen Zeit erheben sich die Fabrikarbeiterinnen und -arbeiter der Stadt gegen Ausbeutung und Unrecht.

Lacht kaputt, was euch kaputtmacht – Comedy ab 18!

Ingo Appelt geht mit seinem neuen Programm auf Tour, um seinen Zuschauern mit dem verbalen Vorschlaghammer zweieinhalb Stunden lang den Alltag auszutreiben. Ingo hängt den Maulkorb an den Haken, er ist nicht milder geworden und tanzt auch aktuell unerbittlich auf dem schmalen Grat der Gürtellinie.

Hier zerlegt Ingo unser Miteinander so wunderbar und gleichzeitig pointiert wie kein anderer. Nichts ist vor ihm sicher - von der Kommunikation zwischen den Geschlechtern bis hin zu kleinen Macken und Mackern, die uns das Leben schwer machen. Denn wer ist schuld an der Misere? Die Männer! In einer Welt voller Fettnäpfchen reicht Ingo ihnen helfend die Hand. Für die Frauen, für den Frieden. Er ist der Safe Space des Lachens, die letzte Bastion gegen das Spießertum.

Oper von Giuseppe Verdi

Text von Salvadore Cammarano nach dem bürgerlichen Trauerspiel „Kabale und Liebe“ von Friedrich Schiller

in italienischer Sprache

Inszenierung: Andreas Homoki

Bühnenbild: Paul Zoller

Kostüme: Gideon Davey

Licht: Franck Evin

Verdis selten gespielte Oper feierte 2014 unter großem Applaus in Hamburg Premiere: „…überzeugende Inszenierung, achtbare musikalische Leistung“ (Hamburger Abendblatt). Regisseur Andreas Homoki ist hier eine spannende Inszenierung gelungen: er „zaubert mit Musik, Stimmen und Bühneneinfällen“ (spiegel.de).

Das großartige leidenschaftliche Familiendrama ist Giuseppe Verdis dritte Vertonung eines Stückes von Friedrich Schiller. Es handelt von der nicht standesgemäßen Liebe der bürgerlichen Musikertochter Luisa Miller zum Adelssohn Rodolfo di Walter. Durch niederträchtige Intrigen wird ihre Liebe zerstört. Die individuellen Interessen des Liebespaares stehen im Konflikt mit den Zwängen der absolutistischen Gesellschaft und führen in die Katastrophe.

(Premiere am: 16.11.2014)

Einführung: 40 Minuten vor Vorstellungsbeginn

Wichtiger Hinweis für Busgruppen:

Für Teilnehmer von Busgruppen können bedauerlicherweise keine Einführungen angeboten werden. Da nicht jeder an den Einführungen teilnehmen möchte, können die Abfahrzeiten der Busse aus organisatorischen Gründen nur auf den Veranstaltungsbeginn abgestimmt werden.

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Der vielseitige Abend vereint einen Blick auf die „ersten Schritte“ der aus über 30 Nationen stammenden Kinder und Jugendlichen der Ballettschule des Hamburg Ballett, mit einer Vorschau auf die Tänzerinnen und Tänzer von morgen, sowohl für das Hamburg Ballett als auch für Ensembles rund um die Welt.

Sei es klassisches Ballett, moderner Tanz oder zeitgenössisches Repertoire – mit „Erste Schritte“ präsentiert die Ballettschule des Hamburg Ballett ein familienfreundliches und abwechslungsreiches Programm, das Einblicke in alle Aspekte der umfangreichen Ausbildung gibt. Alle Klassenstufen, von der Vorschule bis zu den Absolventen auf dem Sprung in die professionelle Tanzwelt, präsentieren ihr Talent und Können auf der Bühne der Hamburgischen Staatsoper. Dabei schnuppern sie die Luft auf der großen Bühne und lernen den Vorstellungsbetrieb kennen – auch dies ein wesentlicher Aspekt ihrer Ausbildung zu professionellen Tänzerinnen und Tänzern.

Ballettschule des Hamburg Ballett gründete John Neumeier 1978, um Jugendliche aus aller Welt im Alter von 10 bis 18 Jahren für Bühnentanz, mit dem Schwerpunkt klassisch-akademischem Tanz, auszubilden. Viele Absolventen der Ballettschule werden in die Compagnie des HAMBURG BALLETT übernommen.

Schauspiel nach dem Roman von Caroline Wahl

Regie: Ayla Yeginer

Dramaturgie: Telse Hand

Nach Caroline Wahls gefeiertem Debüt „22 Bahnen“ folgt mit „Windstärke 17“ eine aufwühlende, intensive und dabei ungemein tröstliche Geschichte über vermeintliche Schuld und das Verzeihen - sich selbst und den anderen.

Ida flüchtet aus der Kleinstadt – so weit weg wie möglich. Nach dem Tod ihrer Mutter landet sie schließlich auf Rügen, mit nichts als einem Hartschalenkoffer und einer Wut von Windstärke 17 im Bauch. Und ohne Plan B. Dort trifft sie auf Marianne und den örtlichen Kneipenbesitzer Knut, die die Gestrandete bei sich aufnehmen und nicht zu viele Fragen stellen. Stattdessen gibt es Aufbackbrötchen und einen Job in der Kneipe. Und dann ist da auch noch Leif, der ähnlich versehrt ist wie sie. Auf einmal scheint alles ein bisschen leichter...

Manchmal werden Wünsche wahr… nicht nur im Märchen! Aufgrund des großen Erfolges und der hohen Nachfrage kehren Alexandra Kurzeja und Torben Padanyi mit ihrem interaktiven Programm „Musical Wishes“ zurück! Die beiden Musicaldarsteller bringen eine große Auswahl an Musicalhits mit und führen charmant und mit vielen kleinen Anekdoten durch den Abend. Der besondere Clou: Sie bestimmen das Programm!

Wünschen Sie sich ein Musical – und Alexandra und Torben erfüllen Ihren Wunsch mit ihrem Lieblingslied aus der jeweiligen Show. Ein einzigartiges Konzerterlebnis, das jedes Mal anders ist – voller Überraschungen, Emotionen und magischer Momente. Lassen Sie sich das nicht entgehen!

Lustspiel von Heinrich von Kleist

Regie: Lilja Rupprecht

Bühne: Christina Schmitt

Kostüme: Annelies Vanlaere

Video: Moritz Grewenig

Dramaturgie: Nora Khuon

Kleist zeigt am Modell eines holländischen Dorfgerichts, wie die Menschen das Vertrauen in eine Obrigkeit verlieren, die nur am Machterhalt, nicht aber an der Wahrheit interessiert ist. Es inszeniert Lilja Rupprecht, bekannt für ihre magischen, glitzernden Bühnenwelten. „Eine frische, heutige Sicht auf den Stoff, die Komik auskostet und mit Ensemble und Gestaltung überzeugt.“ (NDR Kultur)

Ein zerbrochener Krug steht am Beginn der Geschichte, die von Justizbetrug, Vertuschung, Gewalt und Scheinheiligkeit erzählt. Frau Marthe erscheint im Gericht, in den Händen der zerschlagene Krug. Als Schuldigen will sie Rupprecht, den Verlobten ihrer Tochter Eve, ausmachen. Richter Adam will ohne weitere Prüfung die Verurteilung vollziehen, um den Vorgang schnell vom Hals zu haben. Doch ganz so einfach gestaltet sich der Prozess nicht, denn zart und stetig bildet sich eine Gegenkraft, die die Mächtigen und ihre Mittel überführt.